Os Números Da Arte

7ª Arte: Estória do Gato e da Lua (1995) by Pedro Serrazina

2012-01-01T09:49:00.000-08:00

Acho este filme incrivelmente bonito... A primeira vez que vi Estória do Gato e da Lua perdi-me nas palavras, no fantástico poema, e por isso pouco liguei às imagens. Na segunda deleite-me com o desenho claro, que troca ornatos excessivos por contrastes bem marcados, com tão grande fluídez que lembra um felino. Na terceira visualização e em todas as seguintes estes dois elementos misturaram-se, com a ajuda da música, numa sequência que agora adoro e sinto profundamente, o que me faz retornar a ela vezes sem conta.

A curta-metragem foi escrita e realizada por Pedro Serrazina, que também foi um dos animadores-líder da pequena equipa, em 1995. A simples e ternurenta história foi narrada por Joaquim de Almeida e ganhou diversos prémios em Portugal e no estrangeiro (Brasil, Espanha, Chile, Ucrânia, Canadá, Alemanha, Bélgica,...), conseguindo o feito de ser a primeira curta lusitana a ser nomeado para o Festival de Cannes. Não é de estranhar, são poucas as obras que aliam simplicidade com intensidade de forma tão bem conseguida.

No meio de tanto mar o barco tornava-se cada vez mais apertado, o mundo cada vez mais pequeno para toda aquela paixão!

Um feliz 2012 para todos!

8ª Arte: Gustav Klutsis

2011-12-26T06:21:00.000-08:00

O dia de hoje representou há exactamente duas décadas o culminar do processo que levou ao colapso da União das Repúblicas Socialistas Soviéticas, com a dissolução do Soviete Supremo, o mais elevado corpo governativo deste estado. Pareceu-me então um bom dia para trazer ao blog o letão Gustav Klutsis, fotógrafo pioneiro do início do século XX.

Nascido em 1895, Klutsis começou a sua aprendizagem artísitca aos 17 anos, tendo entre os seus professores o mestre Kazimir Malevich e conseguindo licenciar-se na conceituada escola de arte VKhUTEMAS. Antes, participou directamente na Revolução de Fevereiro. Já casado com Valentina Kulagina, com quem muito colaborou, começou a sua carreira a produzir aquilo porque hoje é conhecido: arte propagandistica para o regime Soviético.

O artista fez parte da influente vanguarda construtivista russa, trabalhando em áreas como a escultura, ilustração, pintura e instalações efémeras. No entanto foi mesmo a fotografia que o projectou para as páginas da História. Foi um dos primeiros a trabalhar a fotomontagem para fins políticos e criou através deste método imagens dinâmicas que mantêm uma frescura permanente através de perspectivas que colidem, distorções de espaço e escala, pontos de vista com ângulos extravagantes, etc.

Se nos primeiros anos os seus trabalhos eram entusiastas e de carácter revolucionário e utopico, pretendendo promover os ideias de Outubro e a superação física em termos laborais e desportivos, em meados dos anos 30 já estava muito limitado por normas que restrigiam o que criava a trabalhos para expandir o culto de personalidade a Estaline. Mesmo trabalhando como um subordinado mantinha-se fiel para com o Partido, mas isto não foi suficiente para impedir que fosse preso em Moscovo quando se preparava para participar na Feira Mundial de New York. Foi executado poucas semanas depois por ordem de Estaline, mais uma vítima da Grande Purga. A sua esposa nunca soube o que lhe aconteceu.

Infelizmente poucas imagens suas estão disponíveis em grande resolução na Internet. Neste post encontram-se da esquerda para a direita, de cima para baixo (façam o favor de clicar nas imagens para as aumentar) os postais que Klutsis criou para os Spartakiada de Verão em 1928 (gosto especialmente dos que têm a lançadora de disco, os mergulhadores e os lançadores de dardo), We Will Return Our Coal Debt to the Country de 1930 e Stakhanovite Brigade de 1931.

A quem desejar ver mais recomendo uma visita ao MoMA de New York (é impossível não reparar na ironia macabra de que agora tantos trabalhos seus se encontrem em exposição nesta cidade). Se acharem que tal fica demasiado fora de mão por agora recomendo que visitem a exposição A Arte da Guerra, patente no Museu Berardo até 8 de Fevereiro de 2012 onde poderam ver trabalhos que muito devem a Gustav Klutsis e os seus contemporâneos, produzidos por governos e privados para mobilizar o apoio das populações e manter a sua moral de pé durante a II Guerra Mundial.

1ª Arte: Non, Je Ne Regrette Rien (1960) by Édith Piaf

2011-12-04T09:40:00.000-08:00

Paroles par Michel Vaucaire, musique de Charles Dumont, dédicacé à la Légion étrangère. Et, en fait, je regrette beaucoup, mais depuis je suis juste de retour de Paris, je pense que c'est approprié. Des billets semblables suivront.

6ª Arte: Folhas Caídas (1853) by Almeida Garrett

2011-11-29T17:27:00.000-08:00

Adeus! para sempre adeus!
Vai-te, oh! vai-te, que nesta hora
Sinto a justiça dos Céus
Esmagar-me a alma que chora.
Choro porque não te amei,
Choro o amor que me tiveste;
O que eu perco, bem no sei,
Mas tu... tu nada perdeste:
Que este mau coração meu
Nos secretos escaninhos
Tem venenos tão daninhos
Que o seu poder só sei eu.

Oh! vai... para sempre adeus!
Vai, que há justiça nos Céus.
Sinto gerar na peçonha
Do ulcerado coração
Essa víbora medonha
Que por seu fatal condão
Há-de rasgá-lo ao nascer:
Há-de sim, serás vingada,
E o meu castigo há-de ser
Ciúme de ver-te amada,
Remorso de te perder.

Vai-te, oh! vai-te, longe, embora,
Que sou eu capaz agora
De te amar - Ai! se eu te amasse!
Vê se no árido pragal
Deste peito se ateasse
De amor o incêndio fatal!
Mais negro e feio no Inferno
Não chameja o fogo eterno.
Que sim? Que antes isso? - Ai, triste!
Não sabes o que pediste.
Não te bastou suportar
O cepo-rei; impaciente
Tu ousas a Deus tentar
Pedindo-lhe o rei-serpente!

E cuidas amar-me ainda?
Enganas-te: é morta, é finda,
Dissipada é a ilusão.
Do meigo azul de teus olhos
Tanta lágrima verteste,
Tanto esse orvalho celeste
Derramado o viste em vão
Nesta seara de abrolhos,
Que a fonte secou. Agora
Amarás... sim, hás-de amar,
Amar deves... Muito embora...
Oh! mas noutro hás-de sonhar
Os sonhos de oiro encantados
Que o mundo chamou amores.

E eu réprobo... eu se o verei?
Se em meus olhos encovados
Der a luz de teus ardores...
Se com ela cegarei?
Se o nada dessas mentiras
Me entrar pelo vão da vida...
Se, ao ver que feliz deliras,
Também eu sonhar... Perdida,
Perdida serás - perdida.

Oh! vai-te, vai, longe, embora!
Que te lembre sempre e agora
Que não te amei nunca... ai! não;
E que pude a sangue-frio,
Covarde, infame, vilão,
Gozar-te - mentir sem brio,
Sem alma, sem dó, sem pejo,
Cometendo em cada beijo
Um crime... Ai! triste, não chores,
Não chores, anjo do céu,
Que o desonrado sou eu.

Perdoar-me tu?... Não mereço.
A imundo cerdo voraz
Essas pérolas de preço
Não as deites: é capaz
De as desprezar na torpeza
De sua bruta natureza.
Irada, te há-de admirar,
Despeitosa, respeitar,
Mas indulgente... Oh! o perdão
É perdido no vilão,
Que de ti há-de zombar.

Vai, vai... para sempre adeus!
Para sempre aos olhos meus
Sumido seja o clarão
De tua divina estrela.
Faltam-me olhos e razão
Para a ver, para entendê-la:
Alta está no firmamento
Demais, e demais é bela
Para o baixo pensamento
Com que em má hora a fitei;
Falso e vil o encantamento
Com que a luz lhe fascinei.
Que volte a sua beleza
Do azul do céu à pureza,
E que a mim me deixe aqui
Nas trevas em que nasci,
Trevas negras, densas, feias,
Como é negro este aleijão
Donde me vem sangrar às veias,
Este que foi coração,
Este que amar-te não sabe
Porque é só terra - e não cabe
Nele uma ideia dos céus...
Oh! vai, vai; deixa-me, adeus!

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Este inferno de amar - como eu amo!
Quem mo pôs aqui n'alma... quem foi?
Esta chama que alenta e consome,
Que é a vida - e que a vida destrói -
Como é que se veio a atear,
Quando - ai quando se há-de ela apagar?

Eu não sei, não me lembra: o passado,
A outra vida que dantes vivi
Era um sonho talvez... - foi um sonho -
Em que paz tão serena a dormi!
Oh! que doce era aquele sonhar...
Quem me veio, ai de mim! despertar?

Só me lembra que um dia formoso
Eu passei... dava o Sol tanta luz!
E os meus olhos, que vagos giravam,
Em seus olhos ardentes os pus.
Que fez ela? eu que fiz? - Não no sei;
Mas nessa hora a viver comecei...

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Seus olhos - se eu sei pintar
O que os meus olhos cegou –
Não tinham luz de brilhar,
Era chama de queimar;
E o fogo que a ateou
Vivaz, eterno, divino,
Como facho do Destino.

Divino, eterno! - e suave
Ao mesmo tempo: mas grave
E de tão fatal poder,
Que, um só momento que a vi,
Queimar toda a alma senti...
Nem ficou mais de meu ser,
Senão a cinza em que ardi.

Almeida Garrett in Folhas Caídas

Nasceu no último ano do século XVIII e morreu em 1854. Durante a sua vida foi proeminente na esfera pública portuguesa tendo, depois de se ter licenciado em Direito em Coimbra, participado na Revolução Liberal do Porto. Foi para o exílio em Inglaterra, e posteriormente França, após a ascensão de D. Miguel ao poder. Quando regressou a Portugal dedicou-se primeiro ao jornalismo e depois à política, sendo próximo de Alexandre Herculano, Joaquim António de Aguiar, José Estêvão, Passos Manuel e do Duque de Saldanha. Tornou-se num notável orador e além de par do reino (deputado) chegou mesmo a secretário de Estado, cargos nos quais defendeu e promoveu arduamente o Teatro em Portugal. Não é por acaso que a sala principal do Teatro Nacional D. Maria II tem o nome que tem. É de Almeida Garrett que falo.

Já tive o prazer de fazer um trabalho na faculdade sobre o lado político de Garrett (para quem estiver interessado, foi sobre a obra Portugal Na Balança da Europa, em que o autor descreve quais acreditava serem os únicos caminhos para o futuro de Portugal aquando de 1829: continuar independente, num determinado paradigma que o levaria a ser verdadeiramente livre de Inglaterra, ou unir-se a Espanha) mas não é isso que este post pretende tratar. O escritor começou a publicar em 1821 (O Retrato de Vénus) e nos anos seguintes introduziu o Romantismo em Portugal. Apresenta Frei Luís de Sousa em 1843 e Falar Verdade a Mentir passados dois anos. Na prosa destaca-se com Viagens na Minha Terra, que publica em 1846.

Este post dedica-se a Folhas Caídas, volume de poesia que chegou em 1853. Foi o último trabalho que surgiu em vida do escritor. Tem quarenta e três poemas, divididos por duas partes, e destaca-se pelo pragmatismo e carácter espontâneo de muitos deles, misturando engrandecimento com ingenuidade e singeleza, assim como pela extrema intimidade que retrata (algo que o poeta constata no prefácio, Advertência). Foi inspirado por Rosa Montufar Infante, viscondessa da Luz, o que é provavelmente uma pista para a razão de tantos dos poemas referirem flores, principalmente rosas. Recomendo que leiam a obra toda, que Garrett apreciava acima de todas as outras que criou: para despertar o interesse deixei acima três dos poemas que mais senti ou de que mais gostei, por diversos motivos - são eles Adeus! (II do Livro Primeiro), Este Inferno de Amar (VIII do Livro Primeiro) e Seus Olhos (X do Livro Segundo).

9ª Arte: Garfield by Jim Davis

2011-11-22T00:20:00.000-08:00

O nosso caro Garfield obviamente dispensa longas apresentações: diverte-nos diariamente há mais de trinta anos com a indolência com que lida com quase tudo na vida, com a sua sofreguidão, o seu sadismo e egoísmo, os maus modos que tem para com Odie, aranhas e cortinas, o sarcasmo que ostenta perante todas as excentricidades do seu dono, Jon, e o carinho que demonstra quando está com o peluche Pooky. Tendo em conta isto, quando decidi fazer um post sobre este felpudo felino vi-me num dilema: ou escrevia algo semelhante ao que fiz para o Calvin and Hobbes (perfeitamente possível tendo em conta que o Garfield teve em mim um impacto quase tão grande como o opus de Bill Watterson) ou apresentava alguma coisa que a maioria dos leitores desconhece. Optei pela segunda opção para não maçar ninguém.

Permanent Monday é um blog que se iniciou em Abril de 2006 (e deixou de ser actualizado diversas vezes, a mais recente das quais em Maio de 2010). O objectivo do seu autor, Chris Stangl, é a análise de tiras de Garfield painel a painel, procurando explicar alguns dos dispositivo típicos de desenvolvimento de tramas nesta banda-desenhada, notando as tropelias mais comuns, interrogando desenhos e diálogos, desvendando factos obscuros, etc., tudo com uma linguagem extremamente cuidada, eloquente e sóbria. Esta tentativa de afastar o exame das tiras do aparato, muitas vezes absurdo e totalmente aleatório, que se vê nas mesmas, de o fazer do modo mais minucioso e desprendido possível, resultado muitas vezes em textos tão excessivos que se tornam deveras hilariantes. Para melhorar, os comentários dos leitores conseguem por vezes ter qualidades semelhantes.

Portanto, para os fans da arte sequencial do gato obeso este é um blog que recomendo com muita força (o nome do mesmo, a propósito, foi obviamente inspirado pelo pessimismo e ódio que o protagonista laranja tem para com as segundas-feiras)! E quando finalizarem a sua leitura não se preocupem: Jim Davis continua a publicar uma nova tira de Garfield todos os dias.

10ª Arte: Rockstar Classics: Grand Theft Auto (1997) & Grand Theft Auto 2 (1999)

2011-11-15T11:49:00.000-08:00

A Rockstar Games anunciou no fim do mês passado que Grand Theft Auto V estava a caminho. Foi uma espécie de prenda de Natal antecipada, totalmente inesperada por todos os que a receberam com agrado (não existiu qualquer pré-aviso ou algo que se parecesse), nem que fosse pelo facto de entre GTA III e GTA IV terem passado sete anos. O jogo vai-se situar em Los Santos, cidade baseada em Los Angeles, com muitas colinas, campos e praias. Como sempre a empresa anunciou que este é o seu jogo mais ambicioso e que vai representar uma reinvenção radical do Universo GTA. Como sempre eu acredito, porque tal como o Parker Lewis, Rockstar can't lose.

No entanto o foco deste post não é o novo jogo (afinal as informações ainda são escassas). Em vez disso decidi também dar uma prenda de Natal para nos entreter enquanto esperamos pela obra-prima da produtora de videojogos britânica. E haverá algo melhor para isto do que uma revisita aos clássicos? Este site, disponibilizado há já alguns anos pela própria Rockstar Games, permite fazer o download legal de alguns jogos criados pela companhia no final dos anos 90, quando ainda se chamava DMA Design, entre os quais Grand Theft Auto e Grand Theft Auto 2, os dois jogos que iniciaram a incrível série de acção não-linear e que dispensam totalmente apresentações. Provavelmente não sou o único a ter memórias de longas horas passadas a jogar (no meu caso) o segundo título com amigos, sempre a espreitar por cima do ombro com medo de os pais verem, e por isso espero que isto chegue com o efeito de aprazer. As versões apresentadas para download chegam modificada em algumas linhas de código de modo a funcionarem com os sistemas operativos mais recentes mas fora isto os jogos estão iguais, tão cativantes, viciantes e divertidos como quando tínhamos dez anos (no meu caso, mais uma vez).

Desafio-vos agora a reverem esta apeladora e nostálgica intro e a não descarregarem os jogos imediatamente a seguir.

5ª Arte: Não Se Brinca Com O Amor

2011-11-08T14:15:00.000-08:00

On ne Badine pas avec l'Amour foi escrito pelo poeta, romancista e dramaturgo Alfred de Musset em 1834, quando contava 24 anos. Foi nesta altura que o francês, considerado por muitos como o ápice do romantismo do seu país, após a traição da sua amada Georg Sand (também escritora), inquieto com a natureza das paixões e sentimentos humanos, se lançou na busca de alguma razão e compreensão através da escrita.

A obra estreou em 1861 na Comèdie-Française e passados 150 anos chegou pela primeira vez a Portugal com o nome Não Se Brinca Com O Amor. O encenador (e fundador/director artístico dos Artistas Unidos) é Jorge Silva Melo, já bastante conhecida do cinema nacional, que optou por usar um cenário muito simples (com muitas cortinas que podem ser tanto salas, como campos, como casas...) para apresentar esta peça. O elenco, muito jovem como o pede o texto, que seleccionou é liderado pela incrivelmente empática Catarina Wallenstein e por Elmano Sancho, acompanhados por Vânia Rodrigues, Américo Silva, António Simão, João Meireles e Alexandra Viveiros, entre outros.

A peça descreve a desventura amorosa de dois primos, Camille e Perdican: quando se reúnem após anos de separação, em que ela esteve a estudar num convento e ele na Universidade, são incapazes devido à ingenuidade e ao orgulho de se entregarem um ao outro no momento certo, de confessarem o que sentem. As tentativas de um de forçar algo a acontecer de forma indirecta, com ciúmes em vez de sinceridade, desafiando o fado e a força do amor, fazem-nos encetar uma série de jogos egoístas que levam à infelicidade de outros e a consequências trágicas que de forma efectiva os separam e lhes retiram qualquer hipótese de atingirem juntos a felicidade. É a catástrofe, o surgimento de um impedimento absoluto, que faz cair as dissimulações e volta a tornar autêntico o sentimento mais alto entre dois jovens. Tarde demais, porque não se brinca com o amor.

Mas nem tudo é drama e a obra tem diversos personagens secundários que lhe conferem bastantes momentos divertidos. A peça estreou no Teatro Viriato mas está desde dia 19 de Outubro no Teatro da Politécnica, a nova sede dos Artistas Unidos. Esta paragem, que durará até 19 de Novembro, é apenas mais uma na digressão e recomendo que se a perderem em Lisboa a procurem noutro lado. Por agora há á sessões às 4ª feiras às 19h e às 5ª, 6ª e Sábados às 21h. Há ainda uma matiné aos Sábados às 16h. Os bilhetes custam 10€, mas menores de 25 anos ou maiores de 65, assim como grupos de mais de 10 pessoas, auferem de descontos de 30%. Às 4ª o bilhete custa 5€.

"Ninguém falou tão bem da palpitação do coração, da incerteza dos dias, da tragédia que é ser jovem e não saber o que fazer dos seus anseios" - Jorge Silva Melo

P.S.: Quem for ver a peça agora vai ter ainda a oportunidade de visitar a exposição "Ainda esculturas", de Ângelo de Sousa, na Sala das Janelas do Teatro da Politécnica, rodeada pelo Jardim Botânico. Esta mostra, que se prolonga para lá das exibições até 17 de Dezembro, explora a relação de arte com o espaço, as diversas perspectivas e posições practicáveis com a ausência de um ponto privilegiado de observação e a interacção possível (na maioria dos casos negada, aqui desejada) com o público através de esculturas e desenhos do artista natural de Moçambique.

8ª Arte: Fight (2011) by Marcin Nawrocki

2011-10-31T17:53:00.000-07:00

Site Oficial

1ª Arte: HEALTH at MusicBox

2011-10-21T06:16:00.000-07:00

Ontem vi Linda Martini ao vivo. Para a semana vou ver PAUS. Mas o ponto alto de concertos este mês na mui nobre e sempre leal cidade de Lisboa vai ser amanhã (22 de Outubro), no MusicBox, com os HEALTH. O quarteto noise de Los Angeles visitou o nosso país pela última vez há cerca de um ano e meio, no Santiago Alquimista, para apresentar o segundo álbum, Get Color. Nessa altura, além de mim e mais meia dúzia de fans (se tanto), tiveram direito à pior audiência que vi em muito tempo e mesmo assim deram um espectáculo estrondoso e inigualável. Espero que amanhã tanto banda como público se superem. Eu vou fazer por isso.

Os 12€ de entrada dão ainda direito a um Jameson e a ouvir Throes & The Shine, Floating Points e Mike Stellar. Be there or be square.

11ª Arte: Her Silent Silhouette (2003) by Daniel Conway

2011-10-11T03:05:00.000-07:00

Site Oficial

3ª Arte: De Sterrennacht (1889) by Vincent van Gogh

2011-09-23T09:03:00.000-07:00

Ao que parece Vincent van Gogh dedicou-se mais a olhar, ou pelo menos a pintar, o céu nocturno nos anos imediatamente anteriores ao seu suicídio. Tenho essa percepção pois os quatro quadros que conheço do holandês que retratam estrelas foram criadas do final da década de 80 do século XIX: são elas Noite Estrelada Sobre o Ródano, Terraço do Café à Noite, Paisagem Nocturna com o Nascer da Lua e A Noite Estrelada. O quarto, que hoje fecha o ciclo do Universo como prometi há umas semanas, é o meu trabalho favorito do pós-impressionista.

Em Maio de 1889, cerca de seis meses depois de ameaçar Paul Gauguin com uma navalha e posteriormente cortar a própria orelha esquerda, van Gogh percebeu que a sua doença mental e ansiedade estavam a chegar a níveis incomportáveis e deu entrada por vontade própria no asilo Saint-Paul, em Saint-Rémy. No ano que lá permaneceu o pintor usou esta vila, a própria clínica e as paisagens circundantes como modelos para as suas criações.

Esta obra em particular foi pintada de memória: o pintor ficou acordado a olhar pela janela do seu quarto toda a madrugada e durante o dia seguinte retratou a vista. Este não era um processo usual para van Gogh. Numa carta escrita ao seu irmão Theo o pintor descreveu as horas que esteve a observar os astros e disse que no céu a Estrela da Manhã (Vénus) dominava grande parte do panorama. Pensa-se que no quadro Vénus seja então a entidade que aparece mais próxima do horizonte, grande e clara. No canto superior direito vê-se obviamente a Lua minguante. Para além destes dois pontos é difícil distinguir que outros corpos celestes, galáxias ou constelações estão representadas. Sempre estive convencido que o turbilhão claro e sedutor que se estende pelo centro, e que dá uma qualidade de movimento e renovação constante à pintura que permite aos olhos dançarem pelas suas curvas sem se cansarem, seria a Via Láctea, mas o autor não deixou qualquer indicação para isto. Nem isso interessa, para dizer a verdade, a força desta pintura não está na sua exactidão. Mesmo a vila harmoniosa em baixo foi adicionada à paisagem e o cipreste em forma de chama que no lado esquerdo une a Terra ao céu talvez seja produto da imaginação também. O que dá um poder tremendo a este trabalho é ser tão perceptível aquilo em que Vincent van Gogh estava a pensar quando o criou: como muitos de nós quando olhamos para a noite o holandês estava a reflectir no seu destino, na morte, na eternidade... O mestre escreveu uma vez que "olhar para as estrelas sempre me fez sonhar. Porque não devem ser os pontos brilhantes no céu tão acessíveis como os pontos negros no mapa de França? Tal como apanhamos o comboio para ir até Tarascon ou Ruão, apanhamos a morte para alcançar uma estrela."

A pintura a óleo tem 73,7 por 92,1 cm e encontra-se exposta na colecção permanente do Museum of Modern Art em New York. Já estive na cidade mas infelizmente não tive oportunidade de visitar este museu ainda. Sendo assim não tenho a certeza do tom usado no original, as photos mostram sempre cores diferentes. Acabei por escolher a versão que me pareceu que seria a mais próxima da realidade, mas pode perfeitamente não ser. Aqui a apresento, a um minuto da hora do equinócio.

1ª Arte: The Galaxy Song (1983) by Monty Python

2011-09-21T03:38:00.000-07:00

Do filme The Meaning of Life, foi escrita (e é cantada) por Eric Idle. Tal como no poema de Auden nem todos os dados estão correctos (alguns foram alterados por razões artísticas, outros "eram factos" na altura em que a música foi escrita mas descobertas posteriores fizeram com que deixassem de ser), mas a maioria não ficou longe da verdade. Os que estão de facto errados não estão exagerados mas sim por baixo... o que de resto só torna a letra mais impressionaste.

4ª Arte: My Lunar Rover (2005) Peter Hennessey

2011-09-19T19:39:00.001-07:00

A maioria dos objectos (sejam naves, satélites, estações espaciais, observatórios ou outra coisa qualquer) que o Homem envia para fora da Terra não regressa no estado original, mas sim divididos em pedaços mais pequenos ou simplesmente pulverizados em milhões de grãos de areia. Há muitos aparelhos que nem assim voltam à Terra, como os veículos de exploração Voyager 1 e 2 que se encontram bem para lá da órbita do planeta anão Plutão.

Essas sondas foram exactamente dois dos modelos usados por Peter Hennessey para criar esculturas em tamanho real e meticulosamente detalhadas de diversas naves espaciais. Fê-lo pois achou que as photos não eram suficientes e este seria o modo mais real que teríamos para experimentar de forma física estas máquinas, desenvolvidas e lançadas para o Cosmos para aprender mais sobre este e sobre nós próprios, e percepcionar as suas dimensões.

Além de My Voyager 1 o australiano, de 43 anos e licenciado em arquitectura, criou igualmente My Hubble (The Universe Turned In On Itself). É a sua obra mais recente e demorou três meses a ser desenhada, modelada e montada. Mas também não é este o trabalho presente na photo de cima. A imagem mostra My Lunar Rover, uma representação do Apollo Lunar Roving Vehicle, usado na Lua por três vezes no início dos anos 70 do século XX (em segundo plano é possível observar My Mission Control, escultura do centro homónimo da NASA mais conhecido por "Houston"). Foi feito essencialmente, como os restantes trabalhos do artista, em contraplacado, aço galvanizado e lona. Para verem mais perspectivas da obra, ficarem a conhecer as outras que referi ou mesmo o portfolio total de Hennessey (gosto bastante de My Giant Squid) não deixem de visitar a sua página online.

Site Oficial

8ª Arte: Milky Way Over Switzerland (2011) by Stephane Vetter

2011-09-17T22:43:00.000-07:00

O Sistema Solar encontra-se na Via Láctea. Além do Sol, esta galáxia espiral barrada contém cerca de 300 mil milhões de estrelas (um terço das que a galáxia Andrómeda, nossa vizinha, tem) espalhadas por 100 000 anos-luz, o seu diâmetro, tendo a mais antiga destas aproximadamente 13,2 mil milhões de anos (surgiu apenas 500 milhões de anos após o Big Bang, portanto). A espiral tem vários braços e nós encontra-mo-nos no Braço de Órion, um dos menos imponentes. Estamos a cerca de 26 000 anos-luz do centro da galáxia, que se encontra na direcção da constelação Sagitário e onde se pensa estar um buraco negro supermassivo à volta do qual orbitamos (ele terá mais de 4 milhões de vezes a massa do nosso Sol mas não se assustem, mesmo que ele nos sugue não será assim tão cedo).

A photo acima, tirada por Stephane Vetter do site Nuits Sacrées, representa a Estrada de Santiago vista de Creux du Van, Suíça. Alguns vão pensar que de acordo com as minhas palavras há pouco deveríamos estar a ver uma espiral. Temos de nos lembrar que nós estamos a ver a galáxia de dentro e é devido a este facto que ela parece uma nebulosa faixa brilhante e não uma espiral (se querem ver como a Via Láctea poderá parecer para quem a observa de fora procurem imagens da galáxia NGC 1365). Desde sempre que o Homem a vê no céu (agora com dificuldade acrescida devido à poluição luminosa) com esta forma e é por isso que lhe deu os nomes de Via Láctea, Estrada de Santiago, Rio Prateado (China), Rio Celeste (Japão), Curso do Pássaro (Lituânia), Caminho de Inverno (Islândia), Rua de Inverno (Suécia), Caminho de Palha (Turquia), Grande Cerca de Estrelas (Irlanda), Estrada dos Guerreiros (Hungria),..., tudo designações que apontam para algo que segue um percurso definido, o que não acontece com uma espiral. Os filosofos gregos Anaxágoras e Demócrito, no século V a. C., terão sido os primeiros a conjecturar que a Via Láctea deveria ser composta por estrelas distantes. Esta ideia foi debatida e estudada ao longo de vários séculos por diversos astrónomos gregos, árabes e persas mas foi preciso o mestre Galileu Galilei, em 1610, usar o seu telescópio melhorado para examinar a tal faixa luminosa e constatar que tal percepção correspondia à verdade. Edwin Hubble fez, nos anos 20 do século passado, as observações finais para provar com certeza absoluta que estávamos a olhar para a nossa galáxia.

É muito complicado encontrar planetas fora do Sistema Solar por observação mas estima-se que existam 50 mil milhões na nossa galáxia (eu acredito que serão muitos mais), 500 milhões dos quais estarão a orbitar as suas estrelas na chamada zona habitável. Todas as estrelas que espiamos à noite moram na mesma galáxia. Há outros pontos que conseguimos espreitar fora da Via Láctea mas estes não são estrelas, são outras galáxias. Para alguém que se deseje sentir um pouco inchado informo isto: a Via Láctea tem outras galáxias mais pequenas como satélites, a orbitarem à nossa volta (vejam na imagem do primeiro link o "Local Galactic Group - as mais conhecidas são as Nuvens de Magalhães, nomeadas em nome do explorador português). Mas não se esqueçam nunca: há mais centenas de milhares de milhões de galáxias para além da nossa.

P.S.: Eis dois sites que recomendo para imagens do Universo: o Astronomy Picture Of The Day da NASA (é a minha homepage) e o The World At Night. Um par entre muitos outros que valem a pena procurar.

7ª Arte: The Sagan Series I (2011) by NASA

2011-09-15T18:09:00.000-07:00

Talvez isto venha a mudar, mas quando penso hoje na minha pessoa favorita da História, quando tento escolher um ídolo absoluto, o nome que vem mais vezes à minha mente é Carl Sagan. O americano morreu há quase 15 anos mas o seu legado persiste com as pesquisas que fez, os livros que escreveu, o activismo anti-nuclear e pacifista que encetou mas principalmente a série documental que criou em 1980, Cosmos: A Personal Voyage. Em treze episódios o astrofísico explica, muitas vezes de forma incrivelmente filosófica, fascinantes factos científicos, muitos deles ligados à astronomia, à origem do Universo, da Vida e do Homem. É verdade que a série está datada, nota-se em termos visuais que já foi filmada há várias décadas e alguns dados estão obsoletos, mas mesmo assim persiste uma experiência magnífica para qualquer amante do conhecimento.

O vídeo de cima não faz parte de Cosmos, tendo antes sido produzido pela NASA para uma série de curtos documentários de nome The Sagan Series. Não é tanto sobre o Universo como é sobre Nós. No entanto, se virem o último link do post anterior percebem que na verdade é sim sobre o Universo. Se a narração de Sagan e as imagens portentosas vos deslumbrarem como a mim não deixem de ver o resto da série (em fullscreen e alta definição), que até agora conta com sete episódios, todos maravilhosos.

P.S.: A música de abertura de Cosmos é uma criação de Vangelis chamada Movement 3, do álbum Heaven and Hell. Não o posso deixar de referir pois estive quase a usar o músico grego neste ciclo, não com essa música mas com Pulstar, Alpha ou Albedo 0.39, do álbum homónimo desta terceira. Não perdem nada em ir ouvir estas composições.

6ª Arte: After Reading a Child's Guide to Modern Physics (1961) by W. H. Auden

2011-09-13T19:23:00.000-07:00

If all a top physicist knows
About the Truth be true,
Then, for all the so-and-so's,
Futility and grime,
Our common world contains,
We have a better time
Than the Greater Nebulae do,
Or the atoms in our brains.

Marriage is rarely bliss
But, surely it would be worse
As particles to pelt
At thousands of miles per sec
About a universe
Wherein a lover's kiss
Would either not be felt
Or break the loved one's neck.

Though the face at which I stare
While shaving it be cruel
For, year after year, it repels
An ageing suitor, it has,
Thank God, sufficient mass
To be altogether there,
Not an indeterminate gruel
Which is partly somewhere else.

Our eyes prefer to suppose
That a habitable place
Has a geocentric view,
That architects enclose
A quiet Euclidian space:
Exploded myths — but who
Could feel at home astraddle
An ever expanding saddle?

This passion of our kind
For the process of finding out
Is a fact one can hardly doubt,
But I would rejoice in it more
If I knew more clearly what
We wanted the knowledge for,
Felt certain still that the mind
Is free to know or not.

It has chosen once, it seems,
And whether our concern
For magnitude's extremes
Really become a creature
Who comes in a median size,
Or politicizing Nature
Be altogether wise,
Is something we shall learn.

W. H. Auden in About The House

Mais um regresso ao blog, desta vez do poeta W. H. Auden. Na lista que fiz de poemas adequados para usar neste ciclo do Universo estavam dois deste anglo-americano e não posso deixar de escrever umas palavras sobre o outro, "The More Loving One". Este é um poema simples, com quatro quartetos, em que uma metáfora de atracção por estrelas serve para explorar temas de amor distante/separação e a preferência de sentir dor a estar entorpecido a sentimentos. O sujeito sabe que por mais que ame as estrelas isso não vai fazer com que elas sintam menos indiferença por ele ou se aproximem mais sequer e percebe que só lhe resta conformar-se a esperar por tempo incerto que a sua dor sare. Espero ter vós deixado curiosos para irem ler o texto por vocês mesmos.

Quanto ao poema que se encontra antes deste texto, parece-me óbvia a razão pelo qual foi escolhido. Tendo em conta que Auden era filho de um físico entende-se que o seu conhecimento de causa era genuíno e claro. Mas obviamente que a clareza em matérias astrofísicas é sempre relativa pois todos os anos se descobrem factos que podem abalar algo dado como certo (esta adição posterior ao post é exemplo óbvio disso): ao contrário do que era considerado nos anos 60 do século XX hoje já não se pensa que o Universo tem a forma de uma sela em expansão constante, como o autor implica, sendo provavelmente uma superfície geometricamente plana, também em expansão constante. De qualquer maneira é de aplaudir o esforço e a qualidade do poema. O grande físico Richard Feynman disse uma vez que achava errada a noção de que a ciência tirava a beleza das estrelas, que de alguma maneira ao explicar o Universo lhe tirava a força que tem de expandir a imaginação enquanto se olha para o céu nocturno. Auden diz neste poema que ficaria mais contente se soubéssemos de facto para que queríamos o conhecimento que a ciência dá. Feynman disse que o conhecimento serve não para tirar beleza às estrelas mas sim para a incrementar e dou-lhe razão pois o que sei de astrofísica só me faz ficar mais fascinado e maravilhado com o Cosmos. Esta beleza, também em expansão, devia ser aproveitada mais por poetas e outros artistas. Felizmente alguns, mesmo com dúvidas, ainda o fazem e conseguem uma aprazível fusão de arte e ciência.

3º Arte: Messier 5 (2010) by Rui Toscano

2011-09-10T13:07:00.000-07:00

O nosso Universo começou há cerca de 13,7 mil milhões de anos com uma singularidade, um ponto onde a pressão gravitacional é tão intensa que matéria finita é comprimida em densidade infinita. Antes do Big Bang tudo o que há hoje estava noutra forma num ponto infinitamente pequeno, infinitamente quente e infinitamente denso. Uma singularidade.

Esta é a razão pela qual a exposição que Rui Toscano apresentou na galeria Cristina Guerra no Verão de 2010 se chamava "Out of a Singularity". Foi a segunda mostra do artista cuja inspiração foi o Cosmos, depois de no ano anterior ter desvendado "The Great Curve". Ao contrário dessa primeira experiência, cujos resultados foram esculturas, instalações e vídeos, a exposição de 2010 teve como mediums o desenho e a pintura. A obra que escolhi entre as várias disponíveis foi Messier 5 (NGC 5904), um quadro de 2,5 por 4 m pintado com tinta acrílica. O Messier 5 verdadeiro é um aglomerado globular que se encontra a 24500 anos-luz da Terra, na constelação Serpente, e tem um diâmetro de 165 anos-luz, sendo uma das maiores estruturas deste género conhecidas. Fazem parte de si entre 100000 e 500000 estrelas e tem cerca de 13 mil milhões de anos, bem mais do dobro da idade do nosso Sol. É possível observá-lo a olho nu.

O lisboeta nasceu em 1970 e estudou pintura e escultura no Centre for Art and Communication e na Faculdade de Belas Artes. Expõe por cá e lá fora desde 1993. Um artista a seguir.

11ª Arte: Black Hole (2006) by Praetorian3D

2011-09-05T05:33:00.000-07:00

Há muitas coisas que ainda não sabemos sobre o Universo. Há muitas coisas que ainda não vimos. No entanto há algumas coisas que achamos que podem ser de uma maneira ou de outra, que podem fazer isto ou aquilo. Os buracos negros caem nestas categorias. Não temos certeza de alguma vez ter avistado um que seja, embora calculemos onde alguns se encontram no céu nocturno. Como nunca vimos nenhum os astrofísicos, em vez de lhes tirarem fotografias, têm de pedir a artistas que os desenhem de acordo com as especificações que pensam ter. Isto é feito para muito mais estruturas cósmicas e muitos artistas decidem também criar representações sem serem encomendadas. É o caso da que usei hoje, uma imagem fractal feita em 2006 por Praetorian3D. Pelo que sei da matéria a obra não mostra totalmente bem o que será um buraco negro na realidade. Mas gostei do trabalho e o autor representa nele não só a forma esférica que os buracos negros terão mas também o assombroso facto de que nem a luz consegue escapar de um local destes. Se quiserem ver um trabalho mais profissional sugiro que vão à página da Wikipedia sobre buracos negros onde, por agora, se encontra uma representação também tremendamente bonita de um logo no topo.

10ª Arte: Mass Effect (2007)

2011-09-01T15:30:00.000-07:00

O jogo que trago hoje é um RPG. Há poucos anos não ligava muito a este género mas alguns títulos incrivelmente bons com que me cruzei mudaram esta minha posição. Mass Effect é sem dúvida um deles.

Não me vou estar a alongar num resumo pois, tal como nos outros role-playing games que adorei, o que é melhor aqui é sem dúvida a história. Os eventos passam-se cerca de dois séculos para o Futuro, numa altura em que os terráqueos já dominam as viagens entre diferentes sistemas planetários e já se deram a conhecer a muitas outras espécies inteligentes pela Via Láctea fora. Entramos na pele do (ou da) Comandante Shepard, um soldado de elite, enquanto este percorre a nossa galáxia liderando uma tripulação na SSV Normandy. Começa a soar a Star Trek? Talvez percebam porque escolhi este jogo para fazer parte do ciclo dos Cosmos, então. Tal como na conhecida série visitamos diversos planetas (o mapa onde escolhemos o próximo destino é um dos elementos mais bonitos, informativos e inovadores do jogo) para completar as nossas variadas missões. Estas viagens são tornadas possíveis através do "Mass Effect", uma força física descoberta pelos humanos no século XXII e que permite viagens acima da velocidade da luz, além de dar a alguns humanos que a manipulam com implantes especiais variadas habilidades e poderes. Enquanto realizamos as travessias por este Universo cheio de pormenores (e acreditem em mim, o jogo é extraordinariamente detalhado) vamos juntando os elementos principais da nossa tripulação, composta por membros de diversos planetas, e explorando as relações entre eles. Um dos aspectos mais interessantes do enredo encontra-se aqui, quando começamos a perceber que a maioria das outras raças com que nos cruzamos não gostam especialmente dos humanos, acham-nos primitivos e violentos... tratam-nos como tendemos a tratar algumas das outras espécies do nosso próprio planeta, resumindo. Outros temas interessantes examinados são a colonização espacial, a liberdade de pensamento, a batalha entre inteligência orgânica e inteligência artificial, etc. A trama é complexa e fascinante o suficiente para nos prender por dezenas horas, com qualidade semelhante à de um bom livro, e desenvolve em direcção a uma ameaça apocalíptica que faz com que todas os diferentes pontos de vista tenham de ser postos de lado e obriga as várias espécies inteligentes à união para lutar contra algo que pode significar o seu fim. E se querem saber mais podem ir comprar o jogo.

Disponível para XBox 360 e PC, o jogo foi produzido pela BioWare (a mesma casa que nos deu Star Wars: Knights of the Old Republic, jogo de que provavelmente falarei aqui mais tarde por se tratar de um dos meus favoritos de sempre) e lançado no final de 2007. A história foi aliás escrita pelo mesmo autor de KotOR, Drew Karpyshyn. A primeira sequela de Mass Effect saiu em 2010 e o capítulo final chegará nos primeiros meses de 2012. Outro aspecto de valor desta série é que se guardarmos os saves de um jogo podemos continuar a nossa história no seguinte, o que tendo em conta que há diversos finais possíveis (tanto em termos de história principal como de relações, tripulação, proficiência em armas e no "Mass Effect", etc) é bastante bem-vindo. Se pensarmos noutros RPGs percebemos que o gameplay é muito bom, sendo intuitivo e fácil de usar mesmo nos momentos de acção. Como em qualquer RPG recente há muito que pode ser personalizado, desde a aparência do nosso personagem aos aposentos privados. Embora já tenha quatro anos os gráficos ainda são bastante bons, longe de fazerem doer os olhos. A banda-sonora é de grande qualidade e os diálogos bastante bons, principalmente os mais divertidos. O jogo não obteve mais 90% na maioria das análises nem ganhou numerosos prémios de Melhor RPG, Melhor História, Melhor Banda-Sonora, Melhores Vozes e Jogo do Ano por acaso. Uma obra-prima da 10ª Arte.

4ª Arte: Expanding Universe (2011) by Peter Hennessey

2011-08-27T13:41:00.000-07:00

Achar esculturas sobre o Cosmos não é tão fácil como estava à espera. Há muitas foleiras de estrelas e planetas que para mim não têm nada de interessante e descobrir algo que realmente se destaque foi complicado. Quando finalmente dei de caras com essa tal obra de arte vi que era patrocinada pela equipa de baseball americana Chicago Cubs. Sou alguém que não gosta nada da fusão entre arte e publicidade (que é o que um patrocínio deste género significa na realidade). Portanto fiquei um pouco de pé atrás. Mas lá acabei por me fazer um homenzinho e decidi postar mesmo a tal escultura porque a acho original e interessante.

Expanding Universe é uma obra de Eric Lindsey e encontra-se em exposição na James G. Blaine Elementary School em Chicago, fazendo paret da Lakefront Sculpture Exhibit. A peça foi feita com granito, ferro e fibra de vidro e pesa mais de 1700 kg. O autor diz pensar que "um dos propósitos da escultura como arte é tornar visível aquilo que não pode ser visto e isso inclui não apenas o acto óbvio de expressão original (do artista) mas também tentar descrever o acto da criação; para ser mais preciso, a origem do acto de criação." O americano, escultor há mais de trinta anos, diz que a partir desta ideia usou um modelo de cartoon como metáfora para a tornar material, representando a parte branca da escultura uma nuvem de fumo a escapar de uma máquina (a parte do parafuso) depois de esta explodir.

Infelizmente essas pequenas photos foram tudo o que consegui encontrar da peça. Resta-me apenas acrescentar que embora a explicação que o autor deu faça sentido para mim, admito que quando vi pela primeira vez o trabalho não me ocorreu que aquilo fosse gás a escapar. Pensei que era algo mais, outro evento em florescimento constante, o "acto de criação" original. Mas na verdade o conceito é o mesmo e Lindsey de certeza que tinha também a minha ideia em mente durante a criação. Deixo-vos uma frase de Albert Einstein:

Once you can accept the Universe as matter expanding into nothing that is something, wearing stripes with plaid comes easy.

Site Oficial

6ª Arte: Evening Star (1827) by Edgar Allan Poe

2011-08-23T15:49:00.000-07:00

'Twas noontide of summer,
And mid-time of night;
And stars, in their orbits,
Shone pale, thro' the light
Of the brighter, cold moon,
'Mid planets her slaves,
Herself in the Heavens,
Her beam on the waves.

I gazed awhile
On her cold smile;
Too cold—too cold for me—
There pass'd, as a shroud,
A fleecy cloud,
And I turned away to thee,
Proud Evening Star,
In thy glory afar,
And dearer thy beam shall be;
For joy to my heart
Is the proud part
Thou bearest in Heaven at night,
And more I admire
Thy distant fire,
Than that colder, lowly light.

Edgar Allan Poe in Tamerlane and Other Poems

Qualquer pessoa que já tenha observado os céus nocturnos durante algum tempo deve ter sentido algo semelhante ao descrito neste poema. O mesmo foi escrito por Edgar Allan Poe quando tinha apenas 18 anos e foi inspirado por outro de igual qualidade, While Gazing On The Moon's Light do irlandês Thomas Moore.

1ª Arte: Space Oddity (1969) by David Bowie

2011-08-17T03:17:00.000-07:00

Quando pensei que devia fazer um post sobre música inspirada no Universo achei que ia ter uma tarefa complicada pela frente, mas depressa me lembrei da The Whole Of The Moon dos Waterboys. E depois lembrei-me de mais músicas e bandas que podiam encaixar aqui. E ainda mais. E, sim, mais! Acabou por ser complicado na mesma, mas o difícil foi reduzir o material e não encontra-lo.

Não pensei muito nos Pink Floyd (Echoes, Let There Be More Light, Astronomy Domine, ...), nos Ash Ra Temple (Schwingungen: Suche / Liebe, Deep Distance, Sunrain, ...) ou em outros que como estes têm músicas que são, na minha opinião, adequadas ao Cosmos pois estas não são acompanhadas de letras que se possam relacionar. Estive muito inclinado a escolher Rush devido à genialidade descritiva da Cygnus X-1 Book I: The Voyage e da Countdown (a sério, vão ver as letras) mas o género puramente progressive rock e nada espacial fez-me desistir. Decidi também não usar nada de bandas sonoras de filmes e séries de ficção científica para isto não ser demasiado fácil para mim nem aborrecido para quem me lê. E por fim optei por igualmente deixar de lado a espectacular colectânea Symphonies Of The Planets: NASA Voyager Recordings porque vendo bem a coisa aquilo não são músicas mas sim sons naturais.

Estava eu neste raciocínio quando a resposta me chegou de repente, óbvia: quem é o artista pelo qual tenho uma admiração tão carnal que quase me faz duvidar da minha orientação sexual e que no entanto ainda não fez uma aparição neste blog? David Bowie! E, claro, com a Space Oddity, a primeira música da trilogia Major Tom, que fica completa com Ashes To Ashes e Hallo Spaceboy. O tema, presente no segundo álbum homónimo de Bowie e inspirado na magnum opus de Stanley Kubrick, foi lançado a 11 de Julho de 1969, o mesmo dia em que Neil Armstrong, Buzz Aldrin e Michael Collins chegaram à Lua na Apollo 11.

Mais palavras sobre esta composição genial são inúteis, deixo-vos o vídeo oficial (filmado em 1972) e a letra. Mas antes, e falando de música, não posso deixar de referir que hoje começa o Festival Paredes de Coura 2011. Eu estou lá. E se não querem ser caretas aconselho a que passem por lá também. Há Pulp, há Death From Above 1979, há Battles, há Omar Souleyman, há Linda Martini, há Warpaint, há Deerhunter, há Mogwai, há principalmente Crystal Castles e há muito mais.

Ground control to major Tom...
Ground control to major Tom...
Take your protein pills and put your helmet on.
(Ten) Ground control (Nine) to major Tom (Eight)
(Seven, six) Commencing countdown (Five), engines on (Four)
(Three, two) Check ignition (One) and may gods (Liftoff) love be with you!

This is ground control to major Tom, you've really made the grade
And the papers want to know whose shirts you wear
Now it's time to leave the capsule if you dare.

This is major Tom to ground control, I'm stepping through the door
And I'm floating in a most peculiar way
And the stars look very different today.
For here am I sitting in a tin can, far above the world
Planet Earth is blue and there's nothing I can do.

Though I'm past one hundred thousand miles, I'm feeling very still
And I think my spaceship knows which way to go...
Tell my wife I love her very much, she knows!

Ground control to major Tom, your circuits dead, there's something wrong!
Can you hear me, major Tom?
Can you hear me, major Tom?
Can you hear me, major Tom?
Can you...

Here am I sitting in my tin can far above the Moon
Planet Earth is blue and there's nothing I can do.

8ª Arte: Heart and Soul (2009) by Steve Loughran

2011-08-13T13:25:00.000-07:00

Steve Loughran é um astrónomo amador que se dedica a tirar fotografias ao céu nocturno a partir do seu quintal em Cambridgeshire, Reino Unido. É digno de referência pois estas mesmas photos, em que chega a trabalhar mais de 10 horas e para as quais faz várias directas seguidas quando os céus estão limpos, têm uma qualidade magnífica tendo em conta as inconcebíveis distâncias e o facto de serem conseguidas com material que ronda apenas os £10000 (uma máquina fotográfica, um computador e três telescópios com alcance distinto). O inglês, que começou a captar imagens do Universo no início de 2007, consegue resultados finais semelhantes aos que a NASA só atinge com equipamento no valor de milhões de dólares. Recomendo uma visita ao site de Loughran pois além de encontrarem muitas mais imagens (gosto especialmente de algumas da galáxia Andrómeda) também podem ter acesso a detalhes técnicos sobre todas as photos e descrições do processo de exposição, assim como links para outros sites semelhantes.

Heart and Soul, além de uma excelente música dos Joy Division, é a designação de um par de nebulosas de emissão que devido à sua proximidade são mais vezes referidas juntas do que separadas. De nomes oficiais IC 1805 e IC1848 respectivamente encontram-se a 7500 anos-luz da Terra e podem ser observadas na constelação Cassiopeia. Não se deixem enganar pelo arranjo no nome, a Heart é a da direita e a Soul a da esquerda.

Site Oficial

7ª Arte: The Aurora (2011) by Terje Sorgjerd

2011-08-05T07:32:00.000-07:00

O filme acima, que devem ver em ecrã completo, é composto de gravações feitas durante uma semana em Kirkenes e no parque nacional Øvre Pasvik, na Noruega. O trabalho é do local Terje Sorgjerd e é do mais belo que alguma vez vi. Aconselho os restantes vídeos deste fotógrafo paisagístico, a encontrar na sua conta no Vimeo, ideais para quem consegue apreciar em pleno a beleza que a Natureza e o Universo nos oferecem diariamente.

As auroras, sejam borealis como esta ou australis, são observáveis nos céus nocturnos das regiões polares. A origem desta lindíssima luz dançante está na colisão na alta atmosfera, acima de 80 km de altitude, de fluxos de partículas electricamente carregadas que chegam à Terra através de vento solar (podem ver a história com mais detalhes aqui). Estas partículas, em geral protões e electrões, são expulsas de forma natural e constante pelo Sol, nomeadamente através das incríveis coronal mass ejection, e são também responsáveis pelas caudas dos cometas. Estando o Sol a aproximar-se no seu ciclo de um solar maximum os próximos anos serão fantásticos para observar estes fenómenos por isso recomendo a quem os queira ver in loco que comece a pensar em férias em latitudes elevadas por volta dos equinócios.

3ª Arte: Glas Absint en een Karaf (1887) by Vincent van Gogh

2011-08-01T17:55:00.000-07:00

Depois de nos primeiros meses do ano ter postado de forma bastante regular deixei isto abrandar. Como não quero que a minha indolência escorra demais para a minha persona virtual achei melhor pegar no blog e avançar com um projecto que já tenho há algum tempo - fazer uma série de posts dedicada ao Universo. Sendo assim, todas as publicações até ao equinócio de Setembro terão como tema central o Cosmos. A excepção será mesmo hoje, cuja matéria é algo pela qual os meus lábios carecem agora, que de qualquer maneira serve de pista para um futuro (e nada original) post do tal ciclo.

Copo de Absinto e um Jarro foi pintado em Paris em 1887. Como muitos quadros de célebres pintores pós-impressionistas este é um retrato fiel da sua época, neste caso de forma restrita da "fada verde", o principal estimulante de muitos dos artistas do final do século XIX e início do XX, entre eles obviamente Vincent van Gogh que terá visto esta imagem da exacta perspectiva que a retratou nesta natureza morta muitas vezes. A pintura a óleo de 46,5 por 33 cm encontra-se no Van Gogh Museum em Amesterdão.

9ª Arte: Cavalo Cansado (2008) by Manel Cruz

2011-07-01T05:00:00.000-07:00

Há dias em que só a coisa mais aleatória do mundo nos traz um sorriso à cara. Esses são bons dias para dar graças por Manel Cruz ser um homem dos sete ofícios e nos tempos livres da música se dedicar também à banda desenhada.

3ª Arte: The Globe of New York (2011) by Stephen Wiltshire

2011-05-13T15:29:00.000-07:00

Quando Stephen Wiltshire tinha três anos foi-lhe diagnosticado autismo. Com a disfunção, no entanto, veio também uma extraordinária memória fotográfica e uma capacidade imaginativa fora do comum. Isto aliado a uma inclinação especial para o desenho permitiu ao londrino fazer desde muito pequeno trabalhos que se destacavam e captavam a atenção dos seus professores. Com apenas 13 anos a sua aptidão levou-o a um programa de TV e ao lançamento de um livro, tendo as aparições e publicações multiplicado-se desde então, assim como inúmeras exposições, tanto colectivas como a solo. Em 2006 Wiltshire foi feito membro da Order of the British Empire e abriu a sua galeria, na Royal Opera Arcade, Pall Mall, Londres. Hoje é conhecido um pouco por todo o mundo, principalmente pelos panoramas totais e cheios de detalhes que já fez de diversas cidades dos vários continentes, normalmente após as sobrevoar brevemente de helicóptero. Por motivos de espaço achei melhor não postar um desses panoramas, mas recomendo vivamente que os vejam no site oficial do artista (em constante actulização de obras e onde também aconselho os vídeos) e procurem na net pois só assim podem apreciar a verdadeira singularidade do talento do artista britânico. Embora Wiltshire também tenha desenhos de partes de cidades ou do quotidiano em mais pormenor achei que seria mais interessante deixar aqui este globo, que me pareceu bastante original e bonito. Pelo que sei é apenas o segundo trabalho que faz do género (sendo o primeiro da sua cidade) e portanto há esperança que um dia possamos ver um de uma cidade portuguesa.

Site Oficial

Para o meu irmão mais novo, que faz hoje 7 anos.

2ª Arte: takeSomeCrime

2011-05-06T23:19:00.000-07:00

takeSomeCrime é o canal de um user do YouTube do qual não consegui descobrir o nome verdadeiro. Este user começou a postar vídeos em Novembro de 2007 mas o sucesso chegou apenas uns meses depois, tendo agora já sido visto mais de 10 milhões de vezes em dezenas de danças diferentes. Com esperança que alguém ainda o desconheça, aqui o apresento então. Para além do vídeo acima, com a música Jeffer de Boys Noize (que por acaso passa pelo Lux Frágil no dia 12 deste mês <3), recomendo o de Butter dos The Bloody Beetroots, Catgroove de Parov Stelar, Sexy Results dos MSTRKRFT e Vietnam dos Crystal Castles. Pelo menos três destas músicas vão ser ouvidas nos festivais de Verão deste ano por isso sugiro que comecem já a praticar (pela primeira vez dou graças por Skrillex não vir cá por agora, pode ser nocivo).

11ª Arte: Little Red Colors (2010) by pacman23 & RyuDan

2011-04-27T03:07:00.000-07:00

Um trabalho feito com o Adobe Photoshop CS3 e uma Wacom Tablet.

1ª Arte: Nine Inch Nails at Woodstock '94

2011-04-21T01:05:00.000-07:00

Os concertos são uma parte essencial da minha vida. Quando vou a um em geral sinto-me feliz como de poucas outras maneiras e experimento realmente toda a força que pode vir do simples facto de vivermos. Isto pode soar a cliché mas é verdade. Quanto mais intenso for o concerto melhor, mas esta intensidade é algo complexo que se pode medir com vários factores, como energia das músicas e dos músicos, companhia que levamos, emoção das letras, qualidade técnica e proximidade ao som do álbum, exploração das músicas e experimentação ao vivo, elementos visuais e cénicos, etc, etc, etc. Mas não é disso que venho falar hoje.

Há muitas bandas que adoro mas que nunca vi ao vivo simplesmente porque quando estavam no seu auge eu era muito novo ou ainda não tinha nascido. Exemplos óbvios são os Led Zeppelin, os Pink Floyd, The Clash, os Nirvana, os Manic Street Preachers com o Richey James, etc. No entanto, graças às maravilhas da tecnologia, já tive oportunidade de ver muitas destas bandas em acção e constatar quão incríveis foram no apogeu (Live at Pompeii e Pulse dos Pink Floyd em DVD, a performance dos MSP em Glastonburty 1994 no YouTube, ...). Menos óbvio talvez seja incluir entre estes nomes os Nine Inch Nails, que até há dois anos andavam na estrada. Mas de facto há um concerto especial dos NIN a que não fui mas que posso afirmar ter sido uma das actuações artísticas mais impetuosas, viscerais, agressivas e energéticas de sempre pois já a vi muitas vezes em vídeo. Trata-se da performance no festival Woodstock '94, que ocupa um lugar cimeiro (se não mesmo o de topo) na lista de concertos a que queria ter assistido ao vivo.

Pinion
Terrible Lie
Sin
March of the Pigs
Something I Can Never Have
Closer
Reptile
Wish
Suck
Burn
The Only Time
Down In It
Dead Souls
Help Me I Am in Hell
Happiness in Slavery
Head Like a Hole

O concerto inseriu-se na Self Destruct Tour e faziam parte da banda Danny Lohner, Robin Finck, Chris Vrenna, James Woolley e, obviamente, o recipiente do Oscar para Melhor Banda Sonora Original de 2010 (The Social Network) Trent Reznor, líder e único compositor do grupo. The Downward Spiral, o segundo álbum, tinha sido lançado há pouco tempo, terminando talvez o melhor ciclo de criatividade e gravações de Reznor, de que também fazem parte Pretty Hate Machine, o grandioso álbum inaugural, e o EP Broken. A setlist escolhida (listada acima, carreguem lá para verem todo o concerto, não se esquecendo de colocar em ecran completo por favor) foi então, como seria de esperar, quase perfeita, só pecando por não ter sido prolongada com uma Mr. Self Destruct ou That's What I Get (penso que a Hurt não ficaria bem com toda a lama). No entanto a nível técnico as coisas não correram tão bem, estando o concerto crivado de problemas "terríveis" nos instrumentos e monitores. Além disso a banda estava completamente molhada e coberta de lama, por ter estado nos bastidores antes do concerto a ser atirados por fans e outros membros para o chão enlameado, o que é obviamente desconfortável. Estes percalços, a juntar ao facto de (por admissão de Trent Reznor) a banda só estar ali para conseguir o dinheiro para financiar o resto da tour, podiam parecer arautos de que o concerto iria correr mal... mas não. Provavelmente foi mesmo tudo isto que deu aos NIN a energia e ferocidade que tornaram esta numa performance genial e única que ficou para a História como provavelmente a melhor de Woodstock '94, mesmo tendo em conta que artistas de muito mais renome como Metallica, Bob Dylan, Red Hot Chili Peppers, Peter Gabriel, Aphex Twin, Santana, Crosby, Stills & Nash, Aerosmith e Joe Cocker também por lá passaram. Os NIN tocaram para uma das maiores audiências do festival e foram vistos na TV (Woodstock '94 foi transmitido em Pay Per View na sua totalidade) por cerca de 24 milhões de pessoas, tendo mesmo recebido um Grammy Award (Best Metal Performance) por uma música do set, Happiness In Slavery. Espero que entretanto já tenham visto alguns dos vídeos que espalhei pelo post, os melhores momentos para mim, e confirmado como foi merecido.

É óbvio que ver um concerto assim nunca é o mesmo que ver ao vivo. Nada se compara a cantar e gritar as letras, a saltar e dançar ao som das composições, a estar realmente lá. Mas pronto, quando não há a hipótese de viver a experiência no local há que aproveitar a melhor maneira disponível para a emular. Sendo assim, um head's up: estejam atentos aos principais sites de música e de partilha de vídeo pois nos últimos tempos muito concertos têm sido transmitidos aí em directo. Só nas últimas semanas vi desse modo os Arcade Fire, HEALTH, Death From Above 1979, The Strokes e Kanye West no YouTube e o último concerto de sempre dos LCD Soundsystem no Pitchfork, todos com muito boa qualidade de som e imagem e bem filmados. Quanto à real thing...

Tradicionalmente (e notem que este "tradicionalmente" remete para apenas uns três anos atrás, quando a média de bandas que vejo por ano passou a quase triplicar relativamente a 2007 e aos anos anteriores) a época em que vou mais a concertos é o período Abril-Julho, não só devido aos vários festivais de Verão que se realizam por todo o país, mas também graças às Queimas das Fitas/Semanas Académicas e à aparente predisposição das minhas bandas favoritas de passarem por Lisboa ou outro ponto de Portugal nessa altura. Há alguns grupos e artistas que escapam a este terço do ano, obviamente, mas a maioria é mesmo aqui que está. E, bem, já entrámos nessa época. Como tal deixo aqui uma pequena lista de alguns concertos que acho interessantes para os próximos tempos (de fora ficam os festivais, a máquina publicitária por trás de todos eles trata de os divulgar por mim, mas partilho que o palco Super Bock do Optimus Alive '11 e quase todo o 17º Super Bock Super Rock me estão a agradar muito):

Caribou (DJ Set) a 21 de Abril no Lux Frágil; Tim Hecker a 29 de Abril na Zé dos Bois

MGMT a 4 de Maio na Queima das Fitas do Porto; Abe Vigoda a 5 de Maio na Zé dos Bois; Suede a 6 de Maio na Queima das Fitas do Porto; Linda Martini + Primitive Reason a 7 de Maio na Semana Académica de Peniche; Boys Noize a 12 de Maio no Lux Frágil; Fatboy Slim a 14 de Maio na Semana Académica de Lisboa; Glasser a 20 de Maio no MusicBox; Linda Martini + Diabo na Cruz a 21 de Maio no CCB

Long Distance Calling + Löbo a 5 de Junho no MusicBox; Foge Foge Bandido a 25 de Junho no CCB

Espero que alguma destas dicas seja aproveitada!

10ª Arte: The Great Gatsby For NES (2011)

2011-04-15T07:48:00.000-07:00

Se alguma vez me pedissem para fazer uma lista de obras literárias que eu considerava impossíveis de transformar em videojogos era garantido que The Great Gatsby, do americano F. Scott Fitzgerald, estaria lá. O livro, para quem não o leu, é um retrato dos Estados Unidos nos anos 20 do século XX através dos olhos de Nick Carraway, o narrador, que vai do Centro-Oeste dos Estados Unidos, onde cresceu, a New York, para trabalhar em acções, e aí se envolve no mundo lascivo e pródigo que roda em torno do seu vizinho Jay Gatsby. Este é um romance que vive quase exclusivamente do relato do modo de vida e de situações comuns e mundanas dos membros privilegiados da sociedade neste local e tempo: as festas glamorosas, o desejo dos novos ricos de esconderem as suas origens humildes, o desprezo dos antigos membros da alta sociedade por quem não tem a memória familiar de prosperidade, a natureza materialista dos mesmos, as conecções com a máfia e o contrabando de álcool, os vários relacionamentos amorosos que se entrecruzam e transformam em casos, etc. Além destes elementos a história tem ainda uma aura de mistério que deriva do pouco que se sabe do passado obscuro de Gatsby. Tudo isto, no entanto, era aos meus olhos ingénuos insuficiente para adaptar esta obra à 10ª Arte. Como me enganei...

O jogo começa em grande, com uma imagem da capa clássica do livro, como pode ser visto acima. O primeiro nível, Gatsby's Party, passa-se obviamente numa festa de Gatsby. Uma festa atípica no entanto. Para fazer este jogo os seus criadores decidiram pegar em todos os pormenores do livro que tivessem algum potencial de acção ou dramático e multiplicar ou desenvolver esse potencial quantas vezes fosse preciso. Chamei atípica à festa porque não me lembro de, nas do livro, o Nick Carraway ficar ferido só por os garçons passarem por ele ou de o protagonista atirar o seu chapéu-boomerang (que no entanto permanece na sua cabeça... chapéus há muitos, I guess) para os derrotar. O romance é precedido pelo poema "Then wear the gold hat, if that will move her; If you can bounce high, bounce for her too, Till she cry 'Lover, gold-hatted, high-bouncing lover, I must have you!'" e o tal potencial de acção podia aqui iludir um leitor normal, mas não os criadores do jogo, que além de porem Nick a saltar bastante alto ainda introduziram um chapéu dourado que ao ser apanhado nos dá imunidade dourada, como se pode ver nesta imagem em que o Owl Eye man (que no livro surge em duas situações num total de talvez 20 linhas) nos cita uma passagem do livro e diz onde está o Gatsby. Ao transcrever um pouco a obra o jogo já está a ser fiel demais ao livro e portanto, para balancear a coisa, rapidamente aparecem dançarinos que nos tiram vida se tocarmos neles e bêbados que atiram garrafas pelo ar para nos acertar, além de candelabros que se largam misteriosamente do tecto para nos esmagar. Tudo isto me escapou ao ler o livro, provavelmente por culpa minha, devo ter saltado uma página. Finalmente encontramos Gatsby, que nos manda o seu usual "Old Sport" no fim do nível. Segue-se uma curta cutscene de uma cena, que no livro ocorre antes de Nick conhecer Gatsby e que aqui toma contornos bastante dramáticos (ver de seguida), mas isso são aspectos secundárias obviamente.

O nível seguinte chama-se Valley Of Ashes e é extraordinário: no livro vê-se Nick a apanhar o comboio duas ou três vezes, para trabalhar ou para ir a alguma festa em Manhattan, e a ir LÁ DENTRO SENTADO; aqui, por outro lado, Nick toma uma postura de Tom Cruise ou Harrison Ford e anda a saltar por cima do comboio, sendo atacado por uns homens vestidos azuis que correm na sua direcção mal o vêem (que presumo sejam picas), uns pássaros, os bêbados das garrafas habituais e uns óculos gigantes que flutuam e atiram raios azuis. Sim, eu disse "uns óculos gigantes que flutuam e atiram raios azuis". No livro, durante a narração da primeira viagem de comboio, é descrito um outdoor publicitário, do doutor T. J. Eckleburg, que contem precisamente um par de olhos azuis com uns óculos de aros amarelos. Na altura não me pareceu um candidato a boss ao nível de um Dr. Robotnik ou de um Mike Tyson mas isso só prova o quão distraído estava quando li o magnum opus de Fitzgerald. Os olhos são vencidos com um total de cinco chapeladas, ficando então estrábico e a explodir. Surge uma cutscene que não me lembro de que parte do livro é, mais uma vez de grande emoção contudo.

O terceiro nível é New York City, onde são descritas três idas durante a história. A do jogo parece-me ser a segunda, quando Nick é levado por Gatsby para almoçar com um amigo. Começa com uns sem-abrigos a saltar por todo o lado e tem uma secção que faz lembrar o Donkey Kong. Estes sem-abrigo aparecem já no nível anterior, mas nesse têm a tendência de se atirar para a linha do comboio e como tal não os consegui "fotografar" antes do suicídio. Nick encontra aqui outra personagem do livro, Jordan Baker. Há vários aspectos interessantes a considerar: a) no livro ela é profissional de golfe, aqui parece ter uma raquete de ténis na mão; b) no livro ela diz a frase que aqui é citada muito antes de todas as ocorrências dos níveis anteriores; c) no livro ela nunca se encontra com Nick em Manhattan. Cenas a que só liga alguém parvo. Bem, de seguida temos mais um vislumbre daquela técnica que referi de explorar bem o potencial de pequenos detalhes: os designers decidiram incluir uma parte do nível no esgoto devido a Jordan dizer que é preciso uma rapariga saltar para um para arranjar uma bebida. Melhor ainda, são incluídos ratos verdes e crocodilos que saltam na vertical. E ninguém pode dizer que isto apareceu do nada, pois de facto os esgotos são aludidos no livro por Jordan... bem, os ratos não, mas pronto... Após esta secção, e sem aparecer nenhuma Tartaruga Ninja, chegamos ao restaurante onde no livro Nick e Gatsby encontram o tal amigo do segundo, Meyer Wolfsheim, que é um mafioso. Embora na história este não seja minimamente hostil, o seu aparecimento faz com que aqui surjam gangsters de metralhadora na mão, talvez os inimigos mais perigosos do jogo (os mais imprevisíveis são os sem-abrigo pulga), e como se isto não chegasse Wolfsheim é mesmo transformado numa espécie de Vincenzo Coccotti, ao emergir após a última porta em cima de umas pipas, com meia dúzia de capangas com paus ou a atirar algo que parece um pão cá em baixo. Talvez a comparação a True Romance não seja a melhor, tendo em conta que que esta gente pode ser vencida em literalmente dois segundos, após os quais Wolfsheim explode... obviamente. Aqui há uma cutscene que contem alguns spoilers e como tal não vou desenvolver e sugiro que fechem os olhos durante a mesma se jogarem. Chegamos a West Egg Beach, o glorioso nível final que pode ser feito em meio minuto. Nick tem como inimigos caranguejos, homens azuis (que penso serem fantasmas e portanto deve ser essa a razão de eu não os ter apanhado no livro, estas coisas do sobrenatural costumam iludir-me) e uns peixes vermelhos que saltam como os crocodilos. Por fim tem de dar uns saltos por umas plataformas e atirar-se em direcção à luz verde, tão profética no livro para Jay Gatsby. O jogo termina com uma cutscene que mostra Nick a olhar para a apalaçada casa do seu vizinho e amigo a desabar, acontecimento que deve estar nalguma página que foi rasgada do meu livro, ao que se segue a frase final do livro, os créditos e uma mensagem típica de jogos japoneses dos anos 80 traduzidos para inglês...

Peço desculpa todo o detalhe das linhas acima (mesmo assim nem referi que se apanha moedas como no Super Mario ou que se ganha vida com cocktails) mas este jogo é de facto algo de muito especial. Embora tenha gostado não é dos meus livros favoritos, mas recomendo a todos que leiam The Great Gatsby nem que seja apenas para apreciarem toda a maravilha desta adaptação. O jogo está disponível gratuitamente aqui. Se explorarem um pouco o site percebem que este jogo não foi realmente feito para a NES sendo antes um tributo, criado por Charlie Hoey com a ajuda de Pete Smith, Dylan Valentine e Michael DiMotta. Na verdade o detalhe que foi posto aqui é extraordinário: além de terem criado todos aqueles níveis, que incluem músicas originais para cada um deles no estilo 8-bit normal destes jogos, estes quatro homens ainda se deram ao trabalho de fazer um booklet falso, escrever créditos para a equipa japonesa inexistente, inventar uma história para o percurso que o cartuxo do jogo fez até chegar às suas mãos e arranjar um título original: Doki Doki Toshokan: Gatsby no Monogatari (que, se traduzi bem, é algo como "Bibliotecário extrordinário: a fábula de Gatsby"). A meu ver há que aplaudir o esforço. E jogar o jogo! Por isso não percam mais tempo com isto e atirem-se para os loucos anos 20 (e tentem realmente o "No Death Game!!", há um final alternativo à espera de quem o conseguir).

Obrigado à Inês por me mostrar este e os outros pitorescos e burlescos sites que o StumbleUpon lhe mostra a ela.

4ª Arte: Puppy (1992) by Jeff Koons

2011-04-09T18:11:00.000-07:00

O americano Jeff Koons tem o record de maior soma paga por uma peça de um artista vivo. Conseguiu-o com a venda de Balloon Flower (Magenta) em 2008 por cerca de 17 milhões de euros. Pessoalmente prefiro Puppy, a razão para o post de hoje, que quando não está nalguma exposição temporária pode ser encontrado junto ao Museu Guggenheim de Bilbao.

Eis o fim do primeiro ciclo planeado deste blog. Embora o compromisso para o levar até ao fim e nas datas que propus fosse apenas comigo foi mesmo assim um pouco stressante, mas gostei. A repetir, com outras artes e outras ideias.

6ª Arte: Um Gato Lá No Alto (1976) by Arménio Vieira

2011-04-03T10:10:00.000-07:00

Quando e onde
não me lembro já.
Mas o certo é que a gente falava
da cauda longa dos cometas
e do calor intenso
que habita o núcleo das estrelas.

Meus olhos
estavam fitos no espaço
e de repente
vi um gato
pulando lesto e contente.

Eu juro que vi um gato
saltando de uma nuvem para outra
até ficar oculto
num floco todo branco.

Confesso: tive ciúme.
“Deixe esse trapo
e salte cá para baixo”
– ia eu gritar ao gato
mas lembrei-me ainda a tempo
que a distância era muita
e que nenhum bichano entende
a conversa cá da gente.

Ainda que ele ouvisse:
o espírito de um gato
é como o canto de um poeta
– não atende nem escuta
a ordem de ninguém.

Engraçado!
Um gato lá no alto
entre os braços duma nuvem.
Talvez fosse um bruxo disfarçado
ou a alma de um vate
vogando no espaço.

Arménio Vieira in Poemas

Tive o prazer de conhecer o vencedor do Prémio Camões 2009 na sua terra, Cabo Verde, há algum tempo atrás. Desde aí fui procurando e lendo amiúde a sua obra (que se debruça muito, mas não só, sobre o combate ao governo colonial, as ilhas e o mar) e percebi o porquê da distinção. Arménio Vieira nasceu na Praia em 1941, além de poeta é prosador e jornalista e esse lá no alto do post é o meu texto favorito dele.

8ª Arte: Keith Richards (1972) by Jim Marshall

2011-03-24T11:33:00.000-07:00

Faz hoje um ano que Jim Marshall, insigne fotógrafo musical, morreu. Na sua carreira de quase 50 anos foi o fotógrafo oficial de Woodstock e o único com acesso aos bastidores no último concerto dos Beatles, além de ser o criador de centenas de capas de álbuns. Algumas das minhas imagens favoritas do americano são de Jimi Hendrix, incluindo a célebre do guitarrista a queimar a sua guitarra no Monterey Pop Festival, mas como fiz um post sobre o músico há pouco tempo achei por bem tentar ser um pouco mais original. Optei então por publicar esta de Keith Richards em estúdio durante as gravações do grandioso Exile on Main St.. Se não sentirem que esta imagem chega para provar o talento do retratista sugiro que visitem o site oficial de Marshall para verem ou reverem outras imagens icónicas de Bob Dylan, Miles Davis, Led Zeppelin e muitos outros. Quem tiver oportunidade pode mesmo ir às galerias Snap (8, Piccadilly Arcade, Londres) onde até 2 de Abril do presente ano vai estar uma exposição com muitas das fotografias que o americano tirou a Johnny Cash (incluindo aquela famosa a mostrar o dedo do meio, que revelações recentes dizem ser uma "dedicatória" do músico ao director da prisão de San Quentin).

7ª Arte: Out Of Sight (2010) by Ya-Ting Yu

2011-03-19T07:25:00.000-07:00

Permitam-me que desta vez me cale e deixe o filme falar por si.

Site Oficial

9ª Arte: Calvin and Hobbes by Bill Watterson

2011-03-13T10:33:00.000-07:00

Uma das coisas que adorava fazer quando era mais pequeno era agarrar num dos meus livros do Calvin and Hobbes e deitar-me a ler em qualquer lado durante horas. Lia muitas bandas-desenhadas mas não posso dizer que me identificasse muito com o Tintin, o Pateta ou o Garfield. Mas com o Calvin era diferente, aquele podia ser eu. Eu também não gostava da escola, fazia "asneiras" e ficava de castigo, tentava sempre fazer o contrário do que a minha mãe dizia, não tinha muitos amigos, tinha a mania que não gostava de raparigas, vivia um pouco sozinho e à parte dos outros... e contudo, como o Calvin, era perfeitamente feliz assim pois também tinha um Hobbes, que no meu caso não era um tigre às riscas mas um urso amarelo chamado Andy, e com ele e os meus brinquedos inventava mundos e divertia-me sempre tanto que nem reparava. Que ninguém se deixe enganar pelas frequentes más notas do Calvin na escola, aquele miúdo é um génio e a imensa criatividade de todas as suas brincadeiras é mais que prova disso. Foi o Calvin que me inspirou e fez sonhar mais graças à sua incrível imaginação: era ele que me levava aos campos cheios de neve do Centro-Oeste dos Estados Unidos, aos planetas que visitava como Spaceman Spiff e mesmo aos dinossauros do Cretáceo, tudo tão inalcançável para um miúdo de Lisboa dos anos 90.

Embora já não leia tanto o Calvin and Hobbes, pois os "livros adultos" consomem o tempo que tenho disponível para leitura, de vez em quando lembro-me de determinada tira ou piada (cheguei a usar uma para responder a uma pergunta num teste no Instituto Superior Técnico) e sinto profundas saudades. Mesmo que agora vá agarrar num dos livros, deitar-me e pôr me a ler durante horas não vai ser exactamente a mesma coisa porque eu infelizmente já não sou tanto como o Calvin. No entanto reparo que algumas características que possuo hoje, mesmo o meu sentido moral ou forma de ver o mundo, provavelmente passaram inconscientemente do Calvin para mim. A paixão que tenho pela Natureza e animais agora não é nada diferente da do Calvin. O desprezo que por vezes sinto pela Humanidade tem de ter sido inspirado pelo Hobbes. Quando era pequeno podia só perceber de forma imediata as piadas mais óbvias e sentir só as emoções mais vincadas mas sem dúvida que o meu inconsciente foi captando e armazenando o resto e isso me foi moldando. Reparar nisto deixa-me um pouco mais aliviado e faz-me ter a certeza que estes livros são algo que nunca posso largar pois são a prova de que os meus anos mais felizes ainda estão algures guardados dentro de mim e fazem-me lembrar como todas as crianças são mais inteligentes que os adultos, mesmo que nem elas nem eles reparem nisso na altura devida, pois são as únicas que conseguem verdadeiramente encontrar o prazer e beleza das coisas mais simples, como um campo de relva ao Sol.

Calvin and Hobbes foi escrito e desenhado por Bill Watterson de 1985 a 1995. Mais que fazer algo simplesmente divertido (e há aqui centenas de piadas que chegam a fazer dores de barriga a quem as lê), Watterson criou uma banda-desenhada que por vezes trazia emoções, como tristeza ou amizade, de uma maneira muito mais profunda do que o que seria de esperar neste medium. Quando parou esta era a banda-desenhada mais popular do mundo. Por ter parado antes de fazer um desenho ou escrever uma frase que não fosse boa, Calvin and Hobbes ainda hoje tem um lugar muito especial na memória de quem leu e cresceu com as suas tiras. As histórias podiam parecer simples, e por vezes eram, mas iam na maioria das vezes muito para lá do que as linhas à volta dos desenhos tentavam limitar: este é um mundo incrivelmente complexo. Se depois disto tudo alguém ainda duvidar que isto é arte que pense só se já alguma vez viu uma tira de Domingo tão visualmente apelativa como a que está antes deste parágrafo.

The Complete Calvin and Hobbes na Amazon.co.uk

4ª Arte: Purple (2009) by Jen Stark

2011-03-09T10:31:00.000-08:00

A artista contemporânea Jen Stark tem 27 anos e desenvolve a maioria do seu trabalho à volta de esculturas de papel, inspirando-se na Natureza e nos seus padrões, em geometria fractal, anatomia e ressonâncias magnéticas. Também faz animação e desenhos, além de esculturas com madeira e espelhos, sempre no mesmo estilo jovial e hipnótico. Graduou-se em Belas Artes no Maryland Institute College of Art em 2005, o mesmo ano em que viu as suas obras pela primeira vez presentes em exposições. Podem ver Purple (papel cortado à mão em suporte de madeira) no início do post, espreitar o processo da criação no Wet Heat e observar ou comprar muitas outras peças de extraordinária beleza no site oficial de Stark.

5ª Arte: A Cacatua Verde

2011-03-03T15:59:00.000-08:00

O dramaturgo Arthur Schnitzler publicou no último ano do século XIX A Cacatua Verde (Der grüne Kakadu), peça que se debruça sobre um tema que mesmo para o também médico austríaco já se encontrava a mais de um século de distância: a Revolução Francesa. Os actores de uma companhia de teatro fingem, numa cave de Paris transformada em taberna (homónima à peça), ser não artistas mas sim exactamente os visitantes de má fama habituais de uma taberna (criminosos, prostitutas, pobres, etc). O objectivo do grupo é simular para a nobreza um contacto tão real quanto possível com o povo, permitindo-lhes presenciar os incidentes estimulantes e emocionantes destas vidas sem o risco de ir mesmo à taberna. Esta tentativa de aventura sem perigos é no entanto tomada pela violência na noite de 13 para 14 de Julho de 1789 quando, confrontado com a força de todos os eventos revolucionários à sua volta, um dos actores esquece que está a representar não mais que uma quimera e, acreditando ser real o personagem a que está a dar vida, mata um dos nobres na assistência. No entanto o precipitar da Revolução horas depois com a tomada da Bastilha faz este crime passional (com motivos reais ou fictícios) passar a ser visto como uma acção heróica do Terceiro Estado contra o Segundo.

Esta produção do Teatro da Cornucópia, encenada pelo também intérprete Luís Miguel Cintra, mostra com ironia e num único acto a proximidade que fantasia e realidade por vezes têm e como eventos dramáticos se podem tornar quase humorísticos quando se tornam História. Para ver é ir à Sala Garrett do Teatro Nacional D. Maria II, até 27 deste mês (Dia Mundial do Teatro), às 21h30 de 4ª feira a Sábado ou às 16h aos Domingos. A entrada custa de 7,5 a 16€ mas estão disponíveis os descontos do costume para menores de 25 anos e maiores de 65 e para o público em geral às 5ª feiras.

Site Oficial

10ª Arte: Bonanza Bros. (1990)

2011-02-27T01:46:00.000-08:00

Olhar bem para o Passado nesta arte pode não significar mais do que recuar duas décadas. Mas, ao contrário de todas as outras artes, quando se olha para os primórdios dos Jogos vemos coisas que em geral não consideramos minimamente apeladoras ou interessantes, a não ser que tenhamos tido contacto com elas na altura em que ainda eram a vanguarda do ofício, sendo que quando o caso é esse a nostalgia trata de lhes dar um brilho especial.

Há poucos meses deparei-me com um jogo que vai contra esta regra: Bonanza Bros.. O jogo foi lançado para arcades em 1990 e eu nunca tinha sequer ouvido falar nele quando o experimentei pela primeira vez em modo co-operativo com o meu irmão. E, ao contrário do que estava à espera, surpreendeu-me e diverti-me bastante com ele. Não há muito a dizer, somos um ladrão (ou dois, no modo de co-operação) que com a sua pistola e furtividade tem de ir de uma ponta a outra de um mapa (que pode ser um banco, um casino, uma mansão, uma galeria, uma empresa, ...), pelo caminho capturando certos objectos que nos são indicados no briefing do assalto e tentando evitar os guardas, fugindo no fim num dirigível. Ah, um pormenor interessante: como isto eram tempos em que a violência ainda era evitada e os bons costumes apregoados a pistola apenas atordoa e incapacita por uns segundos e na versão americana do jogo os dois irmãos/protagonistas passaram de ladrões a "verificadores de alarmes". Eram assim os jogos antes de o GTA aparecer e desestabilizar as coisas.

Algo interessante de notar nestes jogos 2D é que de certa forma se nota menos a passagem do tempo sobre eles a nível gráfico do que sobre um 3D. Este jogo, não sendo nada de genial a nível visual, continua a ser atractivo, a forma como o ecran está dividido em dois funciona muitíssimo bem. A história é simplíssima, mas não é isso que interessa neste caso. O facto é que este jogo de plataformas ainda é do tempo em que se ia directo ao divertimento, como já não se faz muito hoje, com todas as vantagens e desvantagens que isso tem. Uma boa aposta para matar a monotonia. Se quiserem experimentar e tiverem uma PlayStation 3 ou uma Xbox 360 basta comprarem o Sega Mega Drive Ultimate Collection, adquirindo mais 47 jogos no processo.

7ª Arte: Cinema em Portugal - Os Primeiros Anos

2011-02-21T07:30:00.000-08:00

Para variar desta vez não trago um filme mas sim uma exposição: Cinema em Portugal - Os Primeiros Anos foi montada a partir de uma parceria entre a Cinemateca Portuguesa, a Comissão Nacional para as Comemorações do Centenário da República e o Museu de Ciência da Universidade de Lisboa e pretende explorar a génese, com a exibição das primeiras imagens em movimento pelo empresário portuense Aurélio Paz dos Reis, e primeiros tempos da 7ª Arte em Portugal. Através de uma série de documentários podemos assistir à evolução técnica e tecnológica do cinema nacional, em especial na Primeira República, até à época do cinema sonoro e primeiras grandes produções, numa era em que as nossas produções não estavam assim tão longe das estrangeiras. Há ainda espaço para recordar as primeiras salas e "estrelas", o público e os coleccionadores, os equipamentos e documentos, tudo de Portugal

Patente nos Museus da Politécnica (Rua da Escola Politécnica, 58) até ao dia 29 de Maio. As portas estão abertas de 3ª a Domingo das 10 às 17h (ou 18h no fim-de-semana) e a entrada custa 4€ para o público em geral, 2€ para estudantes, menores de 18 anos e maiores de 65 anos, e é gratuita aos Domingos entre as 11 e as 14h.

8ª Arte: Dieppe, France, (1926) by Henri Cartier-Bresson

2011-02-15T15:30:00.000-08:00

O francês Henri Cartier-Bresson é considerado o pai do photojornalismo, além de ter sido um dos fotógrafos que mais ajudou a desenvolver a chamada "street photography" (o tipo de photo tirada de forma sincera em locais públicos ao ar livre de situações do quotidiano, a que já estamos hoje muito habituados). Na sua carreira profissional, entre as décadas de 30 e de 70 do passado século, capturou algumas das imagens mais reproduzidas e conhecidas em todo o Mundo, tanto retratos (quem nunca viu o de Matisse ou de Camus?) como acontecimentos (o transporte das cinzas de Ghandi ou mulheres muçulmanas em Srinagar, Caxemira, a rezar viradas para o nascer do Sol nos Himalaias, por exemplo). A photo acima é talvez menos conhecida mas tem escondida tamanha joie de vivre que me traz imediatamente um sorriso à cara.

4ª Arte: Carlton (1981) by Ettore Sottsass

2011-02-09T15:59:00.000-08:00

No último dia de 2007 o arquitecto Ettore Sottsass deixou a vida após um percurso de 90 anos na qual criou não só edifícios incríveis mas também objectos sem igual, de mobiliário a joalharia, passando por cerâmica e muito mais. Através de cores e formas únicas transformava objectos mundanos, como máquinas de escrever, em obras-de-arte estimáveis ou acessórios de moda. Com mais alguns arquitectos e designers criou o grupo Memphis, com o qual deu o salto do Modernismo para o Pós-Modernismo. A peça acima foi feita exactamente no período em que o italiano pertencia a esse colectivo e é, obviamente, uma estante... que eu não me importava de ter.

9ª Arte: Tinta Nos Nervos

2011-02-01T11:55:00.000-08:00

A partir de uma frase da obra Húmus de Raul Brandão, conceituado escritor e jornalista da viragem do século XIX para o XX, se faz uma exposição. Tinta Nos Nervos reúne várias dezenas de criadores de banda-desenhada portugueses (todos contemporâneos mas de todas as idades, com a excepção dos Rafael Bordalo Pinheiro e Carlos Botelho) e apresenta cerca de 600 trabalhos, alguns inéditos, que se dividem entre uns em que a vertente literária ocupa um espaço central e outros em que a estética é tudo. Pretende-se aqui fazer o retrato de um panorama alargado da banda desenhada nacional, mostrar em que medida esta se distingue da mais comercialmente impregnada BD estrangeira que apela facilmente às massas e como de certa forma isso acaba por ter um lado bom pois leva a trabalhos mais pessoais, experimentalistas e artísticos.

Além das pranchas desenhadas há ainda murais pintados, fanzines, peluches, animações, esculturas, bonecos moldados gigantes, crachás, garrafas com mensagens e até o primeiro álbum de banda desenhada nacional, Inusitada Viagem do Imperador do Rasilb (de Bordalo Pinheiro), para ver nesta exposição.

Até 27 de Março e com entrada gratuita no Museu Berardo, no Centro Cultural de Belém, poderam então encontrar alguns dos desenhos espalhados por este post e muitos outros. Mas aviso já: não contem com o Astérix, o Donald ou mesmo o Batman.

5ª Arte: Mãe Coragem

2011-01-22T09:57:00.000-08:00

Uma peça que estou para ver há já algum tempo chega hoje a Lisboa: Mutter Courage und ihre Kinder é a obra mais conhecida de Bertolt Brecht. O dramaturgo escreveu o texto apenas num mês, em 1939, com ajuda da sua colaboradora Margarete Steffin, como parte de uma série de trabalhos que pretendiam de algum modo fazer frente ao Nazismo, sendo esta obra especificamente a sua resposta à invasão da Polónia pelas tropas de Hitler. Seguimos então Anna Fierling, uma mãe que tenta apenas lucrar com a desgraça da Guerra dos Trinta Anos (século XVII) esquecendo-se como isso pode pôr em risco a segurança dos seus três filhos e trazer a tragédia até si. Com este enredo Brecht conseguiu uma das obras-primas do teatro do século passado e um grandioso monumento anti-guerra.

O papel principal cabe a Custódia Gallego, acompanhada por Miguel Moreira, Paula Diogo, Sara Ribeiro e Tónan Quito. A música é a original de Paul Dessau e a produção, direcção e encenação é feita por João Garcia Miguel, que tentou adaptar um pouco a peça aos nossos dias. Isto nota-se facilmente no cenário, preenchido por dezenas de telas multimédia suspensas (por onde passam vídeos produzidos por Rui Gato).

Apenas até ao dia 30 deste mês no pequeno auditório (sala Eduardo Prado Coelho) do Centro Cultural de Belém. Podem assistir à peça durante a semana e aos Sábados às 21h e aos Domingos às 16h (dia 25 e 26 não é exibida). As entradas são 10 ou 12,5€, com um desconto de 25% para menores de 25 anos e maiores de 65. Não percam, se ainda conseguirem arranjar lugar!

Site Oficial

11ª Arte: The Workstation 2 (2005) by Jujika

2011-01-15T07:36:00.000-08:00

Tinha este trabalho guardado há algum tempo para usar mas só hoje (talvez por ter andado a ver Rurōni Kenshin) me apeteceu mais mostrar algo relacionado com anime, por isso aqui está: The Workstation 2 feito em Adobe Photoshop CS e Corel Painter 8 por Jujika. Há muitas coisas para ver nesta imagem mas eu gosto especialmente do polvo a jogar cartas com o robot de bigode à Capitão Gancho. Não deixem de dar uma vista de olhos no resto da galeria desta artista, especialmente os trabalhos mais antigos como Golden ou Drawing Water.

4ª Arte: Splotch #3 (2000) by Sol LeWitt

2011-01-09T16:25:00.000-08:00

Sendo um grande defensor da arte conceptual - a noção de que uma ideia para um trabalho artístico já é arte por si só - Sol LeWitt deixou incontáveis textos com instruções para criar obras de arte físicas. O plano para criar era o que importava, o projecto era o principal, por isso nem tinha de ser o seu autor a executar a ideia. Devido a isto, embora tenha morrido em 2007, obras de LeWitt continuam a surgir por todo o Mundo, especialmente as incríveis pinturas em parede. Não é uma dessas que apresento hoje aqui no entanto. A estrutura (termo que ele preferia a escultura) acima foi criado pelo artista em 2000 e tem o nome de Splotch #3, estando por altura dessa fotografia em exibição no topo do Metropolitan Museum of Art, com uma vista incrível sobre o Central Park. Um bonito contraste.

3ª Arte: Malangatana

2011-01-05T21:30:00.000-08:00

Hoje despedi-mo-nos do moçambicano Malangatana Valente Ngwenya. O artista nasceu há 74 anos em Matalana e morreu há horas em Matosinhos. Não só recebeu a medalha Nachingwea, pela sua contribuição para a cultura moçambicana, um doutoramento honoris causa pela Universidade de Évora e a condecoração de Comendador das Artes e Letras por França como foi investido Grande Oficial da Ordem do Infante D. Henrique e nomeado Artista Pela Paz em 1997 pela UNESCO. Chamavam-lhe Mestre Malangatana e além de pintar, desenhar e decorar murais também escrevia poemas e fazia cerâmica, tapeçaria e escultura.

Da esquerda para a direita, de cima para baixo (e para ver as imagens em formato maior basta clicar nelas, como habitual): A Viagem Secreta (1960), A Última Ceia (1961), Desenhos da Prisão (1965), Tentativas Vitrálicas (1982), Sem Título (1992) e Africa (1981)

1ª Arte: While My Guitar Gently Weeps (2004, ao vivo)

2011-01-01T12:01:00.000-08:00

O meu membro favorito dos Beatles, tanto pelas músicas que criou como pela personalidade, era George Harrison. Em 1968 sentindo-se inspirado por ideias do texto clássico chinês I Ching - "tudo tem a sua razão de ser, não há coincidências" - decidiu escrever uma canção a partir das primeiras palavras que visse ao abrir um livro ao acaso e essas palavras foram "gently weeps". O resultado final foi obviamente While My Guitar Gently Weeps. Enquanto a gravava com o resto da banda, em Setembro do mesmo ano, sentiu que faltava algo e sendo assim chamou o amigo Eric Clapton (com apenas 23 anos na altura) que acabou por compor o agora famoso solo. A música faz parte do muitíssimo aclamado White Album.

O guitarrista morreu cedo demais, a 29 de Novembro de 2001, aos 58 anos. Exactamente um ano depois Eric Clapton juntou dezenas de músicos amigos de George para tocaram no Concert for George, no Royal Albert Hall. Este foi apenas uma das várias honras em forma de concerto a que teve direito após a sua morte. A 15 de Março de 2004 foi incluído no Rock and Roll Hall of Fame. Durante a cerimónia While My Guitar Gently Weeps foi tocada por Tom Petty (guitarra e voz), Jeff Lynne (guitarra e voz), Dhani Harrison (o filho do George, na guitarra) e Steve Ferrone (bateria), entre outros. Bem, e entre esses outros estava um músico que foi incluído no Rock and Roll Hall of Fame na mesma noite e que tocou o solo da música, que é o que torna esta performance em algo realmente extraordinário. E esse músico é Prince.

Feliz 2011!

6ª Arte: How do I love thee? Let me count the ways... (1846) by Elizabeth Barrett Browning

2010-12-24T07:00:00.000-08:00

How do I love thee? Let me count the ways.
I love thee to the depth and breadth and height
My soul can reach, when feeling out of sight
For the ends of Being and ideal Grace.
I love thee to the level of everyday's
Most quiet need, by sun and candlelight.
I love thee freely, as men strive for Right;
I love thee purely, as they turn from Praise.
I love thee with a passion put to use
In my old griefs, and with my childhood's faith.
I love thee with a love I seemed to lose
With my lost saints, — I love thee with the breath,
Smiles, tears, of all my life! — and, if God choose,
I shall but love thee better after death.

Elizabeth Barrett Browning in Sonnets from the Portuguese

Este é o XLIIIº dos quarenta e quatro sonetos românticos escritos por Elizabeth Barrett Browning quando estava noiva do poeta Robert Browning. Foi de resto o marido que a convenceu a publicá-los, em 1850, e os descreveu como "os melhores desde os tempos de Shakespeare". Para proteger a sua privacidade no entanto a poetisa decidiu fazer o público pensar que os sonetos eram traduções de originais estrangeiros e nomeou-os Sonnets from the Bosnian. No entanto o marido, que lhe chavama "my little Portuguese" e conhecia a admiração da inglesa por Camões, convenceu-a, mais uma vez, a mudar o título para o que hoje conhecemos.

4ª Arte: Dan Flavin

2010-12-09T15:27:00.000-08:00

Reparei que até agora, à excepção de uma ocasião, só postei esculturas brancas e acinzentadas, as cores clássicas desta Arte (porque os materiais eram obviamente dessas cores). Não tenho nada contra essas cores, claro, todas as esculturas que postei são trabalhos que adoro, mas acho que é tempo de colorir mais as coisas. É de esperar pois um post mais do género de hoje no dia 9 de cada mês até Abril.

A luz flurescente era o principal material de trabalho de Dan Flavin. O artista começou a trabalhar com luz em 1961 e continuou a fazer e desenvolver a sua obra com isso até 1996, quando morreu. Este tipo de trabalhos não são aquilo a que normalmente se chama escultura mas são claramente Arte e a meu ver encaixa-se melhor junto da Pietà do que da Madonna ou outra coisa qualquer. O artista tem trabalhos espalhados pela Europa e América mas a maioria encontra-se nos Estados Unidos, de onde era natural. Informação interessante sobre a sua obra pode ser encontrada no site da National Galley Kids, aqui.

As três obras acima apresentadas são, da esquerda para a direita, de cima para baixo (não deixem de clicar nas imagens): Untitled (1973), Untitled (For Ksenia) #1 (1994) e Untitled (in memory of Harold Joachim) (1977). Alegres, minimalistas e luminosos, eu gosto.

10ª Arte: Space Invaders (1978)

2010-11-01T13:00:00.000-07:00

Para algo merecer o adjectivo de “clássico” é preciso ser não só um produto muito bom, mas também revolucionador e que marcou a vida de muita gente. Bem, quando falamos de videojogos há poucos títulos mais clássicos do que Space Invaders.

Concebido por Tomohiro Nishikado para a Taito no longínquo ano de 1978, este é um dos primeiros "shoot 'em up" criados. Quando foi lançado o seu sucesso foi tal que ocorreu uma escassez de moedas de 100 yen no Japão (era esta a moeda usada para o jogar nas máquinas arcade). Saído directamente de uma época em que os jogos não tinham enredo ou músicas elaboradas e os objectivos se tornavam óbvios mal se começava a jogar, Space Invaders conseguiu como poucos penetrar na cultura pop e sobreviver à barreira do tempo e continuar a ser altamente jogado e apreciado nos nossos dias de consolas mais complexas que computadores.

Sendo assim, não vale a pena dizer mais sobre ele, pois isto não é uma divulgação mas sim uma homenagem. Mais vale deixar apenas um desafio: o meu top score foi superior a 120000 pontos. Eis um site para o tentarem bater.

2ª Arte: Otango - The Ultimate Tango Show

2010-10-23T18:57:00.000-07:00

Com dois actos ("In Search of the Lost Love" e "Memories of a Madman") e cinco cenas, Otango é considerado por muitos, como o subtítulo indica, o derradeiro espectáculo de tango a nível mundial. Dez bailarinos, dois cantores e uma banda de cindo elementos (que usam ao todo mais de sessenta fatos e vestidos diferentes) compõe este espectáculo vindo de Buenos Aires e que está agora perto do final de uma grande tour que fez por Portugal, após passar por toda a Europa.

O trabalho criado em 2004 e dirigido por Olivier Tilkin (também director musical e artístico) e Sabrina Gentile Patti e com coreografia de Adrian Veredice e Alejandra Hobert (que também interpretam) passa pelo Centro Cultural Olga Cadaval (Autitório Jorge Sampaio) no próximo dia 29 de Outubro, às 22h, para contar através da dança típica argentina uma história de amor, traição, morte e tristeza ao mesmo tempo que nos leva através da História do próprio tango, tudo ao som de Astor Piazzolla e Carlos Gardel, entre outros. Os bilhetes estão à venda por preços entre os 25 e os 30€ (com descontos para menores de 16 anos e maiores de 65).

Site Oficial

9ª Arte: 21º Amadora BD

2010-10-20T05:00:00.000-07:00

Mais um ano, mais um Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora. Desta vez o tema não é muito original tendo em conta o que se tem passado este ano em Portugal: o Centenário da República. A exposição central é "A I República na Génese da Banda Desenhada e no Olhar do Século XXI", mas todo o certame vai estar muito mais focado no nosso país do que nos anos anteriores, sendo de especial relevo também "Lusofonia - A Nona Arte em Língua Portuguesa" (que pretende mostrar as particularidades da língua portuguesa falada nos diferentes países-membros da CPLP através da BD), a apresentação do projecto "Visões de Portugal" (da francesa Aude Samama) e o lançamento de “É de Noite que Faço Perguntas” (texto de David Soares e ilustrações de Jorge Coelho, João Maia Pinto, André Coelho, Daniel Silva e Richard Câmara), um álbum sobre a queda da Monarquia.

O artista em destaque é Richard Câmara, que criou a imagem desta edição do festival e vai apresentar uma versão renovada de Quim e Manecas (personagens clássicas da banda desenhada portuguesa, criadas por José Stuart Carvalhais e publicadas pela primeira vez no jornal O Século há 95 anos), além de diversos trabalhos da sua carreira. Há ainda espaço para a apresentação de trabalhos por Cristina Sampaio, José Carlos Fernandes, Luís Henriques, Paulo Monteiro, Bernardo Carvalho e Luís Diferr e uma mostra especial pelos cem anos do nascimento de Fernando Bento. Dos vários autores estrangeiros presentes para as habituais sessões de autógrafos, lançamentos de álbuns e debates o destaque vai para os belgas Schuiten e Peeters, que vão apresentar a exposição "A Teoria do Grão de Areia", e para Sean Gordon Murphy. Estará ainda patente "Colectiva de Anime", onde serão apresentados filmes e desenhos originais de alunos do Departamento de Anime da Universidade de Tóquio e uma intervenção de pintura ao vivo.

Como é habitual o espaço central do Amazona BD é o Fórum Luís de Camões, na Brandoa, mas o festival também estará espalhado pela Galeria Artur Bual, a Casa Roque Gameiro, os Recreios da Amadora (onde serão entregues os Prémios Nacionais de BD no dia 30 de Outubro), o Centro Nacional de BD e Imagem e a Kidzania (no Dolce Vita Tejo). A partir de 22 de Outubro e até ao próximo dia 7 de Novembro.

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7ª Arte: (500) Days of Summer (2009) by Marc Webb

2010-10-16T16:02:00.000-07:00

Muitas vezes bons filmes passam temporadas muito curtas nas salas de cinema nacionais. Outras vezes bons filmes nem chegam a ser apresentadas em cinemas nacionais. Infelizmente o filme de que falo hoje faz parte do segundo grupo.

Vi (500) Days of Summer há pouco menos de um ano, descobrindo-o por acaso ao ver uma lista dos filmes que estavam a receber boas críticas em Inglaterra, no entanto o mesmo estreou já no início de 2009, no festival de cinema independente Sundance. Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) conhece e apaixona-se por Summer Finn (a extraordinária Zooey Deschanel), que não acredita no amor. Tom faz tudo para tornar Summer, que vê relações como entraves, sua namorada. Tom e Summer começam, Tom e Summer acabam. Amor, perda, dúvidas, reconciliações, seguir em frente. A história mais antiga do Mundo, é verdade, mas o que torna este filme excepcional é as formas novas que encontra para ser contada, os diálogos, a linha temporal, as interpretações (as principais são mesmo de topo), a banda sonora, as piadas, a estética visual... Sim, vendo a narrativa de longe parece um daqueles filmes de Sábado à tarde que já vimos milhares de vezes mas, vendo de perto, tudo está perto da perfeição, incluindo a própria narrativa. Citando Gordon-Levitt “"One of the things I love about (500) Days of Summer is that it doesn't make light of what we go through in romances, but it is honest about it and shows it for what it is, which is often profoundly funny"

Este foi o primeiro filme realizado por Marc Webb e tendo custado 7,5 milhões de dolares fez nas salas mais de 90 milhões, além de ter tido uma óptima recepção por parte da crítica e recebendo numerosos prémios e nomeações, principalmente relacionados com o guião e os actores. A melhor e mais original comédia-(drama-)romántica dos últimos anos, talvez desde Love Actually. Sem esquecer a parte da comédia este filme consegue captar profundamente as emoções de uma relação, a dor de sentir o coração despedaçado pela primeira vez, que geralmente os outros do mesmo género (os mesmos que fizeram desse género o mais frustante e óbvio que existe) nunca atingem sequer de raspão. Agora que chegou ao nosso país, em DVD, é tempo de o conhecerem.

P.S.: Nem por acaso, tudo começa com esta música.

5ª Arte: Obras Completas de Shakespeare... e Toda a Palavra de Deus...

2010-10-11T03:32:00.000-07:00

Depois de vários anos afastada da capital eis que As Obras Completas de William Shakespeare em 97 minutos regressou às salas lisboetas, no passado dia 23 de Setembro. Já passaram uns anos desde que vi esta divertida peça mas o facto de continuar em exibição (já lá vão 14 anos desde que estreou) e continuar a merecer referência nos meios de comunicação leva-me a acreditar que a qualidade se mantem. Como o título indica, quem for a esta encenação vai ver “despejadas” sobre si todos os trabalhos de Shakespeare (não só comédias, mas tragédias, obras históricas e sonetos, num total de 37 peças) em pouco mais de uma hora e meia. Quem pense que esta enorme compressão e condensamento tira qualidade a este trabalho engana-se pois a energia que os actores dão ao espectáculo faz com que este seja simplesmente hilariante do início ao fim, conseguindo mesmo assim não perder aquele toque especial do dramaturgo inglês.

Ao mesmo tempo também volta a Lisboa A Bíblia: Toda a Palavra de Deus (d'uma assentada). Esta peça pretende parodiar a Bíblia sem a desrespeitar usando o modus operandis d’As Obras Completas: temos aqui os principais episódios, questões e temas do livro sagrado apresentados da forma mais vertiginosa e humorística possível por apenas três actores cuja "improvisação pontual faz de cada sessão um espectáculo diferente", segundo a crítica. Esta não vi (ainda), mas pelas críticas que vou lendo sobre ela já há três anos acredito que a qualidade se mantem.

Ambas os trabalhos estarão no Teatro-Estúdio Mário Viegas até ao fim do mês de Outubro (seguindo depois presumivelmente para outros pontos do país, como tem sido habitual), Shakespeare às quintas e sextas às 21h00 e Toda a Palavra de Deus aos Domingo também às 21h00. A encenação das duas cabe a Juvenal Garcês e a produção à Companhia Teatral do Chiado. A entrada está fixada nos 20€, com desconto de 25% para menores de 25 ou maiores de 65 anos.

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8ª Arte: The Experience – Jimi Hendrix (1967) by Gered Mankowitz

2010-10-06T03:33:00.000-07:00

The Experience – Jimi Hendrix está em exibição nas galerias Snap (8, Piccadilly Arcade, Londres) desde o passado dia 18 de Setembro (dia em que passaram 40 anos da morte do músico) e até ao próximo 6 de Novembro. Esta exposição mostra imagens - algumas inéditas e outras já icónicas - do incrivelmente talentoso e visualmente excepcional guitarrista tiradas e trabalhadas por um dos melhores fotógrafos de rock de sempre, Gered Mankowitz, em duas sessões em 1967. Para quem não tiver possibilidades de ir ver in loco, eis algumas das melhores imagens...

2ª Arte: Retrospectiva

2010-10-01T18:31:00.000-07:00

De hoje a uma semana, a 8 de Outubro, a Companhia de Dança Luís Damas vai apresentar o espectáculo Retrospectiva. Deste fazem parte dois vídeos de dança, largamente premiados, realizados por Luís Damas (antigo 1º bailarino do Ballet Gulbenkian e vencedor de uma Medalha de Ouro na Competição Internacional de Ballet e Dança Moderna no Japão, em 1996) e baseados em poemas de Álvaro de Campos: "Saudade" (de 1990) e "Delírio" (de 1996). A estes vão-se seguir as coreografias de 1999 "La Mamma Morta" e "Espírito da Terra", peças sobre o nosso planeta. Para terminar a obra há "O Dueto Transparente" (de 2006), desta vez indo buscar inspiração ao heterónimo Alberto Caeiro e a Chopin, que fazem o fundo do trabalho.

No Auditório Jorge Sampaio no Centro Cultural Olga Cadaval às 22 horas. Por 10€ e com um desconto de 50% para estudantes acho que é uma oportunidade a ser aproveitada.

11ª Arte: David Hockney

2010-09-25T16:59:00.000-07:00

Algo diferente do habitual para a 11ª Arte mas as imagens que apresento hoje foram criadas por um artista conceituado que já fez milhões de libras com as suas obras, David Hockney. O britânico de 73 anos foi uma peça importante do movimento Pop Art desde a década de 60 e criou ao longo das últimas quatro décadas do século XX quadros absolutamente incríveis (que não vou estar a referir, pois o mais provável é voltar a falar dele eventualmente no contexto da 3ª Arte). Hockney diz agora que o software já atingiu um tal nível de desenvolvimento que é possível não só reproduzir o estilo dos desenhos e pinturas tradicionais mas também conseguir alguns efeitos a que dificilmente se chegaria numa tela. De cada uma destas obras, criadas no Brushes (aplicação para iPhone e iPad) ou Adobe Photoshop, o artista só imprime entre 7 e 25 cópias, destruindo depois o ficheiro original. Cada cópia custa sempre de 5000 libras para cima.

As imagens que se seguem são um pouco pequenas mas peço compreensão... afinal foram feitas no ecran de um iPhone. Na minha modesta opinião já postei desenhos digitais bem melhores aqui (embora goste bastante destes). No entanto acho que o facto de um artista celebrado, com uma carreira longa e sem já nada para provar como David Hockney se interessar por explorar este tipo de Arte é um passo importante para a mesma e, se por mais nada, merece divulgação por isso.

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1ª Arte: There Is A Light That Never Goes Out (1986) by The Smiths

2010-09-20T10:09:00.000-07:00

Apenas uma vez postei aqui uma música individualmente (em vez de postar um texto sobre um álbum ou um concerto) e já lá vão quase dois anos por isso talvez seja altura de outra surgir...

Não tenho muito a dizer sobre There Is a Light That Never Goes Out, a música discursa maravilhosamente sobre si própria desde a primeira nota. É difícil explicar o que me faz sentir: costumo associá-la a uma mensagem de esperança, algo irónico tendo em conta a letra melancólica e quase mórbida, talvez devido exclusivamente ao título e melodia... O melhor é calar-me e deixar cada um tirar as suas próprias ilações sobre ela.

Originalmente lançada no álbum The Queen Is Dead, para muitos o melhor da banda, este foi indiscutivelmente um dos pontos mais altos da brilhante parceria entre Morrissey e Johnny Marr. Apenas foi lançada em single em 1992, seis anos depois do álbum sair e cinco depois do final dos The Smiths, chegando ao lugar 26 do Top britânico. Desfrutem.

Take me out tonight

Where there's music and there's people and they're young and alive

Driving in your car I never never want to go home because I haven't got one anymore

Take me out tonight

Because I want to see people and I want to see life

Driving in your car oh please don't drop me home because it's not my home, it's their home and I'm welcome no more

And if a double-decker bus crashes into us, to die by your side is such a heavenly way to die

And if a ten-ton truck kills the both of us, to die by your side, well the pleasure, the privilege is mine

Take me out tonight

Take me anywhere, I don't care, I don't care, I don't care...

And in the darkened underpass I thought "Oh God, my chance has come at last", but then a strange fear gripped me and I just couldn't ask

Take me out tonight

Oh take me anywhere, I don't care, I don't care, I don't care...

Driving in your car I never never want to go home because I haven't got one... Oh I haven't got one

And if a double-decker bus crashes into us, to die by your side is such a heavenly way to die

And if a ten-ton truck kills the both of us, to die by your side, well the pleasure, the privilege is mine

Oh, There Is A Light And It Never Goes Out...

8ª Arte: V–J Day in Times Square (1945) by Alfred Eisenstaedt

2010-08-14T15:24:00.000-07:00

In New York's Times Square a white-clad girl clutches her purse and skirt as an uninhibited sailor plants his lips squarely on hers.

O final real da Segunda Guerra Mundial não se deu a 8 de Maio de 1945, com rendição da Alemanha Nazi, mas sim a 14 de Agosto do mesmo ano, há exactamente 65 anos. Neste dia, conhecido como Victory over Japan (V-J) Day, o Imperador Hirohito aceitou a Declaração de Potsdam, que exigia a rendição do Japão e tinha sido anunciada a 26 de Julho. A rejeição inicial do Japão ao exigido no documento levou o presidente americano Harry Truman a tomar a terrível decisão de lançar as bombas atómicas que viriam a dizimar as cidades de Hiroshima e Nagasaki nos dias 6 e 9 de Agosto. O fim oficial da guerra mais mortífera de sempre (pelo menos 60 milhões de mortos) ocorreu a 2 de Setembro, quando a rendição foi assinada pelos representantes japoneses.

Mal a notícia da capitulação do Japão chegaram às nações Aliadas festejos eclodiram. O fotografo alemão Alfred Eisenstaedt, autor de quase uma centena de capas da revista LIFE, estava na Times Square, em New York City, com a sua Leica a capturar todos os momentos que conseguia das celebrações quando viu um marinheiro vestido de negro que estava espontâneamente a beijar todas as raparigas por que passava, novas e velhas, gordas e magras. De repente viu-o agarrar uma enfermeira de branco e tirou rapidamente quatro fotografias, publicando a que achou melhor uma semana depois, que além do beijo numa pose incrível mostram a expressão de indescritível felicidade na cara de várias pessoas num dos locais mais conhecidos do mundo.

A rapariga foi identificada mais de três décadas depois como sendo Edith Shain. A enfermeira do Doctor's Hospital de New York foi para a Times Square com uma amiga após ouvir na rádio a notícia do fim da guerra e lá foi beijada pelo marinheiro, cuja identidade embora tenha tido muitas reivindicações nunca foi confirmada, logo após sair do metro. Shain disse que tendo em conta que o fotografado tinha lutado por ela na guerra bem o poderia deixar desfrutar aquele beijo.

É das fotos mais afamadas do mundo e a mais acarinhada por Eisenstaedt entre as que tirou. O fotografo disse que muitas pessoas lhe disseram que mesmo quando ele falecesse (o que aconteceu em 1995) a imagem não seria esquecida. Cada um terá a sua interpretação dela mas uma das melhores será mesmo a de Edith Shain, que morreu no último dia 20 de Junho, que a considerou um monumento de “hope, love, peace and tomorrow.”

Sendo este um dia tão importante não resisto a deixar mais duas fotografias dos seus festejos originais há 65 anos em baixo: na esquerda um grupo de soldados aliados em Paris e na direita um grupo de trabalhadores de Oak Ridge, no Tennessee.

6ª Arte: Dispersão (1914) by Mário de Sá-Carneiro

2010-07-14T19:58:00.000-07:00

Perdi-me dentro de mim
Porque eu era labirinto,
E hoje, quando me sinto,
É com saudades de mim.

Passei pela minha vida
Um astro doido a sonhar.
Na ânsia de ultrapassar,
Nem dei pela minha vida...

Para mim é sempre ontem,
Não tenho amanhã nem hoje:
O tempo que aos outros foge
Cai sobre mim feito ontem.

(O Domingo de Paris
Lembra-me o desaparecido
Que sentia comovido
Os Domingos de Paris:

Porque um domingo é familia,
É bem-estar, é singeleza,
E os que olham a beleza
Não têm bem-estar nem familia).

O pobre moço das ânsias...
Tu, sim, tu eras alguém!
E foi por isso também
Que te abismaste nas ânsias.

A grande ave dourada
Bateu asas para os céus,
Mas fechou-as saciada
Ao ver que ganhava os céus.

Como se chora um amante,
Assim me choro a mim mesmo:
Eu fui amante inconstante
Que se traíu a si mesmo.

Não sinto o espaço que encerro
Nem as linhas que projecto:
Se me olho a um espelho, erro -
Não me acho no que projecto.

Regresso dentro de mim,
Mas nada me fala, nada!
Tenho a alma amortalhada,
Sequinha, dentro de mim.

Não perdi a minha alma,
Fiquei com ela, perdida.
Assim eu choro, da vida,
A morte da minha alma.

Saudosamente recordo
Uma gentil companheira
Que na minha vida inteira
Eu nunca vi... Mas recordo

A sua bôca doirada
E o seu corpo esmaecido,
Em um hálito perdido
Que vem na tarde doirada.

(As minhas grandes saudades
São do que nunca enlacei.
Ai, como eu tenho saudades
Dos sonhos que não sonhei!...)

E sinto que a minha morte -
Minha dispersão total -
Existe lá longe, ao norte,
Numa grande capital.

Vejo o meu último dia
Pintado em rolos de fumo,
E todo azul-de-agonia
Em sombra e além me sumo.

Ternura feita saudade,
Eu beijo as minhas mãos brancas...
Sou amor e piedade
Em face dessas mãos brancas...

Tristes mãos longas e lindas
Que eram feitas pra se dar...
Ninguém mas quis apertar...
Tristes mãos longas e lindas...

E tenho pêna de mim,
Pobre menino ideal...
Que me faltou afinal?
Um elo? Um rastro?... Ai de mim!...

Desceu-me nalma o crepusculo;
Eu fui alguém que passou.
Serei, mas já não me sou;
Não vivo, durmo o crepúsculo.

Alcool dum sono outonal
Me penetrou vagamente
A difundir-me dormente
Em uma bruma outonal.

Perdi a morte e a vida,
E, louco, não enlouqueço...
A hora foge vivida,
Eu sigo-a, mas permaneço...

. . . . . . . . . . . . . . .
. . . . . . . . . . . . . . .

Castelos desmantelados,
Leões alados sem juba...

. . . . . . . . . . . . . . .
. . . . . . . . . . . . . . .

Mário de Sá-Carneiro in Dispersão

2ª Arte: A Indonésia em Noite Cultural

2010-07-10T09:21:00.000-07:00

A companhia de dança Klub Peminatan Tari trás a Lisboa na próxima quarta-feira um espectáculo que pretende divulgar a dança e música tradicionais da Indonésia. Através de doze interpretações singulares (entre os 5 e os 10 minutos cada) o grupo, que nasceu em 2007 e desde cedo conseguiu reconhecimento pelo seu trabalho, quer difundir a cultura preciosa do maior arquipélago da Terra, onde a dança é dividida em três partes essenciais: wirama (ritmo), wiraga (movimento) e wirasa (sentimento).

Todos os intérpretes são estudantes da Faculdade de Psicologia da Universidade da Indonésia e não se dedicam exclusivamente a esta arte mas a seriedade do seu estudo da dança eleva-os ao mesmo patamar que os melhores dançarinos do seu país.

Da dúzia de danças que vão executar, originárias das províncias/ilhas de Aceh, Jambi, Jacarta e Bali, as mais interessantes parecem-me ser a Cenderawasih (baseada em movimentos de pássaros), Tor-Tor (usada para comunicar com espíritos), Nandaka Ganjen (sobre a alegria e desejo de liberdade dos jovens) e Rapai Geleng (que descreve a vida de Maomé e alguns ensinamentos bases dos Islamismo), mas todo o espectáculo tem auferido muito boas críticas (não só a nível de dança e música como de trajes) e deverá ser bastante bom do início ao fim.

No dia 14 de Julho no auditório do Museu do Oriente. A entrada custa 10€ e o espectáculo tem duração de 90 minutos, com início às 21h30.

Site Oficial

5ª Arte: Danza de la Muerte

2010-07-06T06:54:00.000-07:00

O Festival Internacional de Teatro de Almada está de volta (tendo como tema principal nesta sua 27ª Edição a poesia) e uma das dezenas peças em mostra por Almada, Lisboa, Cascais e Porto é Dança da Morte.

Esta obra inclina-se, a partir de um conjunto de textos portugueses e espanhóis dos séculos XIV a XVI, sobre a temática da morte no fim da Idade Média. Neste período a Peste Negra fez surgir a Dança Macabra, noção de que o fim da vida é universal e não liga a quaisquer divisões, sejam estas a condição social, a bondade ou outra coisa qualquer. O texto defende então que a morte não deve ser esquecida ou apagada das nossas vidas e que até pode ter um cariz esperançoso e mostra que no termo da existência todos vamos "dançar" com reis, lavradores, papas, pobres e ricos, novos e velhos enquanto a Morte, que lidera, nos relembra os prazeres mundanos que perdemos.

A encenação coube a Ana Zamora, que também trabalhou os textos, e a produção à sua companhia Nao D’Amores. Luís Miguel Cintra, Sofia Marques e Elena Rayos (aos quais se juntam marionetas e músicos) interpretam a peça entre hoje e o próximo dia 13 de Julho, no Teatro da Cornucópia no Bairro Alto. A assistência à composição teatral, cujas sessões estão marcadas para as 21h30 (excepto dia 11, às 17h), custa 15€ ou 7,5€ para espectadores com menos de 25 ou mais de 65 anos. Estará de volta no mesmo espaço de 30 de Setembro a 17 de Outubro do presente ano.

Site Oficial

4ª Arte: Altar de Pérgamo

2010-06-29T10:17:00.000-07:00

Algures entre o ano 200 e o ano 150 a.C. o rei Eumenes II de Pérgamo (Bergama, na Turquia) ordenou a construção do monumento que é hoje conhecido por Altar de Pérgamo num dos terraços da acrópole da sua cidade. Esta obra com 35,6 metros de largura (só a escadaria tem 20) e 33,4 de profundidade tem representada em alto relevo a batalha entre os Gigantes e os deuses do Olimpo, o combate entre o caos e a ordem, que terminou com o cárcere dos primeiros, e também uma série de eventos na vida de Télefo, o lendário fundador de Pérgamo e filho de Hércules e Auge. Foi supostamente desenhado pelo grande arquitecto grego Phyromachos. O altar foi não só edificado então para honrar os deuses (especialmente Zeus e Atena) mas também para legitimar o reinado de Eumenes, numa maquinação muito usado na época. Em termos práticos, terá sido usado essencialmente para praticar sacrifícios.

No friso, com um comprimento de 113 metros (o que faz dele o mais longo friso que sobreviveu da Antiguidade a seguir ao do Pártenon), vêem-se no lado Este as figuras de Atena, Áres, Zeus, Hércules, Hera, Apolo, Lete e Ártemis, no Sul aparecem Selene, Hélio e Eos (deuses da luz), no lado Oeste (o pódio) Dionísio, Cibele e Réia e no lado Norte os deuses Poseidon e Anfitrite.

Carl Humann, engenheiro alemão, e Alexander Conze escavaram a acrópole entre 1878 e 1886 com o apoio do Império Alemão (ansioso para atingir os mesmos níveis culturais das potências rivais). O seu principal objectivo era salvar o Altar e expor as fundações do edifício. Um acordo foi feito entre os Impérios Otomano e Alemão, que participou na escavação, para que os fragmentos descobertos ficassem propriedade de museus de Berlim. A estrutura foi então enviada para a capital alemã e lá foi remontada no início do século XX por restauradores italianos a partir de milhares de pedaços. Durante a IIª Guerra Mundial o Altar foi desmontado e guardado num abrigo anti-bomba, mas com a chegada do Exército Vermelho a Berlim os Soviéticos tomaram posse destas mesmas peças e levaram-nas para o Museu Hermitage, em Leningrade, como troféus de guerra. A partir do fim da década de 50 do século XX a União Soviética começou a devolver as peças furtadas à RDA e na década de 90 iniciou-se uma restauração completa da obra num esforço que custou mais de 3 milhões de euros e terminou em 2004. O Ministério da Cultura Turco exigiu em 1998 e em 2001, de forma não-oficial, a devolução de vários artefactos à Alemanha, incluindo o Altar mas a construção permanece em terreno germânico.

O Altar continua a ser hoje a peça mais procurada de toda a Colecção Berlinense de Antiguidades Clássicas e pode ser visitado no Pergamonmuseum em Berlim, um museu aberto em 1930 construído propositadamente para albergar a obra. Se lá forem aproveitem e vejam também a magnífica Porta de Ishtar e a Fachada de Mshatta.

10ª Arte: Portal 2 (2011)

2010-06-22T02:17:00.000-07:00

Voltando às origens, venho aqui falar de Portal 2, sequela do primeiro jogo que teve direito a um texto neste blog. Perdoem-me a falta de originalidade, a verdade é que me é sempre um pouco difícil escolher jogos sobre os quais escrever (a área em que, pela experiência, até me deveria sentir mais à vontade), porque se calhar elevo mais os critérios de selecção nesta Arte do que nas outras e não acho jogos que os atingem, mas quando vi os vídeos e li sobre este vi logo que tinha de vir para cá.

Depois do enorme e inesperado sucesso que Portal teve a Valve decidiu que o jogo devia ser expandido e atribuiu mais recursos ao projecto. O desenvolvimento terá começado há cerca de dois anos e meio mas o jogo apenas foi anunciado em Março, de uma maneira aliás bastante original. Foi lançado uma missão extra para o jogo original que, após ser completa (consistia em manipular rádios que aparecem no jogo de determinada maneira), permitia o acesso a efeitos de som (desde código Morse a imagens SSTV) que davam pistas com as quais se acabava por chegar a mais imagens, estas claramente relacionadas com o jogo. Pouco depois seguiu-se um update que modificava o final do jogo de modo a deixá-lo mais aberto e que continha ficheiros com indícios que deixavam claro que uma sequela estava a caminho. Esta semana na E3 2010 o presidente da Valve, Gabe Newell, em conjunto com a Sony apresentou o trailer e primeiros vídeos a mostrar o gameplay e inovações do jogo, descrevendo o projecto como possivelmente "the best game we’ve ever done."

Segundo informações conseguidas somos de novo Chell (embora com um fato diferente, mais utilitário e que lhe dá um ar mais de cobaia, e também um físico um pouco mais atlético e forte) e o jogo decorre outra vez nos Aperture Science Laboratories, embora centenas de anos depois dos acontecimentos de Portal. Os numerosos núcleos de personalidade que não estavam ligados a GLaDOS e não foram destruídos no jogo original foram activados e desenvolveram a sua própria sociedade. No entanto, preocupados com a decadência do seu lar e sem poderem sair de lá, um deles (Wheatley) decide ir acordar Chell, que esteve em stasis todos esses anos, para corrigir o estado das coisas. Eventualmente os dois acordam GLaDOS (que estava mesmo "still alive") sem querer e esta, não se esquecendo do que Chell lhe fez, decide vingar-se colocando a personagem que controlamos em difíceis testes enquanto vai reconstruindo os laboratórios...

Erik Wolpaw, guionista de Psychonauts e Portal, volta a escrever a história e diálogos do jogo, tarefa na qual se lhe juntaram Chet Faliszek, guionista de Left 4 Dead, e o humorista Jay Pinkerton. Estes disseram que embora muitos elementos do jogo anterior sejam revisitados, memes como o famosos "the cake is a lie" não voltarão a aparecer. Por outro lado, a música terá um papel aparentemente maior, depois do grande sucesso que a música de Jonathan Coulton (que está novamente envolvido no projecto) mencionada no parágrafo anterior teve. Algumas das inovações a nível de gameplay já foram reveladas, como feixes de tracção e cubos que reflectem lasers ou tubos de sucção e tintas que dão às superfícies diferentes características físicas. Não vale a pena tentar explicar, carreguem nos links e vejam os vídeos, valem bem a pena.

Para finalizar tenho de referir algo: no post sobre Portal queixei-me de duas falhas, "a curta duração e o facto de ser apenas individual". Bem, parece que a Valve é assídua do blog pois este jogo terá um modo multiplayer que parece bastante interessante, tendo a sua própria história e cenário e que é suposto ter puzzles consideravelmente mais difíceis que os da campanha individual e obriga a uma cooperação entre os jogadores, e tem quatro vezes a duração do original. O jogo está de momento anunciado para o início do próximo ano (em Windows, PS3, Mac OS X e XBox 360) mas devido aos atrasos habituais da Valve é difícil acreditar que chegará tão cedo. Mas os vídeos e informações que surgiram esta semana já dão um novo alento à espera e mostram que de facto o que vem ai vale a pena...

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11ª Arte: Stick People Drawing (2006) by John Su

2010-06-15T09:14:00.000-07:00

Um pouco de ironia feita em Adobe Flash para esta manhã de terça-feira.

9ª Arte: The Life and Times of Scrooge McDuck by Don Rosa

2010-06-08T10:13:00.000-07:00

Embora a grande maioria das histórias da Disney sejam divertidas é um pouco difícil achar alguma que seja realmente boa a nível de aventura, género que para mim é aquele que mais ganha ao ser contada em banda-desenhada. Excepto se procurarmos tal na obra de Carls Barks (mente por trás da criação de personagens como o Tio Patinhas, os Irmãos Metralha ou o Gastão) que criou viagens cheias de feitos extraordinários e riscos inesperados para os personagens Disney com desenhos magníficos e enredos ao nível de autores como Júlio Verne ou, mais próximo, Hergé.

O período de Barks a desenhar para a Disney terminou em 1966 mas felizmente um sucessor digno acabou por emergir nos anos 80: Keno Don Hugo Rosa. Embora, que eu saiba, este autor não tenha criado quaisquer personagens relevantes, as aventuras de Donald e Patinhas a que deu existência colocam-no quase no mesmo patamar que Barks a nível de enredo, ultrapassando-o mesmo a nível de ilustrações, que enche de bastante pormenores interessantes. A ligação ao "pai" de Patinhas é ainda mais íntima, pois além de as histórias de Don Rosa serem exclusivamente centradas em Donald ou no seu tio, tal como a maioria das de Barks, o autor põe as aventuras a ocorrerem em locais inventados por Barks e às vezes a serem mesmo sequelas de histórias célebres do primeiro. Mas o culto vai ainda mais longe, pois Don Rosa dedica todas os seus trabalhos ao mestre, escondendo para isto o acrónimo D.U.C.K. (Dedicated to Unca Carl from Keno) no primeiro painel de todas as suas bandas-desenhadas (sintam-se à vontade para conferir na imagem da direita em cima do texto).

O magnum opus de Don Rosa é A Saga do Tio Patinhas, lançada originalmente entre 1992 e 1994 (com vários volumes especiais lançados posteriormente, o mais recente em 2006), com 12 volumes e 212 páginas na versão original. Foi publicada em Portugal em Junho e Julho de 2002, nos números 204 e 205 da Disney Especial. Como é óbvio pelo título a obra conta a história de Patinhas, desde a infância pobre na Escócia do século XIX até ao começo das aventuras que todos lemos com os sobrinhos, na América de 1947 (ano em que a personagem foi criada). Entre estas duas datas vemos como Patinhas acumulou todo o dinheiro que tem e o sofrimento e privações que passou para chegar ao topo do mundo. É certo que estamos a falar de um pato antropomórfico desenhado, mas Don Rosa constrói o enredo de tal maneira que de facto quase sentimos as mesmas sensações que Patinhas sofre. A acrescentar a este lado emocional há ainda o rigor histórico e ficcional (proveniente de histórias clássicas da Disney) que resultou da pesquisa árdua que o artistas fez para gerar esta obra: além de diversas referencias culturais das épocas em que a Saga decorre (como se pode ver pela página apresentada no topo do post, clara alusão a Citizen Kane) que surgem ao longo das páginas, Patinhas passa por aventuras já mencionadas em histórias anteriores e por acontecimentos históricos concretos dos períodos e locais que atravessa, encontrando-se ainda com pessoas bem reais (notavelmente Theodore Roosevelt). Além de tudo isto, quase todas as ligações familiares da família de Donald são explicadas com "factos" de antigas bandas-desenhadas e o passado de muitos outros personagens emblemáticos é expandido. Sem dúvida uma das bandas-desenhadas mais essenciais para qualquer fan do Tio Patinhas ou dos outros patos da Disney e se tudo o que disse antes não chega para terem a certeza disto é melhor acrescentar que esta obra valeu a Don Rosa um Will Eisner Award, provavelmente o prémio mais estimado no mundo da 9ª Arte.

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Volume 1 na Amazon.co.uk

Volume 2 na Amazon.co.uk

7ª Arte: ODDSAC (2010) by Danny Perez

2010-06-01T09:58:00.000-07:00

Embora realizado por Danny Perez, é essencial dizer desde já que este filme é um projecto dos Animal Collective. A banda norte-americana começou a desenvolver o filme há cerca de quatro anos e pediu ao amigo Danny Perez, um artista visual que se estreia na realização, para editar os visuais e sons inéditos que foram criando de modo a montar o trabalho final. A longa-metragem de 54 minutos foi lançada então a 26 de Janeiro de 2010 no festival independente de Sundance e anda desde Março a ser exibido em sessões (normalmente) únicas pelos Estados Unidos e Europa, incluindo no Guggenheim em New York e no Primavera Sound em Barcelona. O lançamento em DVD e no iTunes está marcado para o próximo 26 de Julho.

A obra experimental psicadélica chega amanhã a Portugal, sendo o primeiro trabalho de longa duração do grupo desde o magnífico Merriweather Post Pavilion. É definido pelos próprios não como um filme mas sim um "álbum visual" e tem recebido em geral boas críticas, sendo descrito como uma "narrativa imersiva composta por camadas densas e surreais de músicas e imagens", uma especie de videoclip típico dos Animal Collective, mas alargado e com uma história a ligar as cenas. Penso que será uma excelente ideia os fans e simpatizantes da banda darem um salto pela Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa pelas 22h do dia 2 de Junho para uma experiência com certeza bastante diferente. A entrada custa 6€ e na audiência estarão Panda Bear e Danny Perez disponíveis para responder a questões do público e possivelmente fazer uma introdução ao filme.

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3ª Arte: Ritratto di Giovane Donna by Botticelli

2010-05-17T13:07:00.000-07:00

Passam hoje exactamente 500 anos da morte de Sandro Botticelli, notável pintor renascentista de Florença que tem Nascita di Venere (da qual adoro as cores) como provavelmente a sua obra mais reproduzida mas conta com outras bastante reconhecidas no reportório como Primavera, Venere e Marte ou os frescos com que decorou a Capela Sistina, todos feitos quando o artista tinha cerca de 40 anos.

Originalmente tinha pensado em enfeitar este post com uma das geniais ilustrações que o florentino fez para a Divina Comédia, do seu conterrâneo Dante Alighieri, mas o magnífico cabelo da pintura acima acabou por me fazer esquecer essa ideia. Ritratto di Giovane Donna tem 47,5 por 35 cm e foi pintado algures depois de 1480. Podem encontrar esta pintura a óleo na Gemaldegalerie em Berlim.

6ª Arte: First they came… (1946) by Martin Niemöller

2010-05-08T21:10:00.000-07:00

Als die Nazis die Kommunisten holten,
habe ich geschwiegen;
ich war ja kein Kommunist.
Als sie die Sozialdemokraten einsperrten,
habe ich geschwiegen;
ich war ja kein Sozialdemokrat.
Als sie die Gewerkschafter holten,
habe ich nicht protestiert;
ich war ja kein Gewerkschafter.
Als sie die Juden holten,
habe ich geschwiegen;
ich war ja kein Jude.
Als sie mich holten,
gab es keinen mehr, der protestieren konnte.

Quando os nazis vieram buscar os comunistas,
Eu permaneci em silêncio;
Eu não era comunista.
Então eles vieram pelos social-democratas,
Eu permaneci em silêncio;
Eu não era um social-democrata.
Então eles vieram buscar os sindicalistas,
Eu não protestei;
Eu não era um sindicalista.
Então eles vieram para os judeus,
Eu permaneci em silêncio;
Eu não era um judeu.
Quando eles me vieram buscar,
Não havia ninguém para protestar.

Martin Niemöller in They Thought They Were Free

Passam hoje 65 anos do dia em que os Aliados aceitaram a rendição incondicional da Alemanha Nazi e o fim do Terceiro Reich. Isto representou efectivamente o fim da Segunda Guerra Mundial na Europa.

O poema acima (no original e traduzido) foi escrito por Martin Niemöller, um teólogo e pastor luterano alemão. Nele descreve os perigos da apatia política num texto dirigido principalmente aos intelectuais alemães, entre os quais se encontrava, que nada fizeram no período de ascensão dos nazis para travar a destruição que estes anunciavam. O autor esteve preso em Sachsenhausen e Dachau por ordem directa de Hitler entre 1937 e 1945 mas sobreviveu. Após o final da guerra foi um dos redatores da Declaração de Culpa de Estugarda (1945) em que o Concelho da Igreja Evangélica Alemão confessou a sua culpa por não ter feito uma maior oposição ao regime Nazi. Niemöller tornou-se um sonoro pacifista e activista anti-guerra, lutando entre outras coisas pelo desarmamento nuclear até à sua morte, em 1984.

4ª Arte: Bīngmǎ Yǒng* (210 a.C.)

2010-05-05T12:02:00.000-07:00

Em 1974 alguns agricultores que estavam a cavar um poço em Xian, capital da província chinesa Shaanxi, descobriram um conjunto enorme de estátuas humanas e equestres de tamanho real feitas de terracota que ficaram conhecidas no Ocidente como Exército de Terracota (na China chamadas de 兵馬俑, literalmente *estátuas funerárias de soldados e cavalos). As estátuas datam de 210 a.C., ano da morte do primeiro Imperador da China unificada, Qin Shi Huang (sob as ordens de quem a primeira versão da Grande Muralha da China foi construída), com quem foram enterradas. O propósito das mesmas era ajudar Qin Shi Huang a construir outro Império na vida além-túmulo.

As figuras humanas representam músicos, acrobatas, oficiais, guerreiros e generais, estando acompanhadas por diversos cavalos e bigas. O conjunto perfaz um total de quase 9000 estátuas, todas diferentes por ordem de Qin Shi Huang e a maioria ainda enterrada, dispostas em formação militar. Além de variarem na altura (entre 1m83 e 1m95), também têm uniformes e penteados diferentes, de acordo com a patente militar da personagem, e até foram coloridas, embora a tinta não tenha chegado aos nossos dias, e cobertas de laca, para aumentar a sua durabilidade. O torso, membros e cabeça das estátuas eram feitos em separado a partir de meia dúzia de moldes e depois de serem montados artistas davam características individuais a cada uma. Originalmente as estátuas tinham armas verdadeiras que davam às figuras um ar ainda mais realista mas estas foram roubadas, provavelmente pouco depois da morte do Imperador. Algumas das estátuas já estiveram em exibição no British Museum em 2007 e 2008 (tendo feito desse período o mais bem sucedido de toda a história do museu londrino) mas a maioria nunca saiu do local onde foram encontradas, que entretanto foi convertido num enorme complexo de exibição. Poucos legados de líderes históricos demonstram tão claramente o poder que detinham.

8ª Arte: Nail’s Life by Vlad Artazov

2010-05-02T18:25:00.000-07:00

Estas imagens foram captadas por Vlad Artazov, que há uns anos começou a modelar pregos de modo a representarem sentimentos e situações do dia-a-dia humano. Infelizmente não há muito mais informação disponível sobre o fotógrafo (excepto ser checo) ou o seu trabalho com pregos (a que chama Nail's Life), nem consigo encontrar imagens grandes ou com qualidade excelente. De qualquer maneira, embora as fotografias não sejam muito sofisticadas, achei o trabalho interessante, algo inovador e digno de publicitar.

2ª Arte: V Gala Internacional de Bailado

2010-04-29T08:10:00.000-07:00

Para assinalar o nascimento em 1727 de Jean-Georges Noverre, pai do ballet moderno, 29 de Abril foi escolhido para se celebrar o Dia Mundial da Dança, uma data em que se celebra e se tenta captar novos públicos para esta forma de arte e se pretende sensibilizar a audiência para o ensino e prática da dança.

A Companhia Nacional de Bailado promove então hoje e amanhã a V Gala Internacional de Bailado, de modo a comemorar a data. Aos bailarinos do grupo português (Ana Lacerda, Fernando Duarte, Barbora Hruskova, Filipe Portugal, Filipa Castro, Tomislav Petranovic, Peggy Konik e Carlos Pinillos, entre outros) que participam nesta Gala juntar-se-ão dançarinos de outras notáveis companhias europeias como o Ballet do Teatro de Stanislavsky (Maria Semenyachenko e Sémen Chudin), o Ballet Nacional da Holanda (Drew Jacoby e Rubinald Pronk), o Ballet Estatal da Baviera (Lucia Lacarra e Marlon Dino), o TOK'ART (Teresa Alves da Silva e Guzman Rosado) e o Ballet da Ópera de Berlim (Soraya Bruno e Martin Buczko).

No Teatro Camões (Parque das Nações) a partir das 21h. Os bilhetes custam entre 5 e 50€.

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6ª Arte: As I Walked Out One Evening (1938) by W. H. Auden

2010-04-20T03:00:00.000-07:00

As I walked out one evening,
Walking down Bristol Street,
The crowds upon the pavement
Were fields of harvest wheat.

And down by the brimming river
I heard a lover sing
Under an arch of the railway:
'Love has no ending.

'I'll love you, dear, I'll love you
Till China and Africa meet,
And the river jumps over the mountain
And the salmon sing in the street,

'I'll love you till the ocean
Is folded and hung up to dry
And the seven stars go squawking
Like geese about the sky.

'The years shall run like rabbits,
For in my arms I hold
The Flower of the Ages,
And the first love of the world.'

But all the clocks in the city
Began to whirr and chime:
'O let not Time deceive you,
You cannot conquer Time.

'In the burrows of the Nightmare
Where Justice naked is,
Time watches from the shadow
And coughs when you would kiss.

'In headaches and in worry
Vaguely life leaks away,
And Time will have his fancy
To-morrow or to-day.

'Into many a green valley
Drifts the appalling snow;
Time breaks the threaded dances
And the diver's brilliant bow.

'O plunge your hands in water,
Plunge them in up to the wrist;
Stare, stare in the basin
And wonder what you've missed.

'The glacier knocks in the cupboard,
The desert sighs in the bed,
And the crack in the tea-cup opens
A lane to the land of the dead.

'Where the beggars raffle the banknotes
And the Giant is enchanting to Jack,
And the Lily-white Boy is a Roarer,
And Jill goes down on her back.

'O look, look in the mirror?
O look in your distress:
Life remains a blessing
Although you cannot bless.

'O stand, stand at the window
As the tears scald and start;
You shall love your crooked neighbour
With your crooked heart.'

It was late, late in the evening,
The lovers they were gone;
The clocks had ceased their chiming,
And the deep river ran on.

W. H. Auden in Another Time

Um poema que relata a luta entre a força do Amor e a eternidade do Tempo, o Ciclo da Vida e a Morte. A importância do que prometemos a quem amamos é posta em causa pela passagem constante e imparável das horas, dias, meses e anos.

7 Arte: True (2004) by Tom Tykwer

2010-04-13T06:18:00.000-07:00

There are times when life calls out for a change, a transition, like, like the seasons. Our Spring was, was wonderful, but Summer is over now, as been for a long time. Hm, we’ve missed out on Autumn and now, all of the sudden, it’s cold. So cold everything, everything is freezing over and my heart has stopped beating. Our love fell asleep and the snow took it by surprise. But if you fall asleep in the snow you don’t feel death coming. Take care.

Em 2006 foi lançado Paris Je T’aime. Esta obra é uma compilação de dezoito curtas-metragens dirigidas por duas dezenas de realizadores (como os irmãos Coen, Gus Van Sant, Alfonso Cuarón ou Wes Craven) que têm como componente de ligação o facto de cada curta-metragem ser sobre um dos Arrondissements (as divisões administrativas) de Paris. Embora tenham sido filmados vinte filmes (um correspondente a cada uma destas divisões), os da XI e XV arrondissement não foram usados em Paris Je T'aime por não haver possibilidade de os integrar bem na história. Entre os actores que participaram no projecto contam-se Juliette Binoche, Nick Nolte, Steve Buscemi, Willem Dafoe, Maggie Gyllenhaal, Elijah Wood e Gérard Depardieu.

Uma dessas curtas-metragens chama-se True, uma história que os autores dizem conter a essência e os padrões de todas as relações, não só a representada. Foi filmada em 2003 por Tom Tykwer (conhecido por Reint Lola), que também escreveu o guião e compôs a música, e é protagonizado por Natalie Portman e Melchior Beslon. O filme foi gravado em quatro dias no estilo característico de Tykwer: com equipamento e equipa reduzidos ao máximo e numa velocidade vertiginosa, evitando as grandes operações típicas de Hollywood. Isto serve não só para dar um passo acelerado à acção mas também para a despir aos seus elementos essenciais, dando ainda espaço para espontaneidade e experimentação tanto por parte dos actores como do realizador e director de fotografia. True é marcado pela profunda crise pessoal pela qual Tykwer passava quando o gravou: o realizador usou o filme quase como uma operação de salvamento a si prórpio, uma terapia, e isso talvez explique a reviravolta final e a nota de esperança com que ficamos.

Thomas, um estudante cego, está em casa a estudar. Recebe uma telefonema da namorada actriz, Francine, que lhe diz as palavras que abrem este post. Thomas desliga o telefone assustado e começa a recordar o momento em que conheceu Francine e tudo o que passaram juntos...

A versão utilizada em Paris Je T’aime (rebatizada Faubourg Saint-Denis, o nome de uma rua na X arrondissement) é três minutos mais pequena que a de Tom Tykwer e sofreu cortes tanto a nível de cenas como de diálogos. O vídeo apresentada abaixo (que demora alguns minutos a carregar e pode ser obtido aqui) corresponde à curta-metragem original.

And of course you were admitted. You left Boston and moved to live in Paris. A small apartment on a street in the Faubourg Saint-Denis. I showed you my neighborhood, my bars, my school. I introduced you to my friends, to my parents. I listened the texts that you repeated, your singing, your hopes, your desires, your music. You listened to mine, my Italian, my German, my Russian. You learned French and found work at a coffeeshop. I accompanied you to the Conservatoire and started studying for my exams. Each week you changed your perfume but always had that vanilla odor. I gave you a walkman, you offered me a pillow. And one day you kissed me. Time passed, time flew. And everything seemed so easy, so simple, free. So new and so unique. We went to the cinema, we went dancing, went shopping. We laughed, you cried. We swam, we smoked, we shaved. From time to time you screamed. Without reason to. Or with reason to. Yes, sometimes with reason to. I accompanied you to the Conservatoire, I revised for my exams. I listened to your exercises of singing, your hopes, your desires, your music. You listened to mine, my Italian, my German, my Russian. You learned French. We were close, so close, ever closer. I worked at my exams and you had a new perfume. We went to the cinema, we went swimming, we listened to the music, laughed together. I worked at my exams. You screamed, with a reason to and without. Time passed, time flew. I accompanied you to the Conservatoire, I revised for my exams. We listened to the music, you listened to me talking Italian, German, Russian, French. I revised for my exams, you screamed. With reason. Time passed, without reason. You screamed, without reason. I accompanied you to the Conservatoire, I revised for my exams. My exams, my exams, my exams… The Italian, the German, the Russian, the French. Time passed, you screamed, you screamed, you screamed… I went to the cinema. Forgive me Francine.

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11ª: NullFlow (2007) by Jesar

2010-04-08T10:39:00.000-07:00

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2ª Arte: Orfeu e Eurídice

2010-04-01T16:53:00.000-07:00

Da união de Eagro, rei da Trácia, e da musa Calíope nasceu Orfeu, o músico mais talentoso da Terra e do Olimpo. Os pássaros paravam, os animais acalmavam-se e as árvores dobravam-se só para ouvir os sons que soltava da sua lira.

Após viajar com Jasão em busca do velo de ouro, como um dos Argonautas, apaixonou-se pela ninfa Eurídice. Ela retribuiu o sentimento e casaram-se. No entanto, devido à beleza da ninfa, não demorou muito até que fosse cobiçada pelo apicultor Aristeu. Vendo-se rejeitado por Eurídice, Aristeu perseguiu-a até que a ninfa tropeçou numa serpente, sendo picada por ela e morrendo. As outras ninfas para o castigar mataram então todas as abelhas de Aristeu.

Orfeu, desesperado, desceu às profundezas do Inferno para trazer à sua amada de volta à vida. Com a sua lira conseguiu convencer o barqueiro Caronte a transporta-lo pelo rio Aqueronte, adormecer o monstruoso guardião Cerberus e ainda aliviou as almas atormentadas dos condenados. Hades ficou furioso quando Orfeu chegou ao pé de si, pois não é suposto um vivo pisar o Mundo dos Mortos, mas a canção pungente do músico comoveu-o ao ponto do deus chorar lágrimas de ferro. A sua esposa Perséfone, abalada com a tristeza de Orfeu, implorou a Hades que deixasse Eurídice partir e o deus consentiu, com a condição de Orfeu caminhar à frente da sua esposa e apenas olhar para a sua alma quando esta atingisse a luz do Sol.

Ambos fizeram o caminho oposto ao das almas pecadoras. Quando regressou à Terra, o herói olhou ansioso para ver se a sua amada ainda o seguia, mas estando ela ainda dentro do escuro túnel, a sua alma perdeu-se para sempre. Orfeu, encolerizado, recusou-se a partir desse dia a voltar a olhar para qualquer outra mulher, para não recordar a perda de Eurídice. Eventualmente, um grupo de mulheres selvagens chamadas Mênaces, furiosas por se verem desprezadas, atacaram-no e despedaçaram o seu corpo, atirando a cabeça para o rio Ebro enquanto esta continuou a cantar o nome da mulher que amou: "Eurídice!"

Os deuses castigaram as Mênaces transformando-as em carvalhos, fustigados até à podridão por ventos furiosos. Calíope reuniu o corpo desfeito do filho com a ajuda das restantes oito musas e enterraram-no no Olimpo. Os dois amantes conseguiram então finalmente unir-se.

Depois de uma aclamada passagem em 2006 pelo CCB com "bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS", a ilustre Compagnie Marie Chouinard vai apresentar agora no mesmo espaço este mito clássico. O espectáculo de ballet num acto que estreou há ano e meio tem recebido críticas bastante positivas pela sua intensidade, exploração e ousadia, assim como a mistura de elementos entre erotismo, comédia e poesia.

Coreografia, direcção, iluminação, cenografia e adereços a cargo de Marie Chouinard, textos do filósofo Giorgio Agamben e música de Louis Dufort. Nos próximos dias 15 e 16 de Abril, às 21h no Auditório Principal. Os preços variam entre os 5 e os 25€ (com descontos de 25% para menores de 25 anos ou idosos com mais de 65).

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9ª Arte: Concerned by Christopher C. Livingston

2010-03-26T09:53:00.000-07:00

Uma vez que fiz recentemente dois posts sobre a série Half-Life achei que esta seria uma boa altura para falar de Concerned.

Começando do início, Concerned não é uma banda-desenhada comum. Esta webcomic não foi desenhada mas sim encenada, usando um dos mods mais populares de Half-Life 2, o Garry's Mod (à venda na Steam). Este mod, criado por Garry Newman poucas semanas após o lançamento do jogo, permite pegar nos modelos de todos os personagens e objectos do jogo e coloca-los na pose que desejarmos. Christopher C. Livingston teve a ideia de usar esta ferramenta para fazer uma versão parodiada em banda-desenhada da história de Half-Life 2 e a primeira página foi lançada a 1 de Maio de 2005, menos de 6 meses após o título ter chegado às lojas. Até Setembro de 2006 eram lançadas três tiras novas por semana e depois disso até ao fim (a 6 de Novembro de 2006, após 205 números) duas tiras por semana. Embora ao início as poses das personagens não fossem perfeitas, Livingston foi ganhando experiência e conseguiu ir aperfeiçoando esta parte. Isto em conjunto com a escrita criativa e divertida que apresentava nas tiras permitiu a Livingston ter leitores por todo o Mundo e a Concerned ser louvado por críticos e até alguns dos criadores de Half-Life 2.

Com o subtítulo The Half-Life and Death of Gordon Frohman, Concerned segue a história de Gordon Frohman, um cidadão a viver no regime totalitário dos Combine, uma raça alienígena que invadiu a Terra e a conquistou rapidamente. Ao contrário de quase todos os outros humanos, Frohman não vê os Combine como invasores impiedosos mas sim como um povo amistoso que só quer fazer o melhor pelos habitantes da Terra. Frohman chega à City 17 poucas semanas antes de Gordon Freeman (o herói da série Half-Life) aparecer e na sua busca para se tornar um híbrido humano-combine acaba por tomar o mesmo percurso que o cientista eventualmente vai seguir em Half-Life 2. Devido à similaridade dos dois apelidos, Frohman é diversas vezes confundido na sua jornada com o herói profético de Black Mesa, algo que não lhe agrada nada devido ao que Freeman representa - a última esperança da resistência na luta contra os seus adorados Combine. Frohman só quer viver na City 17 em paz e poder continuar a correspondência regular que mantém com o seu ídolo, Wallace Breen (o ditador que representa o poder dos Combine na nosso planeta), mas devido à sua incompetência talvez vá ajudar mais a causa rebelde do que imagina...

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10ª Arte: Half-Life 2 (2004)

2010-03-24T09:46:00.000-07:00

Em Maio de 2003, na Electronic Entertainment Expo (E3), a Valve surpreendeu tudo e todos ao anunciar Half-Life 2. A empresa tinha estado a trabalhar no jogo desde Junho de 1999, seis meses após o lançamento de Half-Life, mas até essa data nada tinha sido divulgado. O título ganhou imediatamente os prémios de Jogo Do Ano, Melhor Jogo de Acção, Melhores Gráficos e Avanço Tecnológico na Expo.

O percurso percorrido até 2003 não tinha sido fácil. Assim como o que faltava percorrer até o lançamento, a 16 de Novembro de 2004, não seria fácil. A Valve queria superar, ou pelo menos igualar, a inovação e sucesso do seu trabalho original. Quando Half-Life foi lançado podia ter sido um fiasco que ninguém, além dos criadores, se teria importado. Mas desta vez milhões de fans em todo o planeta estavam à espera de outra obra-prima, uma sequela digna do que muitos consideravam ser o melhor jogo de sempre. Para ter a certeza que todas estas fasquias iam ser atingidas e iria conseguir um trabalho revolucionário por parte da sua equipa, Gabe Newell anunciou um orçamento ilimitado e nenhuma pressão com datas e afastou-se um pouco do design do projecto para manter uma perspectiva imparcial.

O desenvolvimento da história e personagens, mais uma vez a cargo de Marc Laidlaw, não foi um problema. Os gráficos, embora tenham sido extremamente inovadores, também não. A difícil questão principal que a equipa colocava a si própria era como criar um jogo ainda mais realista e interactivo que o original. Mas a solução foi encontrada. Graças aos avanços tecnológicos conseguidos (e à ajuda de um psicólogo especializado em expressões faciais) foi possível desenvolver a animação facial de tal modo que as personagens se conseguiam expressar só através do olhar e músculos virtuais que se contorciam de acordo com os movimentos. E não só o diálogo foi complexificado (o jogo tinha mais de 150 páginas de diálogo, contra apenas 19 de Half-Life) como actores reconhecidos (como Robert Guillaume, Robert Culp, Michelle Forbes ou Louis Gossett) foram contratados para dar voz a esse mesmo diálogo. As personagens moviam-se, falavam e agiam como pessoas reais.

Mas como tornar também o Mundo mais realista? Aqui entra a Física. Durante anos as grandes companhias de jogos tinham tentado incorporar leis da Física nos seus produtos, sem grande sucesso. Foi Half-Life 2 que reverteu esta tendência, dando aos jogadores a possibilidade de efectivamente reforçarem a sua presença nos ambientes virtuais e usar componentes dos mesmos em seu favor (como usar um radiador como escudo ou montar uma armadilha com um carro para matar um inimigo) graças à Física. A espectacularidade de algumas passagens do jogo não estavam agora apenas nas mãos das sequências animadas, os jogadores podiam influenciar directamente quase tudo no Mundo, como quisessem e quando desejassem. A possibilidade de manipulação de objectos tornava o jogo num recreio cheio de puzzles para serem descobertos e resolvidos.

Todas estas inovações só foram conseguidas graças ao motor Source: ao contrário do jogo original, no qual a Valve pegou num código de outro jogo e o modificou como queria, na sequela decidiram que para criar algo realmente inventivo teriam de efectivamente construi-lo num motor inovador. Como tal tecnologia não existia, tiveram de a criar. E, como se não chegasse, ainda desenvolveram um método de fazer o seu novo produto chegar de forma mais rápida e simples ao utilizador, a plataforma de distribuição online de jogos Steam, hoje usada por quase todas as grandes companhias.

Gordon Freeman é acordado de uma estase por G-Man, que após um pequeno discurso se desvanece, num comboio que se dirige para a City 17, uma cidade da Europa do Leste. Passaram cerca de duas décadas desde o acidente de Black Mesa e a Terra foi invadida por uma raça alienígena, os Combine, que a conquistaram numa guerra que durou 7 horas e deixaram os seus habitantes a ser controlados por um governo global totalitário. Gordon encontra-se por acaso com o seu velho amigo Barney Calhoun, antigo segurança de Black Mesa que está agora inserido na polícia dos Combine mas a trabalhar secretamente para a resistência humana. Barney rapidamente o liga aos antigos companheiros cientistas, agora líderes do movimento revolucionário, os doutores Isaac Kleiner e Eli Vance. Quando Gordon se preparar para ser inserido na equipa de pesquisa cientifica no laboratório secreto da resistência este é atacado e Vance capturado pelos Combine. Gordon tem de começar agora uma viagem contra o tempo para salvar Vance, peça vital da luta contra os invasores, que o vai levar a uma cidade infestada de zombies, praias cheias de monstros de Xen, às ruas da City 17 em estado de guerra e alguns dos pontos mais importante da administração Combine na Terra.

Além dos prémios já referidos recebidos na E3, Half-Life 2 ganhou mais de 40 prémios de Jogo do Ano e vendeu para cima de 8 milhões de cópias. O jogo deu origem ao tech demo HL2: Lost Coast (2005), um nível cortado do jogo e refinado para mostrar toda a potencialidade gráfica do motor Source, e a três expansões que contam o desenrolar dos eventos após o fim de Half-Life 2: HL2: Episode One (2006), HL2: Episode Two (2007) e HL2: Episode Three (ainda a ser desenvolvido).

5ª Arte: Ivanov

2010-03-19T09:53:00.000-07:00

Cada um de nós é feito de demasiadas rodas, de demasiados parafusos, de demasiadas válvulas, para que possamos julgar-nos uns aos outros à primeira vista ou a partir de dois ou três sinais exteriores. Eu não o compreendo, o senhor não me compreende e nem sequer a nós próprios nos compreendemos...

A Associação Cultural Truta apresenta a partir de hoje e até o próximo dia 27 (excepto terça-feira) o drama em quatro actos Ivanov, do engenhoso escritor russo Anton Chekhov.

A peça foi escrita em 1887 por Chekhov após lhe encomendarem uma comédia. Ele decidiu que preferia fazer um drama e completou Ivanov em 10 dias. Embora tenham sido um sucesso, o autor não gostou das primeiras exibições e acabou por rescrever grande parte do texto. Essa nova versão foi apresentada em 1889 na capital do Império Russo, São Petersburgo, voltando a ser um êxito. A peça foi a primeira a oferecer um aperitivo do estilo e temas das obras-primas posteriores do russo, como A Gaivota, Tio Vanya ou As Três Irmãs.

Seguimos Nikolai Ivanov, um outrora respeitado oficial do governo local conhecido como um pioneiro na introdução de métodos científicos na agricultura e na educação de camponeses que agora, afogado em burocracias e dívidas, perdeu aparentemente o gosto pela vida e o amor pela mulher de 5 anos Anna, gravemente doente. A partir deste personagem é nos apresentada uma interessante sátira à hipocrisia e falta de princípios da sociedade, à imobilidade e incapacidade de existir dos seus habitantes: Ivanov é um homem que já foi alguém importante e inovador que após se ver confrontado com o tédio da sua situação familiar e social se deixou mergulhar na banalidade, desgosto e a angústia que preenchem a vida de todos os seus vizinhos.

O texto foi traduzido por José Sinde Filipe e a encenação está a cargo de Tónan Quito, cabendo a interpretação a António Fonseca, Carla Galvão, João Pedro Vaz, Joaquim Horta, Paula Diogo e Pedro Lacerda, entre outros. A peça conta com a colaboração da banda Melech Machaya. Além disto a Associação Cultural Truta organiza ainda ao longo do dia oficinas de teatro para adultos.

Os bilhetes estão à venda a 5€ (menores de 30 anos) ou 12 (geral). Às 21h30, nos dias referidos, na Sala Principal do Teatro Municipal Maria Matos.

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10ª Arte: Half-Life (1998)

2010-03-17T01:34:00.000-07:00

Quando me vêm com o estigma de que um videojogo é só uma forma de entretenimento sem grande mérito pois nunca tem uma boa história e não é jamais comparável com um bom livro ou filme, eu disparo logo três ou quatro nomes. Um desses nomes é Half-Life.

A série de first-person shooters (FPS) Half-Life, que já vendeu mais de 20 milhões de unidades e inovou a indústria de forma revolucionária, é à data constituída por dois jogos e cinco expansões. Além disso gerou um spin-off de sucesso (Portal, do qual já aqui falei) e inúmeros mods, alguns já "oficializados" (Counter-Strike, Day Of Defeat, G-Mod, HL Deathmatch,...) pela casa-mãe, Valve Software. Neste post vou-me debruçar sobre o título que originou tudo o resto.

A Valve foi criada em Agosto de 1996 por dois funcionários da Microsoft, Gabe Newell e Mike Harrington, que após ficarem milionários na empresa de Bill Gates decidiram tentar criar um jogo de computador. Após escolherem o tipo de jogo que queriam (um FPS de acção em 3D) e obterem a licença para usar o código-fonte de Quake (outro popular FPS), Newell e Harrington contrataram os melhores profissionais da área que conseguiram e começaram a modificar o código. Cerca de dois anos depois e após vários atrasos e crises no desenvolvimento Half-Life foi lançado, a 19 de Novembro de 1998. O jogo acabou por vencer mais de 50 prémios de Game Of The Year e vender mais de 9 milhões de cópias.

Este sucesso óbvio é inerente às grandes inovações que Half-Life trouxe. Até 1998, a maioria dos jogos de acção em 3D limitavam-se a modificar Doom (o antecessor espiritual de Quake, que representou o primeiro trabalho de Newell na área dos jogos, ainda na Microsoft, quando este o adaptou ao Windows) sem adicionar elementos novos dignos de referência a nível de jogabilidade, história ou cenários. Em relação a Half-Life, no entanto, era isso exactamente que a Valve queria fazer. Uma das novidades mais evidentes que introduziram foi a AI (inteligência artificial) bastante melhorada dos NPC (personagens não-jogáveis), que fazia os inimigos trabalharem em equipa e os aliados ajudarem-nos em formas bastante mais diversas do que apenas dar tiros. As sequências escritas, cadeias de eventos que eram activadas quando o jogador atingisse certo ponto do jogo, também tiveram um papel muito importante pois desenvolviam a história através dos NPC mantendo a narrativa contínua e o jogador integrado na acção (ao contrário das cutscenes usadas até então). Além disso, o desenvolvimento de um esqueleto digital permitiu que os personagens se movessem e falassem de forma fluída e realista. Tudo isto fez com que de facto os NPC passassem a ser personagens no pleno sentido da palavra e não apenas inimigos que disparavam ou aliados que esperavam morrer. Os diversos puzzles com que nos deparamos, pouco comuns num FPS, também foram algo aclamado. E o mundo e cenários em que o tudo decorria foram a cereja no topo do bolo, um local ultrarealista, rico e consistente, que parecia um lugar real. Todos os jogos anteriores passaram então a parecer situar-se em locais ocos e despojados de qualquer vida quando em comparação. Finalmente tinha surgido algo que fazia parecer realmente que estávamos a “jogar um filme”.

A Valve queria construir um jogo à volta de uma história e não o contrário, como era norma até então. Sendo assim, Newell escolheu como base a obra The Mist de Stephen King e contratou o escritor premiado de ficção-científica e terror Marc Laidlaw para compor o enredo e criar as personagens. E este assim o fez, criando uma história interessante e coesa, num mundo denso povoado por personagens revelantes, que escondia surpresas e pistas atrás de cada esquina que nos iam explicando o que se passava a pouco e pouco, conseguindo sempre manter o suspense no máximo até ao fim (e, em alguns aspectos, para lá do fim).

O jogo começa com Gordon Freeman, um físico teórico graduado no MIT, a chegar atrasado ao trabalho na Black Mesa Research Facility, um laboratório subterrâneo privado de pesquisa científica. É o dia de uma experiência importante, a análise do cristal mais puro alguma vez conseguido de Xen (uma dimensão fronteiriça entre universos onde se vai parar através de teletransporte, uma das principais áreas de pesquisa de Black Mesa). Cabe a Gordon a tarefa de inserir o cristal para análise no espectrômetro de anti-massa, que nesse dia está a funcionar acima da sua capacidade máxima (o que deixa alguns cientistas bastante preocupados) para que seja possível tirar dados conclusivos da amostra. Quando o espectrômetro é ligado resultados inesperados ocorrem e são abertos diversos portais para Xen, que fazem com que a vida animal selvagem e perigosa dessa dimensão seja transportada até ao laboratório em vagas intermináveis. Freeman, que nunca tinha segurado uma arma quanto mais morto alguém, tem agora de ir até ao complexo Lambda, do outro lado de Black Mesa, onde alguns cientistas acreditam ter encontrado uma maneira de parar o aparecimento dos portais, combatendo legiões de aliens e tropas do exército dos Estados Unidos (enviados para "silenciarem" todos os testemunhas do desastre) pelo caminho com o seu fiel pé-de-cabra. Tudo isto enquanto é observado pelo misterioso G-Man.

É difícil apresentar um jogo deste calibre e por isso, para deixar o trabalho o menos incompleto possível, deixei alguns vídeos que demonstram os primeiros níveis acima, na parte sobre o enredo, e fica em seguida o trailer.

Resta apenas referir as expansões que surgiram a partir de Half-Life: HL: Opposing Force (1999), HL: Blue Shift (2001) e HL: Decay (2001). Em Opposing Force seguimos os eventos de Half-Life da perspectiva de Adrian Shephard, um dos militares enviados à base para resolver a situação, que após ver o helicóptero onde viajava ser abatido pelos aliens de Xen tem de lutar pela sobrevivência em conjunto com os cientistas, seguranças e outros militares que encontra. Em Blue Shift acompanhamos as pisadas de Barney Calhoun, um dos seguranças do laboratório que quer apenas escapar do mesmo após a abertura dos portais e o tenta com a ajuda do Dr. Rosenberg, um dos principais cientistas de Black Mesa. Por fim resta Decay (apenas disponível para a Playstation 2, criado quando Half-Life foi lançado nesta consola) que tem uma vertente cooperativa para duas pessoas, que controlam as cientistas Gina Cross e Colette Green enquanto estas preparam o cristal que Freeman coloca no espectrômetro e em seguida o ajudam, de forma discreta e invisível na perspectiva do jogo original, a tentar parar o aparecimento dos portais, resolvendo diversos puzzles pelo caminho.

A sequela Half-Life 2, lançada em 2004 e que mais uma vez significou uma revolução no mundo dos jogos de acção, será apresentada num post dentro de poucos dias.

7ª Arte: American Beauty (1999) by Sam Mendes

2010-01-31T10:41:00.000-08:00

O inglês (de ascendência portuguesa) Sam Mendes não poderia ter desejado um melhor filme de estreia do que aquele que lhe "calhou" (e calhou é mesmo o termo certo, pois apenas foi escolhido após vinte realizadores serem convidados para o projecto): o recipiente do Oscar para Melhor Filme, Melhor Guião e Melhor Director de 1999, American Beauty.

O filme segue a história de Lester Burnham, um empregado de escritório com uma crise de meia-idade que leva uma vida típica de classe média na sua casa dos subúrbios, onde vive com a mulher materialista e a filha, uma adolescente insegura. Aos seus olhos tudo parece estático e triste, mas o aborrecimento e imobilidade da sua existência terminam quando Lester se deixa enfeitiçar por uma amiga de escola da filha e se decide libertar do seu trabalho, que sente lhe estar a destruir a alma. Por seu lado, a sua mulher volta a ser feliz quando começa um caso com um colega de trabalho e a filha ganha confiança ao aperceber-se do interesse do seu novo vizinho, Ricky Fitts, por ela. Tudo parece estar alinhado para a felicidade das personagens, mas desde o início do filme sabemos que Lester vai morrer. O que correrá mal agora que ele parece ter encontrado de novo um propósito?

Tudo isto faz o filme parecer apenas um documentário sobre a frustração e superficialidade da vida no mundo Ocidental. E, de facto, é exactamente isso que é. O que faz dele um grande filme é não só a forma como mostra isso mas também os seus contrastes: passamos de momentos divertidos para outros em que a tristeza é palpável; vemos profunda solidão mas também amor verdadeiro; prisão e libertação da monotonia e conformidade. Outro tema essencial que o filme pretende transmitir é a realização da beleza que há no Mundo e nos rodeia todos os dias e a todos os segundos. Ricky tem uma câmara de vídeo portátil que usa constantemente para não perder um momento desta beleza e esplendor e graças aos seus vídeos tem uma das melhores passagens da história, sobre uma filmagem que fez de um saco de plástico ao vento, a cena mais bela que presenciou. O filme, através da celebração que faz da beleza, parece querer passar a mensagem de que nunca é tarde para procurar um sentido ou rumo para a vida e que há imensas maneiras de ultrapassar (ou enganar) o entorpecimento.

Com um argumento de Alan Ball (criador, argumentista e realizador das séries Six Feet Under e True Blood) e interpretações brilhantes de Kevin Spacey (que o fez ganhar o seu segundo Oscar, após The Usual Suspects) e Annette Bening, bem acompanhados por Thora Birch, Wes Bentley, Chris Cooper, Mena Suvari e Allison Janney. A música original do filme esteva a cargo de Thomas Newman que compôs temas usados hoje até à exaustão em anúncios e séries, como House M.D. Além disso ainda faz parte da banda sonora músicas de artistas como The Who, Bob Dylan, Free ou Neil Young. Além dos Prémios da Academia já referidos, American Beauty ganhou ainda dezenas de outros (BAFTAs, Grammys, Globos de Ouro,...), foi o filme mais bem cotado de 1999 e fez quase 350 milhões de dólares em lucros.

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8ª Arte: Dali Atomicus (1948) by Philippe Halsman

2010-01-21T06:05:00.000-08:00

Nascido na Letónia em 1906, Philippe Halsman foi um dos mais importantes retratistas do século XX. Da sua autoria são algumas das mais famosas imagens de Einstein, Pablo Picasso, Judy Garland, Marilyn Monroe, Alfred Hitchcock, John F. Kennedy, Winston Churchill, Richard Nixon e outros. Muito do prestígio que obteve adveio da técnica de fotografia a que o próprio chamou jumpology: Halsman pedia a quem ia fotografar para saltar antes de captar a imagem, acreditando que isto fazia a pessoa concentrar-se nessa tarefa e "deixar cair a máscara, revelando a sua imagem real". No livro "Jump Book" (de 1959) o artista junta a uma discussão sobre essa prática 178 dos retratos de famosos que resultaram dela.

Em 1941 Philippe Halsman conheceu Salvador Dalí. Os dois começaram a colaborar no fim da década de 40 e em 1954 lançaram o livro "Dali's Mustache", que apresenta 36 fotografias diferentes do famoso bigode do catalão. Outra colaboração famosa do par é "In Voluptas Mors" (1951), uma imagem que mostra Dalí ao lado de uma caveira composta pelos corpos nus de sete mulheres e que demorou mais de três horas para ser conseguida como o pintor a tinha imaginado (e foi altamente promovida em 1991 com a sua inserção no poster do filme "The Silence Of The Lambs).

Para alcançar o resultado pretendido no retrato acima, Dali Atomicus, a suposta génese da jumpology, foram necessárias 28 tentativas e seis horas, assim como a ajuda de vários assistentes para atirarem a água e os gatos (cada vez mais aborrecidos) e da mulher de Halsman, Yvonnes, que se pode ver a segurar a cadeira na imagem não retocada (onde falta a pintura no cavalete central e ainda estão presentes os fios que seguram os vários objectos suspensos). É uma homenagem à Era Atómica (físicos tinham anunciado na época que toda a matéria está num estado de suspensão constante) e à pintura surrealista "Leda Atomica" (1949), que aparece ainda incompleta no retrato e da qual este tira o nome.

Depois de vários livros publicados e diversas capas de revistas conceituadas como a Life e a Time conquistadas, Halsman morreu em 1979 em New York, não sem antes receber, entre outros, o prémio de Life Achievement in Photography pela American Society of Magazine Photographers em 1975 e fazer parte da lista World's Ten Greatest Photographers da revista Popular Photography, em 1958.

11ª Arte: Selfillumination (2006) by André Kutscherauer

2010-01-11T13:38:00.000-08:00

"A picture about self-fulfillment."

O autor desta imagem, o alemão André Kutscherauer, criou-a usando os programas de modelação tridimensional 3ds Max e Rhino 3D. Este e muitos outros trabalhos do autor já apareceram em revistas de informática (e não só) e foram aplaudidos pelo realismo conseguido na manipulação em 3D, tornando Kutscherauer um dos mais importantes artistas na área, com direito a representação nos ainda poucos e extremamente selectivos festivais de arte digital.

O facto de a imagem representar uma lâmpada de 50W prestes a ligar-se a uma corrente de no máximo 35W pode trazer consequências indesejáveis para a mencionada lâmpada.

"All our lifetime we aspire to get the ultimate self-fulfillment. But if we get there - the sense of life is gone. The way itself is the aim! Life is like the probe for a theatre play that never happens... We should take more care about this fact."

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3ª Arte: Madonna (1895) by Edvard Munch

2010-01-01T14:47:00.000-08:00

Isto é simplesmente uma das obras, naturais ou humanas, mais bonitas que já vi. Edvard Munch pintou cinco versões de Madonna: uma delas está no Munchmuseet de Oslo (foi roubada em 2004 juntamente com uma versão do "Skrik" mas recuperada dois anos depois em relativo bom estado), outra no MoMA de New York e a do post está no Nasjonalmuseet, também em Oslo. Representada está Maria, mãe de Jesus de Nazaré.

Bom ano.

6ª Arte: Aubade (1977) by Philip Larkin

2009-12-19T17:59:00.000-08:00

I work all day, and get half-drunk at night.
Waking at four to soundless dark, I stare.
In time the curtain-edges will grow light.
Till then I see what's really always there:
Unresting death, a whole day nearer now,
Making all thought impossible but how
And where and when I shall myself die.
Arid interrogation: yet the dread
Of dying, and being dead,
Flashes afresh to hold and horrify.

The mind blanks at the glare. Not in remorse
- The good not done, the love not given, time
Torn off unused - nor wretchedly because
An only life can take so long to climb
Clear of its wrong beginnings, and may never;
But at the total emptiness for ever,
The sure extinction that we travel to
And shall be lost in always. Not to be here,
Not to be anywhere,
And soon; nothing more terrible, nothing more true.

This is a special way of being afraid
No trick dispels. Religion used to try,
That vast, moth-eaten musical brocade
Created to pretend we never die,
And specious stuff that says "No rational being
Can fear a thing it will not feel", not seeing
That this is what we fear - no sight, no sound,
No touch or taste or smell, nothing to think with,
Nothing to love or link with,
The anasthetic from which none come round.

And so it stays just on the edge of vision,
A small, unfocused blur, a standing chill
That slows each impulse down to indecision.
Most things may never happen: this one will,
And realisation of it rages out
In furnace-fear when we are caught without
People or drink. Courage is no good:
It means not scaring others. Being brave
Lets no one off the grave.
Death is no different whined at than withstood.

Slowly light strengthens, and the room takes shape.
It stands plain as a wardrobe, what we know,
Have always known, know that we can't escape,
Yet can't accept. One side will have to go.
Meanwhile telephones crouch, getting ready to ring
In locked-up offices, and all the uncaring
Intricate rented world begins to rouse.
The sky is white as clay, with no sun.
Work has to be done.
Postmen like doctors go from house to house.

Philip Larkin in Collected Poems

O poema acima é o último grande trabalho de Philip Larkin, autor britânico controverso (devido à sua alegada misoginia e racismo), algo pornográfico e laureado pela Poetry Book Society e o jornal The Times como o melhor poeta inglês da segunda metade do século XX. Audabe, que como outros poemas de Larkin varia muito no esquema de rima, examina o terror da certeza da morte que alguém enfrente sozinho ao acordar de madrugada e aperceber-se que está um dia mais próximo do fim. Ao longo dos cinquenta versos observamos o pânico que sente, não por ter desperdiçado a vida, mas simplesmente porque sabe que caminha para o nada absoluto. A esperança que muitos encontram na religião não lhe dá qualquer consolo pois não acredita numa alma imortal. Crê mesmo que nem coragem vale a pena ter pois, no termo da vida, tê-la ou não não fará qualquer diferença. Mas finalmente o dia nasce e há trabalho para fazer, há que voltar a entrar na monotonia que o distrair do inevitável durante algum tempo, dia após dia, sempre mais próximo.

4ª Arte: Psyche Revived by Cupid's Kiss (1793) by Antonio Canova

2009-12-07T17:33:00.000-08:00

A lenda de Eros (ou Cúpido) e Psyche tem a sua fonte mais antiga no livro Metamorphoses, de Apuleius, o único romance Latino que sobreviveu íntegro a passagem do tempo.

Afrodite (deusa da beleza, amor e sexualidade) sentia inveja de Psyche, uma mulher tão bela e graciosa que era muitas vezes comparada a si e pela qual muitos homens tinham deixado de frequentar os seus templos, passando a adorar uma simples mortal. A deusa pediu então ao seu filho Eros que atingisse Psyche durante o sono com as suas flechas para que quando ela acordasse se apaixonasse pela primeira criatura que visse, planeando a deusa colocar um monstro à sua frente. No entanto, Eros cometeu um erro quando se aproximava da mortal à noite, espantado com a sua beleza, e deixou-se picar numa das suas flechas, apaixonando-se perdidamente por ela. Quando Afrodite sabe disto amaldiçoa Psyche para que ela nunca consiga encontrar um marido. Isto faz Eros decidir que enquanto a maldição se mantiver activa ele não disparará mais setas, o que fará o culto por Afrodite cair na ruína. Não só isto acontece como, sem ninguém, homem ou animal, se apaixonar, a Terra começa a envelhecer. Afrodite fica preocupada e decide deixar Eros ficar com Psyche desde que recomece imediatamente o seu trabalho, o que este faz.

Entretanto, na Terra, os pais de Psyche, preocupados por esta (ao contrário das suas menos atractivas irmãs) ainda não se ter casado, consultam o Oráculo de Delfos. Este diz (instruído a tal por Eros) que Psyche não está destinada a qualquer mortal mas sim a um ser que vivia no topo de uma montanha e que os próprios deuses temiam. Resignada ao seu destino, Psyche sobe à montanha, mas ao chegar ao seu topo é levemente conduzida por Zephyrus, o vento de Oeste, até um palácio luxuosamente ornamentado, preparada por Eros. À noite o deus do Amor visita-a, ocultado pela escuridão, e o casamento é consumado. Eros continua a visitar Psyche todas as noites, não deixando que ela acenda qualquer luz pois não quer que o reconheça até ser a altura certa, mas mesmo assim a mortal apaixona-se. Um dia as irmãs vão visitá-la e, invejosas da agora grávida (de Hedone, deusa do prazer) Psyche ao vê-la feliz e num palácio tão sumptuoso, dizem-lhe que corre o rumor de que o seu marido é uma enorme serpente que se vai alimentar dela e da sua filha quando tiver fome, aconselhando-a a apunhalar o marido quando surgir a oportunidade. Psyche, achando que as irmãs a instruíram a tal por preocupação, leva então uma lâmpada e um punhal para a cama mas quando acende a luz a meio da noite, vendo as asas de Eros, reconhece-o imediatamente. Ao baixar-se para o beijar, deixa cair uma gota de óleo da lâmpada no seu ombro, o que o faz acordar e lhe deixa de imediato uma chaga no local. Eros vai-se embora, ferido, dizendo: o amor não sobrevive sem confiança!

Desesperada, Psyche dirige-se até um templo de Afrodite, a única intermediária que conhece para chegar ao seu Amor. Afrodite decide impor quatro difíceis trabalhos a Psyche para a levar a Eros, achando que os trabalhos a matariam ou cansariam de tal modo que a fariam perder a beleza. Primeiro fecha-a num quarto onde está uma montanha de grãos diversos e exige que os separe de acordo com a espécie no espaço de uma noite. Psyche adormece exausta pouco depois de começar mas Eros, que ainda a amava, manda um grupo de formigas terminar o trabalho. O segundo trabalho consiste em ir buscar lã de ouro que uns carneiros produziam. Estes eram perigosos e não lhe permitiam aproximar-se, mas uma voz diz-lhe para ir até um pinheiro, perto do qual os carneiros bebiam água, e colher a lã que ficasse presa na árvore. Psyche assim faz. De seguida, Afrodite ordena a Psyche que lhe traga água pura da nascente do rio Styx. O problema é que a nascente se encontrava no topo de uma montanha íngreme, impossível de escalar. Psyche ainda tenta subir, mas não consegue, até que as águias de Zeus aparecem, pegam nela e a levam ate ao topo, permitindo-lhe encher um frasco de água. Enfurecida com os sucessivos sucessos da mortal, Afrodite escolhe como último trabalho que Psyche desça até Hades, nas profundezas do mundo, e peça à sua rainha, Persephone, alguma da sua beleza, pois Afrodite tinha perdido parte da sua enquanto cuidava do filho deprimido. A deusa estava confiante que Psyche morreria, e na verdade a mortal ao início acha que a única maneira de chegar a Hades é matar-se, subindo então a uma torre para de lá se atirar. Mas no topo, a própria torre fala com ela e explica-lhe como pode chegar a Hades, passar pelo temível Cerberus e convencer Charon a transportá-la até Persephone. Ela assim faz e consegue convencer a deusa do submundo a dar-lhe parte da beleza. No entanto, quando está a voltar a Afrodite, não resiste a abrir a caixa, achando que assim Eros irá com certeza amá-la outra vez. Dentro da caixa está também uma maldição que faz Psyche cair num sono infernal que a domina. Eros, que já a perdoou, vai em seu socorro e acorda-a, voltando a colocar a beleza excedente na caixa. Dirigem-se então os dois a Zeus para pedir-lhe que os deixe casar, o que ele concede, acabando por também dar a imortalidade a Psyche, que a consegue bebendo um sumo de ambrósia.

Esta lenda da mitologia grega foi das que mais inspirou as artes ao longo dos séculos, principalmente na literatura, pintura e escultura. A estátua em mármore de Antonio Canova presente no post representa uma cena do final da lenda, após Eros acordar Psyche do sono infernal. Foi comissionada a Canova por Sir John Campbell, um coronel escocês, com outra estátua do casal chamada apenas "Cupid and Psyche". Devido à dificuldade de as transportar até Inglaterra, as estátuas ficaram no estúdio do escultor, em Roma, até que a cidade foi invadida por tropas francesas em 1798 e o General Murat, cunhado de Napoleão, as tomou como suas. Em 1824, foram adquiridas pelo Louvre, em Paris, onde se encontram em exibição desde então. Esta escultura, uma obra-prima da época, mostra a mestria e perfeição do trabalho de Canova: o contraste entre a aspereza da rocha e a suavidade da carne, a excelência com que conseguiu captar o abraço de dois corpos, a maciez dos cabelos e asas... Há imagens melhores da estátua (como esta, de um ângulo um pouco restritivo mas que permite ver muito bem alguns detalhes, como os olhos de Eros), mas sendo estas as primeiras photos tiradas por mim de uma escultura que queria mostrar, não resisti a usá-las.

9ª Arte: Nunca Mais Sou Doutor (2008) by Manel Cruz

2009-12-03T10:19:00.000-08:00

Manel Cruz, vocalista dos extintos Ornatos Violeta, mostrou desde pequeno jeito para o desenho, pensando até seguir carreira na banda desenhada. Felizmente, a pressão de familiares e amigos para que se esforçasse mais fê-lo procurar refúgio na música, de onde acabou por não voltar a sair. No entanto, nunca abandonou por completo a sua primeira (ou 9º, no caso) arte: foi ele que fez todos os desenhos presentes nos livretes dos dois álbuns dos Ornatos Violeta, assim como a capa de "Cão!" (a capa de "O Monstro Precisa De Amigos" também é da sua autoria, mas sendo uma escultura não é agora chamada para aqui), e os do livro que acompanha o seu disco a solo "Foge Foge Bandido". Além disto continuou a desenhar "por fora", a fazer desenhos técnicos profissionais de vez em quando e BD recheada do seu humor particular, embora esta seja um pouco difícil de descobrir. Visto que encontrei essa que se encontra acima, achei que esta sequência de posts dedicada à banda era uma boa altura para partilhar.

3ª Arte: Double Happiness (2006) by Kinörm

2009-11-26T08:15:00.000-08:00

Vários dos elementos dos Ornatos Violeta exploram outras artes para além da música. É o caso de Kinörm, baterista da antiga banda. Numa passagem pela China em 2006 e 2007 fez muitos desenhos e colagens que deixou num blog (cujo link está no fim do post). O acima é um dos que achei mais bem conseguidos.

Desenhos Em Xangai

1ª Arte: O Monstro Precisa De Amigos (1999) by Ornatos Violeta

2009-11-22T08:31:00.000-08:00

Passam hoje 10 anos do lançamento do segundo álbum dos Ornatos Violetas. O fim da banda, em 2002, mostrou que O Monstro Precisa De Amigos era também o último. Com "Cão!" (1997) a banda já tinha mostrado bastante talento, em composições musicais como Punk Moda Funk ou letras como a Mata-me Outra Vez e 1 Beijo = 1000, mas mesmo com expectativas elevadas seria difícil imaginar o que viria a seguir.

O álbum abre com Tanque, cujos primeiros segundos parecem fazer antever um OK Computer versão portuguesa. Surgem já algumas das linhas que apetece citar e escrever como se fossem de algum grande escritor clássico, "todo o mal e todo o bem cedo voltará a nós, inocente e trágica lição". Musicalmente nada a dizer, um magistral começo. Segue-se Chaga, o single do álbum que não teve direito a clip, liricamente perfeito, "mas o tempo até passou, e és o que ele me ensinou: uma chaga pra lembrar que há um fim!". Dia Mau, uma faixa mais alegre que as duas iniciais, foi das músicas mais publicitadas do álbum graças ao seu constante aparecimento na série Uma Aventura.

Para Nunca Mais Mentir, a quarta música, é uma anáfora da palavra "para" e representa o primeiro momento mais calmo e com as guitarras menos estridentes do álbum. O que vem de seguida é o ponto alto da carreira da banda: Ouvi Dizer. Este dueto com Vítor Espadinha foi o primeiro single e recebeu o galhardete de "Melhor Canção Nacional" nos Prémios Blitz 1999. O piano e guitarra assentam na perfeição com as duas vozes que cantam as que são com certeza as melhores letras escritas em solo luso nos anos 90 e que começam com o já clássico "ouvi dizer que o nosso amor acabou, pois eu não tive a noção do seu fim". Capitão Romance, o terceiro single, é mais um dueto, desta vez com o vocalista dos mestres do folk punk Violent Femmes, Gordon Gano, com excelente pronúncia. Esta faixa é muitas vezes considerada a "cómica" do registo, talvez pela melodia e presença de um bandolim, pois as palavras são mais uma vez magníficas e a meu ver sérias.

"Guardar cá dentro amor não nos faz nada bem quando cá fora o ódio quer entrar": no meio do álbum está Pára De Olhar Para Mim, uma faixa que embora seja musicalmente boa é neste aspecto similar a outras e se destaca então, mais uma vez, pelas letras. A Operação Minimização do Ego Maximizado ("O que eu quis mostrar ao mundo era tão forte e tão profundo, eu quase me afoguei na emoção"), mais conhecida por O.M.E.M., é talvez a música mais pesada do álbum, não sendo isso um ponto negativo, e contem um momento quase rap. A seguir chega Coisas, melodicamente bastante complexa, com o baixo a destacar-se ao início e pelo meio da música a surgirem instrumentos clássicos misturados com sintetizadores, guitarras ásperas e a bateria também a salientar-se, tudo a acompanhar uma bonita letra que ao início parece ser sobre uma one night stand mas segue a tentar lidar com o sentimento de perda: "eu estou quase a viver".

Nuvem, sendo a música mais pequena do álbum tem também as letras mais curtas, acompanhadas por uma parede de som onde se ouvem violinos, que partilham com a guitarra a parte da frente do palco. Deixa Morrer não ganha pontos devido aos instrumentos, mas Manel Cruz a dizer "é tão bom ser mulher" dá-lhe o suficiente para a distinguir do resto. A penúltima canção é Notícias Do Fundo, talvez o ponto mais sereno e simples do disco que conta com mais uma letra sem qualquer falha que nos relembra a triste verdade que é "amor não dá de comer" e com outra frase faz lembrar There Is A Light That Never Goes Out. O álbum acaba com a música lógica para tal, Fim Da Canção. O baixo tem aqui mais uma vez algum relevo e antes das últimas frases há um trecho digno de menção que encerra em si a parte rock e acompanhamento clássico que passa por várias faixas do álbum. "Chegámos ao fim da canção e paro um pouco para dormir".

As letras, talvez por uma fase pior na vida de Manel Cruz, dir-se iam mais maduras, pois passam a ser essencialmente sobre perda, procura e esperança de recuperação do amor, em vez de masturbação, que (exagerando um pouco) é o tema central do primeiro disco. É de referir também que a voz que as canta não é qualquer uma: Manel Cruz é o feliz dono de um dos conjuntos de cordas vocais mais distintos em Portugal, comparado inclusive ao de Mike Patton. Mais do que qualquer outra coisa, uma música dos Ornatos Violeta distingue-se por aquela pronúncia do Porto. O vocalista ainda idealizou a capa e desenhou as imagens do livrete, tal como no primeiro álbum.

Musicalmente nota-se uma perda das influências ska presentes em "Cão!", algo que não é negativo tendo em conta o encontro de sons electrónicos e clássicos (afora as outras colaborações, a banda contou com a ajuda do quinteto nacional de rock instrumental Corvos em diversas faixas) brilhantemente encaixados na estrutura comum de uma banda rock. Embora Nuno Prata no baixo e Kinörm na bateria tenham vários momentos altos no álbum, o centro da fotografia é ocupado na maioria das músicas pela guitarra de Peixe (sendo que alguns dos arranjos aqui tenham sido da autoria de Manel Cruz) e Elísio Donas nos teclados.

O disco, com a duração de 50 minutos, contou com produção de Mário Barreiros, músico português que também produziu Clã, Da Weasel, Legendary Tiger Man, Jorge Palma, os dois álbuns dos Silence 4 e a compilações Tejo Beat (onde a banda participou com Tempo De Nascer, música que já fazia antever a direcção musical que tomaram no último trabalho).

Além do prémio já referido para "Ouvi Dizer", a banda ganhou ainda nos Prémios Blitz 1999 a distinção de Melhor Grupo Português, Melhor Voz Masculina e Melhor Álbum. O registo atingiu a Prata no Top português, vendendo mais de 12000 unidades. No ano que corre ganhou o prémio de Melhor Álbum Nacional dos Últimos 15 anos pela Antena 3 e ficou em 3º lugar numa lista feita pela revista Blitz dos Melhores Álbuns Portugueses dos anos 90.

Faixas:
1. "Tanque"
2. "Chaga"
3. "Dia Mau"
4. "Para Nunca Mais Mentir"
5. "Ouvi Dizer"
6. "Capitão Romance"
7. "Pára De Olhar Para Mim"
8. "O.M.E.M."
9. "Coisas"
10. "Nuvem"
11. "Deixa Morrer"
12. "Notícias Do Fundo"
13. "Fim Da Canção"

Numa nota pessoal, tenho de pedir desculpa pois este post está com certeza bastante tendencioso, mas para mim esta que apresento hoje aqui é a grande obra-prima da música portuguesa e como tal não posso fazer melhor.

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2ª Arte: Tchaikovsky e Petipa em Portugal

2009-11-18T08:02:00.000-08:00

Nascido a 7 de Maio de 1840 em Votkinsk (Rússia), Pyotr Ilyich Tchaikovsky foi dos principais compositores da era Romântica. Da sua autoria fazem parte conhecidas sinfonias, concertos para piano, óperas e bailados, dois dos quais vão estar em exibição por todo o país nas próximas semanas.

Marius Petipa foi um dançarino e professor de ballet considerado por muitos como o mais importante coreógrafo de sempre. Nasceu em Marselha em 1818 e morreu na actual Ucrânia em 1910. Foi mestre de ballet dos Teatros Imperiais de São Petersburgo de 1871 a 1903. As versões mais conhecidas dos bailados que nas próximas semanas passam por Portugal são da sua autoria.

- O Quebra-Nozes

Tchaikovsky compôs esta peça em 1891 e 1892 para a adaptação por Alexandre Dumas da história "The Nutcracker and the Mouse King" de E. T. A. Hoffmann. Lev Ivanov dirigiu a primeira apresentação, estreada em 1892 no Mariinskiy Teatr de São Petersburgo, sob direcção de Marius Petipa que estava doente na altura.

Na véspera de Natal, Clara é presenteada pelo seu padrinho com um boneco quebra-nozes. O seu irmão, com inveja, parte o boneco, que o padrinho prontamente repara. Mesmo assim, a menina fica preocupada com ele e quando a família se deita ela vai até à árvore ver como ele está. O problema é que a árvore começa a crescer sem parar e a sala enche-se de ratos que tentam raptar Clara. O quebra-nozes ganha então vida, e tenta proteger Clara, mas é também capturado...

O bailado é trazido a Portugal pela Moscow Classical Ballet e vai estar dia 21 de Novembro no Coliseu dos Recreios em Lisboa, com duas sessões. A entrada custa entre 27,5 e 35€. Até dia 30 vai passar por Coimbra, Castelo Branco, Leiria, Braga, Sintra, Figueira da Foz e Porto, com preços a rondar os de Lisboa.

- O Lago dos Cisnes

Em 1875 Tchaikovsky começou a escrever a música para acompanhar um bailado baseado em folclore russo e numa antiga lenda alemã. Tchaikovsky terminou o trabalho no ano seguinte e em 1877 este estreou no Bol'shoy Teatr de Moscovo. Marius Petipa e Lev Ivanov revivam a obra em 1895 no Mariinskiy Teatr.

O príncipe-herdeiro Siegfried vive desolado com a ideia de ter de escolher uma esposa até ao seu próximo aniversário e não se poder casar por amor. Por isto, foge para a floresta uma noite e ao ver um grupo de cisnes a voar, começa a persegui-los. Prepara-se para os atingir com flechas quando de repente um deles, muito belo e mais mulher que cisne, aterra perto de si. É Odette, uma princesa amaldiçoada por um feiticeiro para ser durante um dia um cisne e à noite uma mulher. Os dois apaixonam-se e lutam para permanecer juntos e destruir o feitiço, tendo de enfrentar o feiticeiro von Rothbart que quer ver a sua filha casada com Siegfried.

A Moscow Tchaikovsky Ballet chega a Lisboa a 7 de Novembro, onde apresenta o bailado no Teatro Tivoli (bilhetes entre 15 e 27€). Antes passa por Portimão, no dia 30 de Novembro, Matosinhos e Caldas da Rainha e no dia 8 de Novembro despede-se do país em Coimbra.

10ª Arte: GL Tron (1999)

2009-11-14T08:34:00.000-08:00

Nem só de grandes empresas é feito o mundo dos jogos. Como em todas as áreas há aqui pessoas com poucos ou nenhuns apoios e sem grandes meios que conseguem fazer grandes obras. Uma das grandes diferenças destes jogos independentes é que, além de normalmente continuarem a ser desenvolvidos e melhorados ao longo dos anos, são muito mais fáceis de editar, o que permite a qualquer pessoa criar níveis, mapas, texturas e personagens para o jogo, estando este assim em constante crescimento.

Baseado no filme TRON (1982) com Jeff Bridges, GL Tron é um jogo gratuito desenvolvido por Andreas Umbach, que começou a trabalhar nele em 1998 e o lançou em 1999. Com alguma ajuda que foi recebendo, transformou o jogo de 2D para 3D e adicionou uma banda sonora (composta por Peter Hajba). O jogo centra-se num dos desportos futuristicos presentes no filme, as corridas de LightCycle. Controlamos uma destas motas que anda num circuito quadrado fechado com três adversários. O objectivo é tentar atirar as outras motas contra as paredes ou contra o rasto sólido que cada uma vai deixando por onde passa, de modo a sermos os últimos de pé. Por mais simples que pareça, é bastante viciante, divertido e visualmente apelador.

Existe também um excelente jogo oficial lançado em 2003 sobre o filme, Tron 2.0 (em que no entanto as corridas de LightCycle são menos parecidas com o filme que no GL Tron), e uma sequela da longa-metragem, Tron Legacy, está a ser preparada (assim como um jogo para a acompanhar) para 2010.

Para sacar a versão corrente do jogo (0.70), com menos de 4MB, e mapas extra só têm de entrar no site abaixo, onde também é possível reportar bugs ou sugerir ideias a Andreas Umbach e acompanhar o desenvolvimento do jogo (uma das próximas novidades a incorporar será a possibilidade de jogar online).

Site Oficial

5ª Arte: O Ano Do Pensamento Mágico

2009-11-11T06:23:00.000-08:00

Em 2005 a conceituada autora americana Joan Didion publicou The Year of Magical Thinking, em resposta à morte do seu marido a 30 de Dezembro de 2003. O também escritor John Gregory Dunne teve um ataque cardíaco fatal à mesa de jantar depois do casal ter ido visitar a filha única, com pneumonia, ao hospital. Nesse mesmo ano o livro ganhou o National Book Award e foi aclamado como um clássico imediato no género da literatura de luto. Na obra, Didion analisa e revive a morte do seu marido e as consequências que tal teve no ano que se seguiu.

Em 2007 Didion adaptou o livro para apresentação nos palcos como um monólogo de uma mulher. A adaptação, que lida também com a morte da filha de Joan Didion em 2005, passou pela Broadway e National Theatre (Londres) encenada por David Hare e com Vanessa Redgrave e pela Sydney Opera House encenada por Cate Blanchett e com Robyn Nevin. É esta peça sobre morte, saudade e mágoa que está a partir de amanhã em exibição na Sala Garrett do Teatro Nacional D. Maria II. Encenada por Diogo Infante e com música de João Gil conta com Eunice Muñoz sozinha no palco.

De 4ª feira a Sábado às 21h30, Domingos às 16h, o preço de entrada (que pode sofrer descontos) situa-se entre 7,5 e 16€. Até 20 de Dezembro.

Site Oficial

8ª Arte: Crystal Castles @ The Casbah, San Diego (2008) by Macy J. Huynh

2009-11-05T05:41:00.000-08:00

Tirar fotografias num concerto não é obviamente algo fácil. As luzes, o movimento constante de quem está em palco, os empurrões de quem está fora dele são alguns dos obstáculos que há a ultrapassar para tirar uma boa fotografia num concerto. Num concerto dos Crystal Castles todos estes obstáculos se multiplicam várias vezes. Dito isto, gostei do efeito conseguido na foto acima.

Vários: Encompassing the Globe. Portugal e o Mundo nos séculos XVI e XVII

2009-10-25T07:55:00.000-07:00

Aberta ao público desde 15 de Julho do presente ano, a magnífica exposição Encompassing the Globe. Portugal e o Mundo nos Séculos XVI e XVII fecha as portas daqui a uma semana, a 1 de Novembro.

Com mais de 50 mil visitantes em Lisboa, esta exposição presente no Museu Nacional de Arte Antiga e organizada pela conceituada Smithsonian Institution já esteve exposta em Washington e Bruxelas. Além das cerca de 200 obras (gravuras, desenhos, escultura, marfins, ourivesaria, vestuário, cartografia, etc.) que servem para mostrar a importância de Portugal e das suas rotas marítimas no início da globalização do Mundo, nos séculos XVI e XVII, e que andaram em digressão, a exposição ainda foi enriquecida no MNAA com peças emprestadas por coleccionadores portugueses.

Para ver ou rever, das 10 às 18h (quinta-feira até às 23h), com um preço de entrada de apenas 5€, na Rua das Janelas Verdes. Está fechado na 2ª feira.

Site Oficial

9ª Arte: 20º Amadora BD

2009-10-22T09:11:00.000-07:00

No seu 20º aniversário, o Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora (com a nova sigla Amadora BD) tem como temas os 50 anos de Astérix (comemorados no próximo dia 29) e os também 50 anos de carreira de Maurício de Sousa (Mônica ainda só faz 46). Presente estará também uma retrospectiva destas duas décadas do mais importante festival de banda desenhada português e uma zona dedicada a manga e anime, pela primeira vez no certame. É de esperar a comparência de Maurício de Sousa (31 de Outubro e 1 de Novembro), François Boucq (idem), David Lloyd (desenhador de V for Vendetta, 7 e 8 de Novembro), Cameron Stewart (24 e 25 de Outubro), entre muitos outros, para sessões de autógrafos e conferências.

Como é habitual vai ser possível assistir à entrega dos Prémios Nacionais de BD, dia 31 de Outubro pelas 18h30 nos Recreios da Amadora. Uma homenagem ao recentemente falecido Vasco Granja, um dos principais divulgadores de banda desenhada e desenhos animados em Portugal, vai estar em exibição na Galeria Municipal Artur Baul.

De resto, o local principal da exposição continua a ser o Fórum Luís de Camões, dividido este ano em quatro núcleos distintos (Almanaque, Contemporaneidade Portuguesa, Colecção CNBDI e 20 anos de Concursos) onde se pode visitar o festival desde amanhã até 8 de Novembro. A entrada tem um preço de 3€, ou 2 para estudantes e pensionistas.

Site Oficial

7ª Arte: Mankind Is No Island (2008) by Jason van Genderen

2009-09-28T06:24:00.000-07:00

Com um orçamento de $57 (38€) e usando apenas um telemóvel Jason van Genderen realizou o filme vencedor dos prémios Peoples’ Choice e Best Film do Tropfest 2008 (o maior festival de curtas-metragens do Mundo), recebendo $20,000. Não só foi o primeiro filme a ganhar os dois prémios como foi o primeiro filme gravado em telemóvel a chegar às finais. A curta-metragem, filmada em Sidney e New York, foi produzido por Shane Emmett e conta com a música de John Roy. Tem apenas 3 minutos e 30 segundos, por isso penso que dispensa uma sinopse mais longa do que isto: uma visão sobre a invisibilidade dos sem-abrigo.

3ª Arte: No. 3/No. 13 (Magenta, Black, Green on Orange) (1949) by Marcus Rothkowitz

2009-09-25T17:59:00.000-07:00

O pintor letão Marcus Rothkowitz nasceu a 25 de Setembro de 1903. Ainda criança emigrou para os Estados Unidos, onde estudou na Universidade de Yale e se dedicou ao expressionismo abstracto a partir de 1923. Após viver uma carreira de sucesso que durou cerca de três décadas, a 25 de Fevereiro de 1970 engole uma grande quantidade de anti-depressivos e corta os pulsos, acabando assim com a sua vida, aos 66 anos. Um aneurisma que sofrera dois anos antes e que diminuiu grandemente a sua capacidade de pintar e o fim do seu segundo casamento estiveram provavelmente por trás desta decisão desesperada.

A pintura apresentada em cima está exposta no Museum of Modern Art de New York e tem 217 por 167 cm. Faz parte de uma estrutura que o artista explorou desde 1947 até à sua morte, composta por vários rectângulos de cores diferentes a pairar sobre um fundo colorido.

I'm interested only in expressing basic human emotions—tragedy, ecstasy, doom. If you are moved only by color relationships, then you miss the point.

11ª Arte: Pink Egg (2006) by bas7a

2009-08-14T21:19:00.000-07:00

6ª Arte: Suicide in the Trenches (1918) by Siegfried Sassoon

2009-06-28T15:52:00.000-07:00

I knew a simple soldier boy
Who grinned at life in empty joy,
Slept soundly through the lonesome dark,
And whistled early with the lark.

In winter trenches, cowed and glum,
With crumps and lice and lack of rum,
He put a bullet through his brain.
No one spoke of him again.

You smug-faced crowds with kindling eye
Who cheer when soldier lads march by,
Sneak home and pray you'll never know
The hell where youth and laughter go.

Siegfried Sassoon in Counter-Attack and Other Poems

Passam hoje 95 anos do assassinato do Arquiduque Franz Ferdinand da Áustria e do início da Primeira Guerra Mundial. O autor, Siegfried Sassoon, escreveu o poema acima durante o seu serviço militar nesta mesma guerra.